The Beatles - Abbey road

Después de las fallidas sesiones de enero de 1969 en los estudios de filmación de Twickenham, el proyecto del álbum "Get Back" quedó archivado. Por un tiempo, los Beatles se dedicaron a sus vidas personales. El 12 de marzo del 69 Paul McCartney desposaba a Linda Eastman en el registro civil de Marylebone, en el centro de Londres y el 20 de ese mismo mes John Lennon hizo lo propio con Yoko Ono, en el consulado británico del peñón de Gibraltar. Los Lennon se van de luna de miel a Paris y luego siguen hacia Holanda, donde se pasan una semana en la cama de su cuarto del Ámsterdam Hilton, promocionando la paz en el mundo, un evento que tuvo gran cobertura periodística. Mientras tanto, el simple con el tema "Get Back" llegaba al primer puesto del ranking inglés en abril del 69, conteniendo en su lado B una balada blusera de John dedicada a su flamante esposa Yoko y titulada "Don’t let me down" (No me decepciones). En ambos temas acompañaba a los Beatles el tecladista Billy Preston. No sería el único nuevo simple del grupo ese año, ya que dos meses más tarde saldría The Ballad of John and Yoko describiendo las correrías de la famosa pareja en la época de su reciente casamiento. En este tema tocan solamente dos Beatles: John canta y toca guitarras eléctrica y acústica, mientras que Paul aporta bajo, batería, piano y maracas y hace segunda voz. La cara dos del simple era un tema de George Harrison llamado "Old Brown Shoe" (Viejo Zapato Marrón) grabado entre el 16 y el 18 de abril de 1969. La letra, una vez más, tenía que ver en la visión espiritual de George de que debíamos liberarnos de las realidades del mundo material, a las cuales veía como ilusorias. De esas cosas superfluas debíamos despojarnos como quien se saca "un viejo zapato marrón". A mediados de 1969, los Beatles parecían desencantados con ellos mismos, desgastados de una relación grupal que parecía no estimular ya a ninguno de sus miembros. Pero cuando parecía que todo terminaría allí, se produjo un pequeño milagro. George Martin recuerda que un día Paul McCartney lo fue a visitar para pedirle que produjese un álbum de los Beatles como en los viejos días. La idea era regenerar el espíritu de camaradería que solía surgir cuando los cinco estaban juntos en el estudio. Martin accedió a colaborar si es que los cuatro estaban de acuerdo a cooperar. Así fue como los Beatles regresaron al emblemático estudio de Abbey Road que tan decisivo había sido en su carrera y no es casualidad que álbum resultante llevase ese nombre como título. Tal vez concientes de que esta vez sí sería la última, John, Paul, George y Ringo depusieron por un tiempo sus diferencias y se dedicaron a hacer un álbum enchufado, coherente y lleno de buenos temas.

Come together

Come together (Vengan juntos ) El título significa "vengan juntos" o "acaben juntos", (el significado es ambiguo), un tema escrito por John que empezó su vida como una canción de campaña para el profesor Timothy Leary, filósofo de la contracultura y apólogo del LSD, quien en 1969 deseaba postularse como gobernador de California para competir contra Ronald Reagan. Leary y su esposa eran amigos de los Lennon e incluso participaron en el coro que acompañó la grabación de "Give Peace A Chance", el simple debut del grupo de Lennon Plastic Ono Band, grabado en el hotel Queen Elizabeth de Montreal, donde John y Yoko realizaban otra movida por la paz mundial desde la cama de su cuarto en el piso 19. El slogan de Leary era "Come together, join the party" (Venganse juntos, súmense al partido, o a la fiesta, porque el término "party" también es ambiguo en inglés), de modo que John tomó su guitarra y empezó a construir el estribillo del tema y a construir más tarde las imágenes semi-surrealistas que adornan las estrofas. La campaña de Leary quedó en la nada cuando el candidato fue detenido por posesión de marihuana, pero "Come Together" se tranformó en el tema de apertura de Abbey Road.

Maxwell’s silver hammer

Maxwell’s silver hammer (El martillo de plata de Maxwell) Esta canción parecería una truculenta historia de un asesino serial sino estuviese tamizada con el típico humor McCartney. Es el cuento de un estudiante de medicina llamado Maxwell Edison que primero elimina a su novia, luego a una conferencista y, por último, al juez de su caso. Hay evidencia del conocimiento de Paul del mundo del avant-garde en una parte de la letra que menciona la "patafísica", una palabra inventada por el dramaturgo francés pionero del teatro del absurdo, Alfred Jarry, el mismo que escribió "Ubu Rey". En la película Let It Be, McCartney trata de enseñarles la canción al resto de la banda, quienes se notan menos entusiasmados con ella. Se puede oír a McCartney a los 1:22 de la canción riendo en la línea "... writing fifty times I must not be so ..." en el estudio de grabación, risa que se ve puede escuchar en la grabación final. A menudo se rumorea sobre esto que cuando McCartney cantó la línea "so he waits behind", Lennon le mostró el trasero desde la sala de control. La canción tardó tres días en grabar porque McCartney pensó que podía ser un futuro single. Lennon dijo después: "El hizo todo lo posible por hacerlo un single, y nunca lo fue y nunca debió haberlo sido". Según Lennon la canción gastó más dinero que cualquiera otra en Abbey Road. George Harrison dijo que Maxwell's Silver Hammer era "una de esas canciones que algunas personas detestan pero otras realmente aman". También Ringo Starr en el 2008 recordó la canción diciendo "la peor grabación fue Maxwell's Silver Hammer. Fue la peor canción que grabamos. Fueron semanas horribles. Pensé que era loca". John Lennon se negó a participar de la grabación de esta canción por problemas personales con Paul especialmente.

Oh darling

Oh darling (Oh cariño) Otro tema de Paul, "Oh Darling", fue inspirado por las baladas de los últimos años 50, como las de Jackie Wilson. McCartney quería que su voz sonase cruda en este tema, de modo que lo estuvo cantando una y otra vez durante una semana, antes de grabarlo. "Quería que sonase como si lo hubiera estado cantando sobre el escenario durante toda la semana", declaró luego Paul. John Lennon toca el piano en esta canción.

Octopuss's garden

Octopuss's garden (El jardín del pulpo) La segunda y última canción escrita por Ringo para los Beatles fue "Octopuss’s Garden", (El jardín del pulpo), inspirada por unas vacaciones que el baterista pasó con su familia en Cerdeña, en 1968. Después que Ringo rechazó la oferta de un plato de pulpo para el almuerzo, el capitán del velero donde estaba le empezó a contar todo lo que sabía sobre la vida de los pulpos. Según Ringo, el capitán le contó que los pulpos paseaban por el lecho marino, juntando piedras y objetos brillantes para construir jardines. A partir de ese relato fue tomando forma la letra de la canción.

I want you (she’s so heavy)

I want you (she’s so heavy) (Te quiero a vos, ella es tan pesada) Este tema fue compuesto por John como una canción de amor para Yoko Ono. Lennon admitía la influencia que su esposa había tenido en su nuevo estilo de composición, sobre todo en la intención de simplificar las palabras. Decía que quería llegar a componer una canción perfecta utilizando sólo una palabra, como había hecho su mujer en 1964 con el poema que solo contenía la palabra "Water".

Here comes the sun

Here comes the sun (Aquí llega el sol) Este canción es de la autoría de George Harrison, quien la compuso una mañana de principios de la primavera en 1969, un día en que se sentía demasiado desgastado por las rencillas empresariales de los Beatles, como para ir a la oficina de Apple y optó, en cambio, por visitar a su amigo Eric Clapton. Así, en el jardín de la casa de Eric, bañado por el sol, le surgió la letra y la melodía.

You never give me your money

You never give me your money (Nunca me das tu dinero) Este tema, originalmente compuesto por Paul, anunciaba el comienzo del famoso medley de temas que ocupaba buena parte del lado dos de Abbey Road en el antiguo disco de vinilo. McCartney fue el encargado de recopilar las canciones, muchas de ellas fragmentos de temas en realidad, y buscar la manera de unirlas. El título de este tema alude a los líos que los Beatles tenían con sus cuentas, y al hecho de que recibían liquidaciones diciendo cuánta plata entraba en sus arcas y cuánta salía pero, según declaró Harrison en esa época "eran puros papeles, nunca veíamos libras, chelines o peniques.

Sun king

Sun king (El rey sol) Lennon dijo que la idea del tema "Sun King" se le ocurrió en un sueño, pero es posible que también haya tenido que ver una asociación inconciente con el rey Louis XIV de Francia (apodado justamente El Rey Sol), cuya biografía había sido escrita por ese entonces por Nancy Mitford. Las palabras finales, en varios idiomas latinos, eran las típicas que a los turistas anglosajones se les quedan pegadas cuando van a pasar una vacación al Mediterráneo. En cuanto a la melodía etérea, Harrison sugirió que fue inspirada en el entonces reciente hit de Fleetwood Mac "Albatross", compuesto por el guitarrista Peter Green.

Mean Mr. mustard

Mean Mr. mustard (El malvado señor mostaza) Como venía siendo su costumbre desde varios años atrás, John seguía extrayendo parte de la inspiración para sus canciones de cosas que veía en televisión o que leía en los diarios, como la historia de un avaro que guardaba su dinero en cualquier parte con tal de evitar gastarlo y que le sirvió de modelo para "Mean Mr. Mustard" (el Malvado Señor Mostaza). El tema había sido escrito en la India y en la versión original el tal Mr. Mustard tenía una hermana llamada Shirley pero John le cambió el nombre a Pam cuando se dio cuenta que le iba a facilitar la unión con el tema siguiente.

Polythene Pam

Polythene Pam (Pam de polietileno) Era la canción que seguía a "Mean Mr mustard", y que homenajeaba en parte a una temprana fan de los Beatles llamada Pat Hodgett que en los días del Cavern solía seguirlos a todas partes y que tenía el hábito de comer pedacitos de polietileno. Se dice también que había otra chica llamada Stephanie que amaba también el polietileno pero para vestirse y envolverse con este material en circunstancias eróticas.

She came in through the bathroom window

She came in through the bathroom window (Ella entró por la ventana del baño) Una canción de de Paul, que estaba basada también en un hecho real. Las "Apple Scruffs" eran unas chicas que hacían guardia a las puertas de las casas de los Beatles durante días con la sola esperanza de verlos o hablar unas palabras con ellos. Parece ser que un día, sea por aburrimiento, por una apuesta o por simple locura del momento, una de ellas irrumpió en la casa de McCartney subiéndose a una escalera que daba a la ventana del baño de Paul e ingresando así a la casa. Una vez adentro, abrió la puerta para que entrasen sus amigas. Las chicas, se llevaron algunas cosas y también algunas fotografías y negativos. Como Paul era amigo de las fans, logró recuperar algunos de sus objetos personales. La frase "and so I quit the Police department" (entonces renuncié al departamento de Policía) fue inspirada por un agente de Nueva York al que le habían encomendado custodiar a Paul. McCartney vio su credencial y notó que se llamaba Eugene Quits, que traducido significa: Eugenio Renuncia. Era un nombre demasiado bueno como para dejarlo escapar y así fue que ingresó en la canción.

Goleen slumbers

Goleen slumbers (Sueños dorados) Estando en la casa de su padre Jim, Paul se puso a tocar el piano y al pasar las páginas de un libro de canciones que pertenecía a su hermanastra Ruth, encontró la canción de cuna tradicional "Golden Slumbers" (Sueños Dorados). Como Paul no leía música, decidió ponerle su propia melodía a la letra tradicional que pertenecía al escritor y dramaturgo Thomas Dekker, un contemporáneo de Shakespeare. La canción fue publicada por primera vez en la obra The Pleasant Comedy of Old Fortunatus en el año 1600. Y a pesar de que "Carry That Weight" (Carga ese peso) parece ser simplemente otro tema del medley de Abbey Road, fue pensado como parte de "Golden Slumbers", como para integrar un simple (por eso lo agregamos aquí) . La letra expresaba el temor de Paul de que los Beatles tenían los días contados, entre los líos financieros y los problemas personales entre los cuatro, y lo que significaba cargar el peso de ser un Beatle.

The end

The end (El fin) Este tema tenía un nombre sin duda apropiado porque iba a ser la canción que ponía final a la carrera discográfica del grupo que le puso su sello a toda una época. El tema contiene el único solo de batería grabado por Ringo en toda su carrera con el grupo y deriva en una breve zapada colectiva, algo también inédito en los Beatles. Por último llega la conmovedora frase final "y al final, el amor que te llevás es igual al que brindaste", concebida por McCartney a la manera de las coplas rimadas que terminaban las obras teatrales de Shakespeare, a la manera de epílogo de los hechos relatados.

Her majesty

Her majesty (Su majestad) Había una pequeña coda en Abbey Road, "Her Majesty" (Su Majestad), un tema que había sido escrito por Paul en Escocia y pensado para unir "Mean Mr. Mustard" con "Polythene Pam". Al escuchar como quedaba la unión, sin embargo, McCartney pidió que lo retirasen. El ingeniero de grabación, entonces, sacó el segmento de tema de ese lugar y lo puso al final de la cinta para que no fuese destruido, algo que era práctica común en ese entonces. Se ve que en algún momento alguien dejó correr la cinta hasta el final y "Her Majesty" hizo su aparición como un temprano "tema secreto", esa costumbre que se hizo tan famosa en los 90. Obviamente al grupo le gustó y quedó en el álbum.

Something

Something (Algo) En los comentarios de este álbum, dejamos para el final este tema, por considerarlo tal vez la obra más grande del disco, a este tema compuesto por George. Es indudable que para cuando los Beatles grababan Abbey Road, George Harrison estaba alcanzando su pico como autor. Esto resultó obvio aún para Lennon y McCartney, quienes estuvieron de acuerdo en que el exquisito "Something" se transformase en el lado A del siguiente simple de los Beatles, además de ocupar su lugar en el nuevo álbum. Tanta aceptación tuvo el tema de George que es, al día de hoy, el tema de los Beatles que más versiones tiene por parte de otros artistas, después de "Yesterday". Hasta Frank Sinatra hizo la suya, aunque siempre pensó que la canción era de Lennon-McCartney. «Something» fue grabada durante las sesiones de grabación del álbum Abbey Road. Se tomaron 52 tomas en dos períodos principales; la primera sesión consistió en una toma demo en el vigésimo sexto cumpleaños de Harrison, es decir, el 25 de febrero de 1969, seguida por trece tomas de pistas secundarias el 16 de abril; en la segunda sesión se tomaron 39 tomas y la misma empezó el 2 de mayo de 1969, cuando las partes principales de la canción se establecieron en 36 tomas, terminando el 15 de agosto de ese año, después de algunos días «duros» al estar grabando 9 pistas. El demo original que la banda utilizó duró ocho minutos, con Lennon en el piano hacia el final (el cual fue grabado poco después ya que Lennon no estuvo presente durante las primeras sesiones breves). El centro de la canción también contenía una pequeña sección de contramelodía en el borrador. Tanto la contramelodía como la pieza del piano fueron cortadas en la edición final. Sin embargo, la parte del piano de Lennon no fue borrada completamente. Algunos pedazos se pueden escuchar en la parte del coro, en particular la cuerda tocó abajo de la escala de Do mayor, es decir, el paso de conexión al solo de Harrison en la guitarra. Las partes eliminadas de la parte del piano de Lennon más tarde se convirtieron en la base de la canción «Remember», una canción del mismo Lennon. El video promocional de «Something» fue rodado poco antes de la separación del grupo. Durante este tiempo, cada uno de The Beatles había comenzado su separación, por lo que la película consistió en unas breves escenas grabadas con cada uno del grupo caminando por separado alrededor de su hogar, acompañado por su esposa; más tarde, se editó la película uniendo las diferentes grabaciones que se habían hecho. El álbum de Abbey Road fue el primer lanzamiento de The Beatles en presentar a «Something»; dicho álbum se lanzó el 26 de septiembre de 1969 en el Reino Unido, seguido del lanzamiento en Estados Unidos el 1 de octubre, con un buen desempeño, encabezando las listas de popularidad de ambos países.14 15 Pocos días después, el 6 de octubre, «Something» fue lanzada como un sencillo en el lado A de «Come Together» en Estados Unidos, convirtiéndose en la primera composición de Harrison en recibir una atención especial al acompañar a un sencillo de The Beatles. A pesar de que empezó a listarse una semana después de su lanzamiento (el 18 de octubre), empezaron a surgir dudas en torno a la posibilidad de «Something» de encabezar las listas estadounidenses. En aquel tiempo era común la costumbre de considerar las ventas para transmitir en la radio el lado A y lado B individualmente, lo cual permitía sus posiciones en las listas por separado. Con «Come Together» rivalizando a «Something» en cuanto a popularidad, era difícil descifrar qué lado del sencillo sería el que llegaría al número uno en las listas. Sin embargo, el 29 de noviembre, la revista Billboard empezó a incluir el rendimiento combinado del lado A como del B dentro de sus cálculos como un sencillo. El resultado fue que el sencillo «Come Together/Something» encabezó las listas estadounidenses por una semana, antes de que finalmente fuera desplazada de las listas dos meses después. En la lista rival de sencillos Cash Box, en la cual se continúa midiendo el rendimiento de ambos lados por separado, «Something» llegó al número dos, mientras que «Come Together» permaneció tres semanas en el número uno. Tan sólo tres semanas después de su lanzamiento inicial, el sencillo fue certificado como disco de oro, pero no se supo más de este mismo en cuanto a las ventas hasta 1999, donde se le certificó como disco de platino. En el Reino Unido, «Something» salió el 31 de octubre, siendo el primer sencillo en incluir canciones ya disponibles en un álbum.17 «Something» entró por primera vez a las listas británicas el 8 de noviembre, finalmente llegando al número cuatro, sin embargo, salió de la lista tres meses después de su lanzamiento inicial. En el Reino Unido la versión de Shirley Bassey también alcanzó el puesto número cuatro. A pesar de que el mismo Harrison se había decepcionado de la canción —dijo que «la había 'congelado' casi seis meses porque pensaba que era 'muy simple'»—18 tanto Lennon como McCartney afirmaron que trataban a «Something» con gran respeto. Lennon dijo: «yo creo que es la mejor pista del álbum, en serio», mientras que McCartney mencionó: «Para mí, es la mejor canción que él haya escrito [para el grupo]».5 Ambos habían ignorado las composiciones de Harrison antes de que él escribiera «Something», ya que las canciones de Paul y John eran las que más habían llamado la atención. Tiempo después, Lennon explicó: Hubo un período vergonzoso en que las canciones de George no eran del todo buenas y nadie quería decir nada al respecto. Simplemente, él no estaba en el mismo tono por un largo período, pero eso no es menospreciarlo, sino que no tenía la misma experiencia como escritor como la que nosotros habíamos tenido.

Premios

En 1970, el mismo año en que The Beatles anunciaron su separación, «Something» recibió el Premio Ivor Novello por «Mejor Canción: Música y Letra».19 Desde entonces, «Something» continúa cosechando elogios décadas después de su lanzamiento; de hecho, el sitio web de la British Broadcasting Corporation (BBC) la colocó en el puesto número 64 de su lista de las «mejores canciones de la historia». De acuerdo con la BBC, «Something» muestra con más claridad que cualquier otra canción de The Beatles que existieron tres grandes compositores en la banda en lugar de sólo dos.18 La mismísima página oficial de The Beatles dijo que «Something» «remarcó el ascenso de George Harrison como alguien fuerte en cuanto a composición».20 En 1999, Broadcast Music Incorporated (BMI) nombró a «Something» como la decimoséptima canción más interpretada del siglo XX, con cinco millones de interpretaciones en total. Otras canciones de The Beatles que se incluyeron en la lista fueron «Yesterday» y «Let It Be», ambas escritas por Paul McCartney, pero acreditadas como Lennon/McCartney. En 2004, ocupó el puesto número 273 en la lista de la revista Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

The Beatles - Let it be

Es muy común pensar que Let it be fué el último álbum que los Beatles grabaron, quizás por el hecho de ser el último disco lanzado por el grupo; pero la verdad es que fué grabado inmediatamente después del Album blanco, y dado que cronológicamente corresponde a ese período, es que lo analizamos a continuación, y antes que Abbey Road, que efectivamente fué la última ocasión discográfica que reunió a los Beatles en un estudio como cuarteto. Su concepto original, fué denominado "get back project", y la idea, era realizar un álbum como el primero, es decir tocando en directo, sin usar orquestaciones y la menor cantidad posible de play backs y sobregrabaciones, y por eso fué que para engrosar su sonido, llamaron al tecladista Billy Preston, un destacado músico de sesión americano, que había tocado con figuras como Ray Charles (luego de su histórica colaboración con los Beatles, seguiría tocando con George Harrison y siendo su amigo de por vida). Es un hecho conocido, que las sesiones de Let it be fueron caóticas, y llenas de peleas. Algo estaba cambiando en los Beatles, y no solo era la música. Más bien, el cambio musical era un reflejo de sus grandes cambios a nivel personal experimentados por cada uno de ellos. También las drogas iban cambiando en el seno Beatle, y es correcto decir que en este período los Beatles eran asiduos consumidores de cocaína. Paul fué quien presentó esta droga a los demás, en las sesiones de Sgt. Pepper. Así fué que la "merca" siguió presente en las sesiones del Album blanco (¿casualidad el nombre?) y ya para la época de la grabación de Let it be, se había vuelto una droga de consumo habitual entre los Beatles Seguramente esto también tuvo que ver con las peleas entre ellos, ademas de las grandes cantidades de alcohol que se bebían en el estudio, ya que habían hecho montar un bar con todo tipo de bebidas alcohólicas. Atrás habían quedado los días de psicodelia y risas multicolores. Para principios de 1969, habían dejado casi completamente el LSD (a excepción de Lennon que era politóxico y nunca abandonaba una droga, sino que más bien las iba sumando). Para la época consumía anfetaminas, marihuana, LSD, cocaína, heroína, además de grandes cantidades de alcohol. En su libro, Peter Brown cuenta que en su casa en Weybridge, para finales de 1968, Lennon tenía un mortero sobre la chimenea, donde solía mezclar toda clase de drogas, estimulantes, drogas psicodélicas, barbitúricos, etc. Continuando con el disco, el hecho fué que, estando comprometidos con United Artists para hacer otra película, y sin ganas de meterse en una carrera alocada por hacerla, Los Beatles cumplieron con su contrato con "Let It Be", un documental de 80 minutos a color en el cual se mostraba al grupo ensayando en los estudios de filmación Twickenham, grabando en los Estudios Apple y tocando en vivo en el techo de las oficinas de Apple en Londres. Estos tres tramos fueron rodados en enero de 1969, aunque la película no fue estrenada hasta mayo de 1970, momento en el cual se lanzaron como parte del "paquete" un libro y el álbum del mismo nombre. No se podía conseguir el disco solamente hasta noviembre de 1970. El plan original había sido realizar un álbum llamado "Get Back" y filmar el proceso de grabación para un documental para televisión. También estaba la posibilidad de tocar en vivo para el programa y se barajaron una cantidad de lugares: The Roundhouse en Londres, la Catedral de Liverpool y un anfiteatro romano en Túnez (Lennon sugirió que se podía hacer en un asilo para dementes). La película y el disco que finalmente emergieron trajeron aparejadas ciertas concesiones. En lugar de ser un documento de cómo el grupo se creó, "Let It Be" resultó ser un álbum de cómo el grupo se desmoronó. A fin de que el álbum viera la luz, Paul asumió el control, presionando y "pinchando" cuando era necesario, mientras John y George se enfurruñaban y abiertamente mostraban su resentimiento. Las grescas alrededor del álbum contribuyeron a la ruptura final del grupo. El norteamericano Allen Klein, que en ese momento actuaba como su representante, estaba descontento con la calidad de las cintas que había editado el ingeniero Glyn Johns, así que trajo a su compatriota Phil Spector para fortalecer la producción. Cuando Paul escuchó lo que le había hecho Spector a "The Long and Winding Road", pidió que se la volviera a su forma original. Luego de que su pedido fuera ignorado, Paul anunció su partida de los Beatles. El álbum "Let It Be" era deshilvanado, incoherente. Por haber sido el último disco editado generalmente se piensa que fue el último álbum que grabaron. El hecho sorprendente es que después de todas las peleas y altercados que caracterizaron a "Let It Be" los Beatles siguieron un poco más y grabaron "Abbey Road", un álbum que George Martin todavía cuenta entre sus favoritos. Para la época en que "Let It Be" fue lanzado, los Beatles habían dejado de existir. Paul ya había sacado su primer álbum solista, aunque no fue hasta diciembre de 1970 que su unión fue oficialmente disuelta luego del juicio que les entabló Paul a los demás. "Let It Be" alcanzó el tope de los charts británicos y estadounidenses luego de su edición en mayo de 1970. Los 4 millones de pedidos por anticipado en los EE.UU. fue la mayor que tuviera un disco en toda la historia.

Two of us

Two of us (Dos de nosotros) Cantada en el documental "Let It Be" por John y Paul (ambos tocaban también guitarras acústicas) "Two of Us" parece tratarse de sus años de adolescencia en Liverpool: quemando fósforos, levantando pestillos y yendo a casa para tocar más música juntos. Pero, para esta época, los "dos de nosotros" no eran Paul y John sino Paul y Linda. Una de las cosas que Paul encontraba más atractivas en su nueva novia era su visión informal de la vida. A medida que su vida se volvía cada vez más y más restringida por horarios y obligaciones contractuales, lo deleitaba estar con alguien que parecía ser tranquila, relajada, alguien con quien poder olvidar que era un beatle. A poco de conocerse en Londres durante el otoño de 1968, Linda le enseñó a Paul las delicias de "perderse" completamente. Ella lo llevaba en su auto lejos de la ciudad, sin rumbo fijo, con la única intención de terminar a millas de cualquier lado. Para un beatle, a quien constantemente le decían dónde y cuándo lo necesitaban, y de que le organizaran la vida con precisión militar, esto era un respiro, un retorno a la libertad. "Cuando era chica me encantaba perderme", explica Linda. "Le decía a papá: Perdámonos. Pero parecía que nunca uno podía perderse de veras. Todos los carteles de última te llevaban de vuelta a Nueva York o donde estuviéramos! Así que cuando me mudé a Inglaterra para estar con Paul, poníamos a Martha en la parte de atrás del auto y salíamos de Londres. Tan pronto estábamos a campo abierto yo decía 'Perdámonos' y seguíamos manejando sin fijarnos en los carteles. De ahí el verso 'dos de nosotros yendo a ninguna parte'. Paul escribió 'Two of us' en uno de esas salidas. Es sobre nosotros. Llegábamos a un bosque en algún lugar y parábamos el auto. Yo me iba a caminar mientras Paul se quedaba sentado en el coche escribiendo. También menciona las postales porque solíamos mandarnos un montón de tarjetas el uno al otro."

Dig a pony

Dig a pony (Me gusta ese pony) "Dig a Pony" podría traducirse como "Me gusta este pony o este caballito", aunque la grabadora argentina, en su momento, se ve que nunca había oído hablar del sentido lunfardo de la palabra "Dig" o sea "Gustar o Comprender", porque lo tradujo literalmente como "Cava un Pony", uno se lo imagina literalmente a Lennon, su autor, con una pala, sacando prolijamente pedazos de entraña del desafortunado equino. El tema fue hecho principalmente en el estudio y, bueno, hay que admitir que la letra era otro de los rompecabezas lingüísticos de Lennon. El estribillo estaba tomado de otro tema de John escrito para Yoko "All I Want Is You" y fue este el título tentativo del tema durante algún tiempo.

Across the Universe

Across the Universe (a través del universo) La canción más vieja de Let It Be, después de “One After 909” era “Across the Universe”, tema que Lennon había escrito en 1967 y que los Beatles habían grabado originalmente el 4 de febrero de 1968 para donarla a un álbum de caridad para la Preservación de la Vida Silvestre. La inspiración del tema le llegó a John muy temprano por la mañana. Se despertó a las 7 con las palabras “pools of sorrow, waves of joy” (charcos de tristeza, olas de alegría) dándole vueltas en la cabeza. No pudo volver a dormir y entonces se puso a escribir el tema. En el tema hay evidencias de la influencia de Maharishi en la frase del estribillo “Jai Guru Deva Om” que alude al maestro espiritiual del propio Maharish, Guru Deva. Para la versión que figura en Let It Be, Phil Spector redujo la velocidad del tema y le agregó una orquesta.

I, Me, Mine

I, Me, Mine (Yo, A mí, Mío) A medida que George Harrison se sumergía más y más en las filosofías orientales, trataba de reconciliar su status de estrella de rock con las demandas de la religión de que pusiera su ego a un lado para adquirir iluminación. El tema "I, Me, Mine" (Yo, A mí, Mío) hablaba justamente de eso, de la sensación de posesión, sobre las cosas y/o las personas, que nos impide ser absorbidos por la conciencia universal. La melodía casi de vals del tema fue influenciada por la música de una banda australiana que George vio desfilando en una transmisión televisiva.

Dig it

Dig it (Enterrálo) "Dig It" le daba crédito autoral a los cuatro Beatles y era, básicamente, la repetición de unas cuantas frases inconexas, claramente improvisadas en el estudio. Lennon, su principal instigador, menciona al guitarrista B.B.King, a la Cía, a la BBC y a Matt Busby, por entonces importante directivo del club de fútbol Manchester United, que en esos años tenía una gran hegemonía en el fútbol inglés, lo cual no impidió que Estudiantes de la Plata los derrotase en octubre de 1968 para conquistar la copa mundial interclubes. Bueno, volviendo a "Dig It", el tema es corto pero fue extractado de una zapada mucho más larga realizada en el estudio de grabación.

Let it be

Let it be (Dejálo ser) El tema que daba título al álbum era obra de Paul McCartney y parecía haber sido grabado ex profeso como un epitafio para los Beatles sobre todo considerando que fue, a la vez, el último simple del grupo, pero, en realidad, había registrado en enero de 1969. Paul lo había escrito un día que se sintió especialmente mal con el proceso de lenta desintegración de los Beatles. Dice que un día tuvo un sueño en el que se le apareció su madre, Mary, que había fallecido cuando Paul tenía 14 años, y que en ese sueño lo reconfortó con palabras sabias y le dio fuerzas para seguir adelante.

Maggie May

Maggie May "Maggie May" fue el único tema no compuesto por los Beatles en el álbum Let It Be. Se trataba de una canción tradicional de marineros acerca de una prostituta de Liverpool, una verdadera leyenda local que hasta mereció que se hiciera una comedia musical en su honor. En la ciudad natal de los Beatles también existe un club con el nombre de Maggie May, regenteado por Allan Williams, el que fuera el primer manager del grupo. Como puede apreciarse en la versión de Let It Be, "Maggie May" fue uno de los tantos temas ensayados en enero del 69 que quedaron a medio terminar.


I’ve got a feeling

I’ve got a feeling (Tengo un sentimiento) Como ocurrió varias veces en la carrera musical de los Beatles, “I’ve got a feeling” fue un tema armado en a base a dos canciones sin terminar: la que le da el título, de Paul McCartney, y “Everybody’s had a Hard Year” (todo el mundo tuvo un año duro), de John Lennon. La parte de John fue hecha a fines del 68, un año que sin duda fue duro para Lennon, ya que en esos meses se divorció, Yoko tuvo un aborto espontáneo del bebé que esperaban, fue arrestado por posesión de marihuana y su fortuna personal disminuyó considerablemente.

One After 909

One After 909 (Uno después del 909) “One After 909” bien podía ser el tema más viejo de Lennon y McCartney que los Beatles grabaron oficialmente. Integraba ese catálogo de “más de 100 canciones” que John y Paul decían haber escrito antes de “Love Me Do”. Estadísticas aparte, “One After 909” había sido grabado por primera vez en marzo de 1963 en la misma sesión que produjo “From Me To You” pero a George Martin no pareció gustarle demasiado. (esta versión se la puede oír en Anthology I). “One After 909” fue el intento de John, allá por 1957, de escribir una canción relacionada con el ferrocarril, tema que era común en la música skiffle de la época.

The Long and Winding Road

The Long and Winding Road (El largo y serpenteante camino) Al igual que “Yesterday”, la canción “The Long and Winding Road” (el largo y serpenteante camino) evoca un sentimiento de pérdida sin describir ninguna situación en particular. Las imágenes del viento y la lluvia sugieren estar a la intemperie en climas poco amistosos pero hay una sensación de esperanza, porque en última instancia el camino conduce a la puerta de esa persona amada. Todas estas imágenes, en realidad, provienen de las experiencias de Paul McCartney en High Park, su granja de Escocia y el largo y serpenteante camino es, sin duda, los 42,25 kilómetros de curvas y cuestas que bordean la costa de Kintyre hasta Campbelltown, la ciudad más cercana a la granja de Paul. La orquesta que puso Phil Spector fue una de las cosas que sacaron de quicio a McCartney, porque nadie lo consultó al respecto. El hubiese preferido dejar el tema como una balada íntima, tocada solo con piano y batería, como estaba en la grabación original; aunque en las versiones que realizó en vivo posteriormente, utilizó el arreglo del disco.

For You Blue

For You Blue (Triste por ti) “For You Blue” (Triste por ti) era un intento de George de hacer un tema con el genuino espíritu del blue, en este caso en honor a su esposa Patti Boyd Harrison. De los cuatro Beatles, Harrison siempre aparentó ser el más inquieto en cuanto a tratar de desarrollar sus habilidades musicales y fue uno de los pioneros en la introducción de instrumentos orientales, como el sitar hindú en grabaciones de música pop. En “For You Blue” hay una guitarra slide de acero, tocada por Lennon. La guitarra slide ha sido una constante en innumerables grabaciones de blues y el bluesman Elmore James, nombrado en esta canción por George, fue uno de sus grandes cultores.

Get Back

Get Back (Volvé) Paul McCartney comenzó este tema como una sátira a los fundamentalistas que sentían que los inmigrantes del Commonwealth británico radicados en Inglaterra deberían ser repatriados a sus países de origen en lugar de copar los empleos de los ingleses, el típico sentimiento reaccionario que se encarna en ciertos grupos sociales en épocas de crisis económicas o sociales. El tema evolucionó, sin embargo, y para la época en que fue grabado se había transformado en una canción acerca de un personaje llamado Jojo, de Tucson, Arizona, que tiene algunos conflictos con su identidad sexual. El tema se beneficia con una gran parte de piano a cargo de Billy Preston.

The Beatles - White Album (parte II)

Don't pass me by

Apropiadamente, "Don't pass me by" se convirtió en la primera canción beatle completa de Ringo. Hasta entonces, su única contribución a las composiciones de Los Beatles habían sido los títulos "A Hard Day's Night", "Eight Days a Week" y "Tomorrow Never Knows", como también algunas contribuciones musicales a "Flying" y "What Goes On". Cuando se le preguntó en diciembre del '67 si tenía aspiraciones como compositor, Ringo respondió: "Trato. Tengo una guitarra y un piano y toco algunos acordes, pero son todos 'chingui-chingui'. No salió ninguna tonada genial, hasta donde yo sé". La verdad es que Ringo había estado tratando de que Los Beatles grabaran "Don't Pass Me By" durante años. En una entrevista para la radio neocelandesa durante el tour de 1964 por Australasia, se escucha a Ringo urgiendo a los demás a que cantemos la canción que escribí, por conectarnos nomás" a lo que Paul agregó: "Ringo escribió un tema titulado "Don't Pass Me By", una hermosa melodía. Es la primera vez que se aventura en esto de escribir canciones". Después de que Paul y John cantaron un verso, se le siguió preguntando a Ringo sobre el tema: "Fue escrito como country & western, pero me mató esa forma blusera de cantarla que le dan Paul y John. ¿Si Los Beatles la van a grabar? No lo sé. Es más: no lo creo. Sigo intentando presionarlos cada vez que hacemos un disco". De hecho, iba a quedar sin grabar durante otros cinco años. "Lamentablemente nunca hay tiempo suficiente para meter una canción de Ringo en un álbum", explicó Paul en 1964. "Nunca la termina".

Why don't we do it in the road

Una de las grandes fortalezas de la dupla Lennon-McCartney era que, aunque en la época del Album Blanco raramente se sentaran a crear una canción de cero juntos, se incitaban el uno al otro a extremos más elevados en lo que se perfilaba como el trabajo solista de cada uno de ellos. Siempre buscaron "pinchar" al otro particularmente componiendo en un estilo a menudo asociado con el otro. Esto explica por qué en el Album Blanco se encuentren el sensible "Julia" o el sentimental "Goodnight" de John en el estilo de Paul, como así también los temas rckanroleros más ásperos como "Helter Skelter" y "Why don't we do it in the road" hechos por Paul a la Lennon. John estaba enojado por "Why don't we do it in the road" porque Paul la había grabado con Ringo en un estudio separado en Abbey Road. Lo que probablemente irritó más a John fue el que estilo elegido de Paul (una letra subida de tono y escasos arreglos) fuera reconocido como su marca registrada. "Los Beatles siempre fueron un grupo de rock", Paul explicó en noviembre de 1968. "Simplemente es que no somos completamente rock'n'roll. Por eso hacemos Ob-la-di, Ob-la-da, y al minuto hacemos esto. Cuando tocábamos en Hamburgo no hacíamos rock'n'roll toda la noche y nada más porque también venían a vernos esos hombres de negocios gordos (y flacos también) que nos pedían que tocáramos un mambo o samba. Así que teníamos que meternos en este tipo de onda. Generalmente nunca me puse a escribir una canción pensando: 'Bueno, ahora ésta va a ser sobre algo específico'. Las palabras vienen y listo. Nunca intento tratar un tema social serio. Son nomás las palabras que van con la música. Y podés leer lo que quieras en ella."

I Will

Paul se pasó 67 tomas hasta que le saliera bien "I Will" el 16 de septiembre de 1968, con Ringo tocando los cimbales y las maracas y John golpeteando el ritmo en un trozo de madera. Fue la primera de las canciones de Paul en escribirse sobre Linda y todaviá estaba agregando y cambiando los versos mientras la estaba grabando. No sorprende que haya un sentido de anticipación en la letra, provocada sin dudas por el conocimiento de que Linda y su hija llegaban a Londres la semana siguiente. Anteriormente Paul había visto a Linda en Londres durante el período de Sgt. Pepper y en dos visitas subsiguientes a EE.UU., pero obviamente sentía que la conocía lo suficiente como para tener la confianza de ofrecerle su amor "por siempre y para siempre". George Harrison no tocó en esta canción, (durante la grabación del Album Blanco, a menudo grababan en estudios separados en simultáneo). El 'bass vocal" se presenta en durante el segundo verso de la canción en la la versión monoaural, pero se ofrece desde el principio en la versión estéreo.

Julia

Aunque muchas de las canciones de John estuvieron moldeadas por el trauma de haber perdido a su madre de adolescente, "Julia" fue la primera vez en que presentó a su madre de manera directa en un tema de los Beatles. Julia Stanley había nacido en Liverpool en 1914 y se casó con Frederick Lennon en 1938. John fue el único hijo que tuvieron juntos. Para la época en que John tenía 5 años, Julia tuvo un bebé de otro hombre, y John pasó al cuidado de la tía Mimi, hermana de Julia. Su madre era atractiva y poco convencional. John heredó de ella su sentido del humor y también su interés en la música. Ella le enseñó a tocar el banjo y fue por ella que John escuchó los primeros discos de Elvis Presley. La muerte repentina de Julia en un accidente automovilístico en 1958 ocurrió justo cuando John estaba acercándose más a ella nuevamente. Había comenzado a usar su casa en Blomfield Road para ensayar con los Quarry Men porque a la tía Mimi no le gustaban la música fuerte en su casa. Aunque "Julia" estaba dirigida a su madre, era también un mensaje en clave a su nuevo amor, Yoko Ono. La "hija del océano", que según escribió John lo está llamando, es una clara referencia a Yoko cuyo nombre en japonés significa "hija del océano". "Fue cuando estuve en India que ella me empezó a escribir", señaló John. "Me escribía cosas como 'Soy una nube. Fijate en el cielo a ver si estoy'. Me copaba tanto con sus cartas". Los primeros dos versos de la canción están sacados de "Arena y Espuma", una colección de poemas del místico libanés Kahlil Gibran, publicado por primera vez en 1927. Gibran escribió: "La mitad de lo que digo no tiene sentido, pero lo digo para que la otra mitad te llegue". El resto del tema, según John, fue finalizado con la colaboración de la propia Yoko cuando se reencontraron en Inglaterra porque, además de ser una artista y realizadora cinematográfica, era poeta especializada en verso minimalista del estilo haiku. La parte de guitarra de "Julia" fue influenciada por Donovan. "John tenía un interés particular en las partes de guitarra que yo punteaba con los dedos en mis canciones", dice Donovan. "El quería saber qué patrones usaba y le dije que le enseñaría. John era un alumno diligente y perfeccionó el complejo patrón en pocos días. Comúnmente sucede a la mayoría de los compositores, que al aprender un nuevo estilo significa que hay que componer de una forma diferente. En sus profundas sesiones de meditación, John había abierto sus sentimientos por su madre. El encontró una liberación para esos sentimientos en "Julia", la tonada que había aprendido con el nuevo estilo punteado con los dedos".

Birthday

Las canciones que los Beatles compusieron en la India tendían a ser con base de guitarra porque solamente contaban con instrumentos de cuerda cuando estaban afuera. Sin embargo, "Birthday" fue escrita en los estudios Abbey Road el 18 de septiembre de 1968 con Paul golpeando fuertemente la melodía básica en el piano. Según John, Paul había estado pensando en "Happy Happy Birthday" un hit en EE.UU. en 1957 por los Tuneweavers, pero quería producir algo que sonoara contemporáneo y rocanrolero. También faltaban 6 días para el cumpleaños número 26 de Linda Eastman y Paul sabía que ella llegaba a Londres la semana siguiente, justo a tiempo para festejar. Paul fue al estudio durante la tardecita del 18 y sacó el riff básico de los teclados. Luego, George, John y Ringo vinieron y agregaron el track de fondo. Durante la nochecita, los cuatro se tomaron un recreo y fueron a la casa de Paul a a ver la premiere para la televisión británica de "The Girl Can't Help It" (La chica no puede evitarlo), protagonizada por Jane Mansfield y con música de Fats Domino, Gene Vincent, the Treniers, los Plateros, Little Richard y Eddie Cochran. Quizás inspirados por esta dosis de rock'n'roll primitivo, los Beatles regresaron al estudio a eso de las 11 de la noche y completaron las voces. Cada uno de los Beatles tiró ideas para los versos y Yoko Ono y Pattie Harrison ayudaron con los coros de fondo. "Nos inventamos la letra en el estudio", dijo Paul. "Es uno de mis temas favoritos del álbum porque fue instantáneo. Es un buen tema para bailar." La opinión de John, 12 años después, fue esperable: "Es basura".

Yer blues

"Yer Blues" fue la canción más desesperada que John había escrito hasta el momento, representando un grito angustiado, un pedido de ayuda a Yoko. John sentía que estaba en un cruce de caminos en su vida: su carrera como beatle tocando en vivo había terminado, su representante había muerto, y ahora estaba contemplando la posibilidad de darle fin a su matrimonio. El sentía lealtad a Cynthia pero a la vez sabía que en Yoko él encontraba su contraparte artística e intelectual. Ella era, como dijo más tarde, la chica que siempre había soñado conocer; la chica que él había imaginado cuando escribió "Girl". Durante la estadía en Rishikesh, John y Cynthia habían estado separados a menudo por sus diferentes rutinas de meditación y no fue hasta el momento del vuelo de regreso a Londres desde Dehli en que él mencionó por primera vez sus indiscreciones sobre su matrimonio de 6 años. Cynthia estaba shockeada. "Nunca hubiera soñado que él me fuera infiel durante el tiempo que estuvimos casados. Nunca me había revelado nada. Sabía por supuesto que las giras en el exterior y estar rodeado de todas las tentaciones que un hombre pueda imaginar hubieran sido imposibles de resistir. Pero aún así mi mente no podía aceptar, y no aceptaba, lo inevitable. Nunca tuve nada concreto como para seguir, ningún indicio". John diría más tarde que este dilema le había hecho sentir ganas de suicidarse. En esta canción, él, bromeando, se compara con "Mr Jones", el torpe personaje central de "Ballad of a Thin Man" de Dylan. Musicalmente, "Yer Blues" era un indicador del rumbo que tomaría su carrera solista.

Mother Nature's Son

Tanto John como Paul escribieron canciones luego de asistir a una clase del Maharishi que versaba sobre la unidad del hombre y la naturaleza, pero finalmente fue "Mother Nature's Son" de Paul la que consiguió entrar en el álbum. El tema de John, "A Child of Nature" (Un Hijo de la Naturaleza), hacía observaciones similares sobre el sol, el cielo, el viento y las montañas pero, mientras Paul ficcionalizaba su respuesta escribiendo sobre un "pobre chico campesino", John escribió sobre sí mismo "camino a Rishikesh".Un demo de "A Child of Nature" fue realizada por John en mayo de 1968, pero los Beatles no lo grabaron. Sin embargo, John guardó la melodía y con una nueva letra la transformó en "Jealous Guy", lanzada en el disco "Imagine" tres años después. McCartney grabó la canción el 9 de agosto de 1968. Grabó 25 tomas cantando y tocando la guitarra acústica al mismo tiempo. La toma 24 fue percibida como la mejor. McCartney también grabó doblajes de timbales, otra guitarra y tambores al día siguiente. Los tambores suenan más como bongós y esto se consiguió poniendo la batería hasta la mitad de un pasillo alfombrado con los micrófonos en un extremo que dio resultado a un sonido entrecortado.

Everybody's got Something to Hide except me and my Monkey

Everybody's got Something to Hide except me and my Monkey (Todos tienen algo que ocultar excepto yo y mi mono) Inicialmente conocida como "Come on, Come on", la canción fue construida a partir del verso que le da título. John sostenía que era una clara referencia a su relación con Yoko. "Era simplemente un lindo verso al que convertí en canción", decía. "Todo el mundo parecía paranoico menos nosotros dos, que estábamos en el punto culminante del amor... todos estaban como tensos alrededor nuestro." No fue hasta su regreso de la India que la amistad se transformó en affair. Fue entonces que Cynthia descubrió lo que estaba sucediendo. Yoko comenzó a concurrir a las sesiones de grabación para el nuevo álbum, para gran desagrado de los demás beatles. A la prensa británica también le fue difícil aceptar a Yoko y este fastidioso John, lo cual jugaría un papel importante en su decisión de irse a EE.UU. "En Inglaterra piensan que soy alguien se ganó el pozo y se fue con una princesa japonesa", dijo una vez. "En EE.UU. la tratan con respeto. La tratan como la artista seria que es".

Sexy Sadie

"Sexy Sadie" parece tratarse sobre una mujer que incita a los hombres nomás para ridiculizarlos y hacerlos pasar por estúpidos, pero en realidad fue escrita teniendo en mente al Maharishi Mahesh Yogi, de quien John se había desilusionado. Sabiendo que nunca podría grabar una canción potencialmente difamatoria con el título "Maharishi", la intituló "Sexy Sadie", aunque en el demo él dejó correr una sarta de obscenidades dirigidas hacia su presa real. Existieron dos razones por las cuales los Beatles decidieron abandonar Rishikesh. Una fue que se les había dicho que lo único que le importaba al Maharishi era su dinero y la otra fue el rumor que circulaba de que el Maharishi había hecho avances de tipo sexual con una de las asistentes al curso. Aunque nunca hubo pruebas concretas detrás de estas acusaciones, fue suficiente para enervarlos y los tres beatles arreglaron una reunión con el gurú en la cual le informaron que se iban. Al verse presionado para explicar el motivo de su decisión, John le dijo: "Bueno, si usted es tan cósmico, debe saber por qué". Paul Horn, que recuerda verlos partir, cree que en parte fue porque esperaban demasiado del Maharishi y en parte por celos entre alguna gente que se "colgaba" de ellos en el centro de meditación. "Estos cursos en realidad estaban diseñados para gente que quería estudiar para ser maestros en meditación y que ya tenían sólidos antecedentes en meditación", sostiene Horn. "Los Beatles no tenían realmente ni los antecedentes ni la experiencia como para estar ahí y creo que esperaban milagros. George estaba obviamente muy interesado pero a Ringo no le importaba en absoluto la filosofía oriental, John estaba en su propio viaje y siempre escéptico con respecto a cualquier cosa hasta ver las pruebas concretas. Paul era calmo, despreocupado, le daba lo mismo ir para un lado o para otro. El gran tema vino porque había alguna gente que estaba ahí porque estaba más interesada en los Beatles que en aprender meditación y se 'colgaban' de ellos", continúa Horn. "Había una chica, una maestra neoyorquina a quien en realidad le interesaban los Beatles, que empezó con la historia de que el Maharishi se le estaba tirando. Les dijo esto a los Beatles y ellos se indignaron y se fueron. Básicamente, había un montón de rumores, celos y triángulos dando vueltas y ella encontró la manera de llegar a ellos diciendo estas cosas sobre el Maharishi. Al fin y al cabo, había llegado el momento de que se fueran, de todas formas. Ese fue nomás el catalizador".

Helter Skelter

El concepto de Helter Skelter salió de la elogiosa crítica del nuevo single de The Who realizada por un periódico musical. Paul todavía no había escuchado el single en cuestión, pero los comentarios del diario le dieron ganas de crear algo que pudiera provocar una descripción igualmente poderosa. El single de los Who era "I Can See for Miles" y fue lanzado en octubre de 1967. La crítica a la que se supone se refería Paul es la que escribió Chris Welch para Melody Maker: "Olvídense de `Happy Jack sentado en la arena de la Isla de Man`. Esta maratón épica de cimbales insultantes y guitarras maldicientes marca el retorno de los Who como una gran fuerza disparadora de alucinaciones*. Grabada en los Estados Unidos, esta composición de Pete Townshend está llena del misterio y la amenaza de Townshend, y expresada por el empático Sr. Roger Daltry". No obstante, es imposible saber con exactitud de que ésta fue la crítica que leyó Paul, dado que su descripción fue cambiando a través de los años. En 1968 él comentó que la crítica decía "El grupo realmente se vuelve loco con el eco y gritando y todo eso", pero 20 años más tarde su recuerdo de ella era más tranquila y describía al single de los Who como "el rock`n`roll más fuerte, más estridente, la cosa más sucia que hayan hecho". Sin embargo la apreciación de Paul sobre el efecto que la crítica tuvo sobre él no ha variado: "Pensé,`qué lástima, me hubiera gustado hacer algo así`. Entonces lo escuché y no tenía nada que ver con eso. Era lineal y sofisticada. Así que hicimos ésta. Me gusta el ruido". A pesar de haber sido descripta como que tenía "cimbales insultantes" y "guitarras maldicientes", "I Can See for Miles" tenía una melodía discernible durante todo el tema y no se la podía describir como estridente. Paul quería escribir algo que hiciera que realmente la gente sintiera una sensación alucinógena y, cuando los Beatles grabaron por primera vez Helter Skelter en julio de 1968, lo hicieron en una toma que duró casi media hora. Volvieron a trabajar en ella en septiembre, completamente "fuera de sí mismos" y produjeron una versión más corta. Al final se puede escuchar que Ringo dice "I`ve got blisters on my fingers" (Tengo ampollas en los dedos). La mayoría de los escuchas británicos sabían que un "helter skelter" es una especie de montaña rusa espiralada**, pero Charles Manson (que escuchó el Album Blanco en diciembre de 1968) pensó que los Beatles estaban advirtiendo a los EE.UU. de un conflicto racial que "se estaba viniendo rápidamente" (coming down fast). En la fantasía de Manson, los Beatles eran los cuatro ángeles mencionados en el libro de la Revelación del Nuevo Testamento, que a través de sus canciones le estaban diciendo a él y a sus seguidores que se prepararan para el holocausto venidero escapándose al desierto. Manson se refería a este levantamiento futuro como un "helter skelter", y fue la pintada de estas palabras en sangre en la escena de uno de los crímenes la que dio una pista en la investigación policial. Fue por la significación de la canción en el desenvolvimiento del caso que Vincent Bugliosi (el Abogado de Distrito de Los Angeles que intervino como fiscal en el juicio a Manson) tituló "Helter Skelter" a su best-seller en el cual relata los famosos asesinatos.

* [N.T.: En el original "...a major freak-out force". `Freak-out` es la experimentación de los efectos alucinantes producidos por drogas psicodélicas, o la experimentación de efectos similares sin necesidad de ellas sino a través de estímulos visuales y auditivos.]
** [N.T.: En el Reino Unido, la montaña rusa se conoce como "helter skelter" . En EE.UU. no están tan familiarizados con ese término, y se la llama más "roller coaster". Otra observación es que la expresión "helter skelter" también se utiliza para hablar de algo sin orden, atropellado, precipitado, probablemente sea por eso que en castellano la titularan "A troche y moche".]

Long Long Long

Más que ningún otro beatle, George se inspiraba para escribir escuchando canciones de otros. En el caso de "Long Long Long", fue del embrujante tema "Sad Eyed Lady of the Lowlands" (La dama de ojos tristes de las Tierras Bajas) de Bob Dylan (que constituía un lado entero de su disco "Blonde on Blonde", de 1966) de donde se inspiró para lograr sus acordes. George estaba fascinado por el movimiento de D a E menor a A y de vuelta a D, y quería escribir algo que sonara similar. Garabateó la letra en las páginas de una agendita en blanco de 1968, del tipo que muestran de a una semana por vez, y la llamó "Ha pasado mucho, mucho, mucho tiempo", que fue el título con el que se la trabajó en estudio."Long Long Long" suena como una canción de amor lisa y llana escrita por alguien que ha perdido y recuperado el objeto de su afecto pero, según George, el "vos" en cuestión aquí es Dios. Esto no causa demasiada sorpresa ya que él fue el primer beatle en mostrar interés en las religiones orientales y el único que continuó con ellas aún después de que los demás se desencantaran del Maharishi luego de su visita a la India. George alteró, no obstante, sus lealtades, distanciándose del Maharishi y la meditación trascendental e identificándose públicamente con la Sociedad Internacional por la Conciencia Krishna, produciendo más adelante el mantra de los Hare Krishna como un hit single. El crítico Richie Unterberger escribió que "Long, Long, Long" es una de las canciones más infravaloradas de la larga discografía de los Beatles[1]. Es una canción relativamente tranquila y calmada, especialmente si se la compara con su antecesora en el disco, la ruidosa Helter Skelter. "Long Long Long" es una canción de amor, aunque como el compositor y escritor Nicholas Schaffner dice:, "Es la primera de docenas de canciones de amor de Harrison tan ambiguas que podría estar cantándole tanto a su mujer como a su dios" Según la autobiografía de Harrison, "I Me Mine", el sonido vibrante que se escucha al final de la canción fue consecuencia de una botella de vino que estaba apoyada en un amplificador. Cuando Paul McCartney, que estaba tocando el Órgano Hammond, tocaba cierta nota, la botella empezaba a vibrar.


Revolution I

El llamado "Verano del Amor" (Summer of Love") fue seguido por la "Primavera de la Revolución". En marzo de 1968, miles marcharon frente a la embajada estadounidense en Grosvenor Square (Londres), un rally que terminó en violencia entre la policía y los manifestantes. En mayo, los estudiantes franceses se sublevaron en París y la ciudad fue vallada. A diferencia de Mick Jagger, que hizo una aparición en Grosvenor Square, John fue testigo de estos hechos desde la comodidad de su casa en
Weybridge, manteniéndose en contacto a través de las noticias y la prensa underground. Comenzó a trabajar en "Revolution" mientras estaba en la India y la completó en su casa mientras Cynthia estaba en Grecia. Se la mostró a Paul como un single potencial pero Paul dijo que la canción no era lo suficientemente comercial. Como sucedió con "Back in the USSR", el título era decepcionante. No era la canción de un revolucionario sino más bien la de alguien que se encuentra bajo la presión de los revolucionarios para declarar su lealtad. John (fácil, el más políticamente consciente de los Beatles y con el look más izquierdista) se había convertido en blanco de varios grupos leninistas, trotskistas y maoistas, que sentían que John podría prestar ayuda tanto moral como financiera a sus causas. "Revolution" fue la respuesta de John a esas facciones, informándoles que, si bien él compartía su deseo de un cambio social, creía que la única revolución valedera surgiría de un cambio interno más que de la violencia revolucionaria. Sin embargo, él no estaba absolutamente convencido de su posición, resguardando sus apuestas en la versión lenta del tema que aparece en el álbum. Luego de hablar de la destrucción que podría conllevar la revolución, cambió la frase "count me out" (no me cuenten) por "count me in" (cuéntenme). En la versión rápida, lanzada como lado B de "Hey Jude", omitió la palabra "in", quedando solamente "no me cuenten". La omisión provocó polémica en la prensa underground. La revista estadounidense "Rampart" lo llamó "traición" y el "New Left Review", "un lamentable gritito de miedo burgués". La revista "Time", en cambio, le dedicó un artículo entero a la canción que, según ella, "criticaba a los activistas radicales del mundo entero". La naturaleza del dilema de John se revela en un intercambio epistolar publicado en la revista de la Keele University. En una carta abierta, el estudiante John Hoyland opinó de "Revolution": "Ese disco no es más revolucionario de Mrs Dale`s Diary [un radioteatro de la BBC]. Para cambiar el mundo, tenemos que entender qué es lo que anda mal en él y después destruirlo. Sin compasión. No es crueldad o locura. Es una de las formas más apasionadas de amor. Porque lo que estamos combatiendo es el sufrimiento, la opresión, la humillación... la inmensa carga de infelicidad causada por el capitalismo. Y cualquier `amor` que no sienta nada en contra de esas cosas es irrelevante y trucho. La revolución cortés no existe". En su respuesta, John escribió: "No recuerdo haber dicho que "Revolution" fuera revolucionaria. A la mierda con Mrs Dale. Escuchá las tres versiones de Revolution: la 1, la 2 y la 9 y después volvé a intentar, querido John [Hoyland]. Vos decís `Para cambiar el mundo, tenemos que entender qué es lo que anda mal en él y después destruirlo. Sin compasión". Estás obviamente en un camino de destrucción, y te voy a decir por qué es malo: por la gente. ¿Así que la querés destruir? ¿Sin compasión? Hasta que vos/nosotros/cambies/cambiemos tu/nuestras cabeza/s, no hay chance. ¿Quién arruinó el comunismo, el cristianismo, el capitalismo, el budismo, etc.? Las cabezas enfermas, nada más. ¿Vos creés que todos los enemigos llevan prendedores que dicen "capitalista" para que vos les puedas disparar? Es un poco naive, John. Pareciera que pensás que se trata simplemente de una guerra de clases". Entrevistado más adelante por periodistas de la revista, John (Lennon) declaró: "Todo lo que yo digo es que creo que habría que hacerlo cambiando la cabeza de la gente, y ellos dicen que deberíamos aplastar el sistema. Ahora: la escena del sistema aplastado estuvo siempre ahí, ¿y qué hizo? Los irlandeses lo hicieron, los rusos lo hicieron y los franceses lo hicieron y ¿a dónde los llevó? A ninguna parte. ¿Quién va a liderar este aniquilamiento? ¿Quién es el próximo? Los aniquiladores más grandes. Los que lleguen que primero y, como en Rusia, serán los que tomen el mando. No sé cuál es la respuesta pero creo que está en la gente". Esta era una posición que John iba a sostener. En 1980, dijo "Revolution" todavía se mantenía como una expresión de su opinión política: "No me cuenten si es para la violencia. No me esperen en las barricadas a menos que sea con flores".

Revolution 9

"Revolution 9" no era ni una canción Lennon-McCartney ni una grabación de los Beatles sino una amalgama de sonidos grabados de 8 minutos y 15 segundos mezclados por John y Yoko juntos. "Revolution" [1] originalmente duraba más de diez minutos, y más de la mitad de ese tiempo consistía en John y Yoko gritando entre quejas y lamentos sobre un espectro de sonidos discordantes creados para simular el retumbar de una revolución. Subsecuentemente, decidieron cortar esa parte caótica y usarla como base de otro tema, que se convirtió en "Revolution 9". A esta altura, habían traido grabaciones caseras de disturbios multitudinarios y los sumaron a otros efectos de sonido que encontraron en la biblioteca de EMI. Debido a la falta de técnicas de grabación multipistas, se adueñaron de los tres estudios de Abbey Road, conectando especialmente los equipos y manteniendo los "rulos" de las cintas grabadas en su lugar usando lápices. John operaba los faders (desaparición gradual del sonido) para crear una mezcla "en vivo". Con tantos sonidos superponiéndose, es casi imposible identificar todos los ruidos individuales y los comentarios hablados. Mark Lewisohn, que estudió la grabación original de cuatro pistas, las dividió en: un coro; violines de fondo; una sinfonía de fondo; un sobredoblaje orquestal de "A Day in the Life"; vidrios golpeados violentamente; aplausos; ópera; un melotrón de fondo; tarareos; frases dichas por John y George, y una cinta de cassette de Yoko y John gritando la palabra "right!" (correcto, sí) de "Revolution". La cinta más memorable (que suministró parte del título) es la de la sonora voz entonando "Number Nine, Number Nine, Number Nine". Aparentemente se la descubrió en una biblioteca de cintas, que debe haber formado parte de una pregunta de examen formulada a los estudiantes de la Royal Academy of Music, grabada. Una vez más, Charles Manson pensó que John le estaba hablando a él personalmente a través del bullicio, tomando el número 9 como referencia al capítulo 9 del libro de la Revelación con su visión del apocalipsis venidero. Manson pensó que John estaba gritando "rise" (levántense) más que "right", y lo interpretó como una incitación a la comunidad negra a levantarse o rebelarse contra la clase media blanca. "Rise" se convirtió una de las frases clave de Manson y se encontró pintada en sangre en uno de los escenarios del crimen. Paul estaba en EE.UU. cuando "Revolution 9" fue ensamblado y lo decepcionó su inclusión en el Album Blanco, particularmente porque él había estado haciendo collages de sonidos en casa desde 1966 y se dio cuenta de que ahora se vería a John como el innovador.

Honey pie

"Honey Pie" era un homenaje a Jim McCartney de su hijo Paul. "Mi papá siempre tocaba canciones viejas y melosas como ésta, y me gustaban. Yo hubiera sido mejor compositor en los años 20 porque me gusta esa cosa de la galera y la levita". La situación social de la zona donde se formaron los Beatles no era muy buena, sobre todo durante su niñez ya que Inglaterra salía de una depresión de guerra que no permitía que los habitantes de Liverpool accedieran fácilmente a un nivel de vida de clase media, las distracciones que se podían permitir según sus ingresos eran pocas y más que nada se orientaban hacia la música interpretada en reuniones familiares, las canciones que se cantaban solían ser viejas canciones de la primera guerra mundial o de los años 20. Paul adquirió entonces un gusto por las melodias de este tipo, al punto que no perdía oportunidad para recordarlas o para componerlas, la nostalgia que llenaba las reuniones familiares de aquel entonces tenía que mostrarse en esta canción con todo el estilo de una música que en verdad llegó para quedarse. De la misma forma en que pensó que "Helter Skelter" había sido escrita para él personalmente, Charles Manson encontró más instrucciones en "Honey Pie". Después de todo, se dirigía a una persona de los EE.UU. y la invitaba a desplegar "la magia de su canción hollywoodense"... Manson vivía cerca de Los Angeles, ¿acaso podía ser más claro?. The Beatles comenzaron a grabar "Honey Pie" el 1 de octubre de 1968, en los Trident Studios en Wardour Street de Londres. Sólo una toma fue grabada en el primer día, aunque es probable que un número mayor de intentos de ensayos habían sido grabados. Al día siguiente, McCartney grabó su voz, y una parte de la guitarra fue añadida. Según George Harrison, John Lennon tocaba el solo de guitarra, y el tocó el bajo de seis cuerdas en esta canción. (NT: Esta canción fué grabada e interpretada por el grupo argentino de jazz "Porteña Jazz Band")

Savoy truffle

Para esta época (la época del álbum blanco), George frecuentaba mucho a Eric Clapton, y "Savoy Truffle" era una canción humorística sobre la locura que tenía Clapton por los chocolates. Este hábito contribuyó a que se le arruinara la dentadura, y George siempre le advertía que un chocolate relleno más que se comiera y le iban a tener que sacar todos los dientes. La letra de la canción está llena de los exóticos nombres que en ese entonces tenía cada uno de los chocolates que venían en "Good News", las cajas de surtidos de Mackintosh como por ejemplo 'Cream Tangerine', 'Montelimart', 'Ginger Sling' y 'Coffee Dessert'. 'Savoy Truffle' era otro nombre auténtico, mientras 'Cherry Cream' y 'Coconut Fudge' fueron inventados para que cupieran en el tema.Derek Taylor ayudó en la media octava sugiriendo el título de una película que había visto hacía poco llamada "You are what you eat" (Sos lo que comés), realizada por dos amigos estadounidenses, Alan Pariser y Barry Feinstein. Como no entraba justa la frase, George la cambió a "you know that what you eat you are" (Sabés que lo que comés es lo que sos). The Beatles grabaron la primera toma el 3 de octubre de 1968 y la mezcla final estuvo finalizada el 14 de octubre. Se utilizaron seis saxofonistas (dos barítonos y cuatro tenores) que al igual que George Martin, se disgustaron cuando Harrison decidió distorsionar su sonido. Uno de los saxofonistas fue un músico británico de jazz, Harry Klein. La canción está en lado cuatro, pista tres del Disco de vinilo, mientras que en el formato de CD, se encuentra en el disco dos, pista diez.

Cry, baby, cry

En 1968, mientras Hunter Davies estaba finalizando su biografía de los Beatles, John le dijo: "Tengo otra (canción) aquí, de unas pocas palabras, creo que las saqué de un aviso: 'Cry, baby, cry - make your mother buy' (llorá, nene, llorá - hacé que tu mamá compre). La estuve tocando en el piano. Ahora la dejé ir. Ya volverá si realmente la quiero". Los versos volvieron a él mientras estaba en la India, en donde, recuerda Donovan, John trabajó en el tema: "Creo que el imaginario eventual fue sugerido por mis propias canciones de cuentos de hadas. Nos habíamos acercado mucho en esto de intercambiar ondas musicales". En parte basada en la canción de cuna "Sing a Song of Sixpence" (Cantá una canción de seis peniques), el tema incluye la creación de personajes como la Duquesa de Kirkaldy y el Rey de Marigold. Kirkaldy queda en Fife, Escocia, y los Beatles habían tocado allí en el Carlton Theatre el 5 de octubre de 1963., justo al inicio de la Beatlemanía. Es la última canción del disco con presencia instrumental del grupo. Gran parte de la canción trata sobre un viejo cuento que Lennon recordaba de su juventud (aunque Donovan pretenda sacar chapa con una supuesta ayuda literaria (?) a Lennon). El track incluye también una corta canción no reconocida interpretada por Paul McCartney, cuya frase más importante es "Can You Take Me Back", que aparece justo antes que "Revolution 9". Esta parte de la canción no aparece en las letras impresas para el álbum.


Good night (Buenas noches)

'Good night' es sin lugar a dudas la canción más sentimental que John haya escrito. Si hubiera sido de Paul, seguramente él mismo la hubiera descartado por considerarla "basura" pero su comentario final era sólo que el tema posiblemente fuera "sobreprofuso". Según John, él escribió este tema para Julián como canción para antes de irse a dormir, así como doce años más tarde escribiría "Beautiful Boy" para su segundo hijo Sean. Julian no tenía idea de que John hubiera escrito esta canción para él hasta 1994. Esto puede deberse a que sus padres se separaron a las pocas semanas de haber sido compuesta. El arreglo de George Martin es excesivamente exuberante, y de manera intencional. Se dice que Lennon quería que la canción sonara "realmente cursi". Los músicos tocarón los siguientes instrumentos: doce violines, tres violas, tres violonchelos, un arpa, tres flautas, un clarinete, un cuerno, un vibráfono y un contrabajo. Los cantantes "Sammes Mike" también participaron en la grabación. La canción ha sido interpretada por varios artistas, incluyendo Carpenters, Ramsey Lewis, Kenny Loggins, Cyril Stapleton, Manhattan Transfer, The Monkees y el baterista Micky Dolenz. Barbra Streisand la grabó en 1969 para su álbum What About Today?. También fue elegida para tocarla por la banda británica Coldplay, después de que la banda había abandonado el escenario en los conciertos de 2005-2006 en el Twisted Logic Tour.

The Beatles - White Album (parte I)

The Beatles, o el Album Blanco como se lo conoce comúnmente, sorprendió a la gente por ser desparejo y simple. Pareciera que el grupo hubiera decidido producir el opuesto exacto de Sgt. Pepper. ¿Un título largo para el disco? Llamémoslo The Beatles. ¿Tapa multicolor? Usemos blanco puro. ¿Mezclas y doblajes piolas? Utilicemos guitarras acústicas en muchos de los temas. ¿Letras profundas? cantemos sobre cowboys, cerditos, chocolates y hacerlo en la ruta. El ingrediente más significativo de este álbum fue la influencia del gurú indio, el Maharishi Mahesh Yogi. Pattie Harrison había concurrido a una charla del Maharishi en febrero de 1967, y fue ella quien alentó a George y los otros beatles a asistir a otras charlas similares en el en el Hilton Hotel de Park Lane, Londres en agosto del '67. Como resultado de esta reunión, todos comenzaron un curso de diez días de Meditación Trascendental en el University College de Bangor, en Gales. Fue mientras estaban en este curso, el domingo 27 de agosto de 1967, que se enteraron de que Brian Epstein había sido hallado muerto en su departamento del barrio londinense de Belgravia*, novedades que precipitaron su regreso a Londres. La pérdida de Epstein, que había manejado su carrera desde comienzos del '62 y se había convertido en algo así como una figura paterna para ellos, puede haber hecho que los Beatles estuvieran aún más abiertos a la guía del Maharishi, a quien visitaron en la India en febrero de 1968. [N.T.: el mismo barrio en donde está la Embajada Argentina] El viaje a la India no sólo trajo un período de calma a sus ajetreadas vidas (ya que por primera vez en mucho tiempo tenían la oportunidad de parar y reflexionar) sino que los acercó como amigos de años que ahora sí podían ponerse a jorobar con sus guitarras acústicas. Paul Horn, un flautista estadounidense que estaba ahí al mismo tiempo que ellos, cree que la meditación fue un gran estímulo para los Beatles: "Se puede conocer más de uno mismo a niveles más profundos cuando se medita. Fíjense cuán prolíficos fueron en relativamente poco tiempo. Estaban en los Himalayas lejos de las presiones y del teléfono. Cuando uno se involucra mucho con la vida, se suprime la creatividad. Cuando se está dispuesto a estar tranquilo, comienza a venir". Cuando volvieron de la India, dijeron que habían vuelto con 30 canciones que usarían en el siguiente álbum. Hubo efectivamente 30 temas en The Beatles pero no todas ellas fueron escritas en la India, y algunas de las canciones escritas en la India (como "Sour Milk Sea" y "Circles", de George) jamás fueron grabadas por los Beatles. Probablemente es exacto decir que aproximadamente la mitad del álbum fue escrito o comenzado mientras estaban afuera. Esto significó que, justamente por no tener acceso a guitarras eléctricas o teclados, muchos de estos temas tuvieran una base acústica. John se referiría más tarde al Album Blanco como el primer álbum no-autoconsciente luego del gran período autoconsciente que había comenzado con Rubber Soul y había llegado hasta Magical Mystery Tour y Yellow Submarine. The Beatles fue lanzado como un álbum doble en noviembre de 1968 y llegó al N° 1 en ambos lados del Atlántico.

Back in the USSR

Una amistosa rivalidad existía entre los Beatles y los Beach Boys, y entre 1965 y 1968 cada nuevo esfuerzo de cualquiera de las dos bandas pinchaba a la otra para volar aún más alto. Cuando Brian Wilson escuchó Rubber Soul, dijo haber escuchado un álbum que le voló la cabeza por su variedad y consistencia. "Me pegó tanto que decidí intentar hacer lo mismo : hacer un álbum entero que fuera una maza". Su respuesta fue Pet Sounds, el "logro de coronación" de los Beach Boys, que contenía temas tales como "Sloop John B", "Caroline No", "Wouldn`t it be nice" y "God Only Knows". Cuando Paul escuchó Pet Sounds, estuvo igualmente impresionado y continuó mejorando en su mente la idea de Sgt. Pepper. Aunque se admiraban mutuamente, los dos grupos tenían poco contacto social. Carl Wilson y Mike Love habían visto a los Beatles tocando en vivo en Portland. Oregon, el 22 de agosto del `65, y pasaron por los camarines después del show. En abril del `67 Paul pasó por los estudios de Los Angeles donde Wilson estaba trabajando en el tema "Vegetables". El contacto más prolongado lo tuvieron en febrero del `68 cuando los cuatro Beatles y sus parejas viajaron a Rishikesh, India, a estudiar Meditación Trascendental con el Maharishi Mahesh Yogi. En el curso había otros músicos profesionales: el cantante escocés Donovan, el flautista estadounidense Paul Horn, y el Beach Boy Mike Love. Los músicos pasaron mucho tiempo juntos hablando, zapando y componiendo. Uno de los temas que salió de estos encuentros fue "Back in the USSR", escrito por Paul como un pasticho entre los Beach Boys y Chuck Berry. La génesis de la canción fue un comentario que Love hizo a Paul una mañana en el desayuno en Rishikesh. "¿No sería divertido hacer una versión soviética de "Back in the USA"?", sugirió Love, refiriéndose al single patriotero de Berry (de 1959) en el cual el cantante expresaba cuán poderosamente feliz estaba de volver a casa en su civilizado Estados Unidos con sus cafés, drive-ins, rascacielos, hamburguesas y fonolas. Los Beach Boys habían ya recurrido a esta canción anteriormente y también a "Sweet Sixteen" de Berry para sus temas "California Girls" y "Surfin` USA", en las cuales habían elogiado las virtudes de las mujeres locales y sus playas de surf. Paul actuó sobre la sugerencia de Love y salió con una parodia que hizo por la URSS lo que Berry había hecho por los EE.UU., y por las mujeres soviéticas lo que Love había hecho por las californianas. Después de una década de canciones que habían hecho poesía de nombres de lugares como Memphis, Chicago y New Orleans, era muy loco escuchar "Moscú" mencionada en un rock`n`roll. "Me gustó la idea de las chicas de Georgia y hablar de lugares como Ucrania como si fuera California", dijo Paul. Como tributo a Love, la grabación de los Beatles imitaba el sonido vocal de los Beach Boys. Back in the USSR fue considerado shockeante por los americanos conservadores, porque parecía estar celebrando al enemigo en el medio de la Guerra Fría en el momento en que EE.UU. estaba en guerra con el Viet Cong (que estaba respaldado por Rusia). Ahora que habían admitido que andaban en drogas, estos chicos peludos ahora también simpatizaban con el comunismo? El militante anti-rock americano David A. Noebel, autor de "Comunismo, Hipnotismo y los Beatles", aunque no podía mostrar su carnet como miembro de su partido, estaba seguro de que ellos estaban llevando adelante la causa del socialismo revolucionario. "John Lennon y los Beatles fueron parte integral del ambiente revolucionario y recibían el reconocimiento de la prensa comunista", escribió, "especialmente por el Album Blanco que contenía "Back in the USSR" y "Piggies". Una línea de "Back in the USSR" dejó sin habla a los anticomunistas: "You don`t know how lucky you are, boy. Back in the USSR" ("No sabés lo afortunado que sos, che. De vuelta en la URSS") De haber ahondado en su investigación, Noebel hubiera descubierto que la opinión oficial soviética era que los Beatles eran la evidencia de la decadencia capitalista. Tal como los nazis se habían agarrado de la música jazz y la pintura abstracta como ejemplos de degeneración que debía ser contrarrestado con arte oficialmente sancionado, por lo cual los comunistas denostaban al demoníaco rock`n`roll y alentaban el amor por la música folklórica que exhaltaba las virtudes del Estado. Los jóvenes en la Unión Soviética estaban copados con la música de los Beatles al igual que sus contrapartes occidentales, pero tenían que conformarse con versiones piratas, discos importados contrabandeados y emisiones radiales de EE.UU. y Gran Bretaña. En 1988, con la Guerra Fría a punto de ser relegada a la historia, Paul rindió homenaje a sus fans soviéticos al grabar un álbum de rock`n`roll en el sello grabador oficial del gobierno soviético, Melodía. "Back in the USSR" es una canción como para darnos la mano a través del agua", dijo Paul. "A ellos les gustamos allá. Aunque a los jefes del Kremlin no les gustemos, a los chicos sí".

Dear Prudence

Dear Prudence (Querida Prudence) Prudence era Prudence Farrow (la hermana más chica de la actriz estadounidense Mia Farrow) que asistió al mismo curso con los Beatles en India. La canción era un ruego para que saliera de sus excesivamente largos períodos de meditación y relax con el resto del grupo. Al final del demo de "Dear Prudence" John continúa tocando la guitarra y dice: "No-one was to know that sooner or later she was to go completely berserk, under the care of Maharishi Mahesh Yogi. All the people around were very worried about the girl because she was going insane. So, we sang to her" ("Nadie se imaginaba que tarde o temprano ella se iba a poner completamente frenética, bajo el cuidado del Maharishi Mahesh Yogi. Todos los que estábamos a su alrededor estábamos preocupados por ella porque se estaba volviendo loca. Así que nosotros le cantamos".) Más tarde John explicaría que Prudence se había "chiflado" un poco, encerrándose en su habitación a meditar durante tres semanas, "tratando de alcanzar a Dios antes que los demás". Paul Horn, el flautista americano, recuerda los hechos más o menos de la misma forma. El cuenta que Prudence era una persona muy sensible y que, por saltar directamente a la meditación profunda, contra los consejos del Maharishi, ella había caído en un estado catatónico. "Estaba blanca, pálida y no reconocía a nadie", comenta. "Ni siquiera reconocía a su propio hermano, que estaba en el curso con ella. La única persona por la cual mostraba un mínimo reconocimiento era el Maharishi. Todos estábamos muy preocupados y el Maharishi le asignó una enfermera para acompañarla full-time". Prudence, cuyo cuarto estaba en el mismo edificio en donde estaban los Beatles y sus parejas, negó que se volviera loca pero admitió que fue más fanática de la meditación que los Beatles. "Yo había estado practicando meditación desde 1966 y tratado de anotarme en el curso en 1967, así que para mí era como un sueño hecho realidad", explica. "Estar en ese curso era para mí más importante que ninguna otra cosa en el mundo. Me había enfocado en el hecho de hacer tanta meditación como fuera posible, de forma de poder ganar la experiencia suficiente como para poder autoenseñarme. Sé que me debo haber varado porque siempre corría a mi cuarto después de las comidas y las clases para seguir meditando. Todo era tan fascinante para mí. John, George y Paul querían sentarse y zapar y pasarla bien, pero yo me iba volando a mi habitación. Ellos se lo tomaban en serio pero no con el fanatismo que yo tenía. La canción que John escribió simplemente decía: 'Salí a jugar con nosotros. Salí y divertite'". Eventualmente lo hizo y llegó a conocer bien a los Beatles. El Maharishi la puso en un grupo de discusión después de la clase con John y George -quien, pensó, sería beneficioso para ella. "Hablábamos de las cosas por las que estábamos pasando. Nos cuestionábamos la realidad, preguntándonos quiénes éramos y qué estaba sucediendo. Me gustaban, y creo que a ellos les caía bien yo también". Aunque la canción fue escrita en India, y Prudence escuchó algunas zapadas entre los Beatles, Mike Love y Donovan, John nunca le tocó la canción a ella. "George fue el que me contó del tema. Al final del curso, justo cuando se estaban yendo, mencionó que habían escrito una canción sobre mí pero no la escuché hasta que salió en el disco. Me sentía halagada. Fue una cosa hermosa de hacer". Prudence ahora está casada y vive en Florida donde enseña meditación. En octubre de 1983, Siouxie and the Banshees llegaron al Top 10 en el Reino Unido con su versión de "Dear Prudence".

Glass onion

En una época de rápidos cambios sociales, se consideraba a los Beatles como profetas y cada canción se la diseccionaba buscando símbolos y alusiones que pudieran contener un mensaje. ¿Quién era el Hombre-Huevo en "I am the walrus"? El té mencionado en "Lovely Rita", ¿era en realidad marihuana? ¿Henry the Horse era lunfardo por "heroína"? Quizás los Beatles dejaban la puerta abierta a la malinterpretación al mezclar el lenguaje de la poesía con el nonsense (sin-sentido). A John, en particular, le divertía oscurecer sus puntos de vista bajo capas de imaginería. Sin embargo, por 1968, John estaba tratando de escribir más directamente y la mayor parte del trabajo que trajo de la India era más simple y menos autoconsciente. Cuando un alumno de su vieja escuela le escribió para preguntarle los motivos detrás de sus composiciones, John contestó que el trabajo se hacía por diversión y para reirse. "Primero lo hago para mí. Lo que la gente haga de él después es válido, pero no necesariamente se tiene que corresponder con mis pensamientos, OK? Esto va para las 'creaciones' de cualquiera: arte, poesía, canciones, etc. Igual, el misterio y la mierda que se construye alrededor de todas las formas de arte necesita que se haga pedazos". "Glass Onion" fue una respuesta juguetona de John a aquéllos que escudriñaban su trabajo buscando significados escondidos. Comenzó a armar la canción utilizando líneas al azar, descolgadas, e imágenes de algunas de las canciones beatles más enigmáticas: "Strawberry Fields Forever", "There's a Place", "Within You Without You", "I am the Walrus", "Lady Madonna", "The Fool on the Hill" y "Fixing a Hole". En "Glass Onion" él clama, en broma, que la Morsa (de "I am the Walrus" - Yo soy la Morsa) era en realidad Paul. (En algunas culturas primitivas la morsa es un símbolo de muerte y esta nueva información fue más tarde usada como confirmación por aquéllos que creían que Paul había muerto en un accidente automovilístico en 1966 y reemplazado por un doble.) Finalmente, se le ocurrieron cuatro llamativas imágenes para que sus fans "literales" escrutaran y descifraran: "tulipanes doblados hacia atrás", "cebolla de vidrio", "costa de hierro fundido" y "una junta de cola de paloma". Los tulipanes doblados hacia atrás, explica el ex -vocero de prensa Derek Taylor, se refiere a un arreglo floral que había en Parkes, un restaurant londinense de moda en los sesenta. "Podías estar en Parkes sentado a tu mesa preguntándote qué pasaba con las flores y entonces te dabas cuenta de que eran en realidad tulipanes con sus pétalos doblados hacia atrás, de manera tal que podías ver el lado de adentro de los pétalos y también el tallo. Eso es lo que quiso decir John con "ver cómo vive la otra mitad". El quería decir cómo la otra mitad de la flor vive pero también, y porque era un restaurant caro, cómo la otra mitad de la sociedad vive". Había explicaciones simples para las otras referencias: La Costa de Hierro Fundido (Cast-Iron Shore) era la mismísima playa de Liverpool (también conocida como "the Cassie"); la Junta de Cola de Paloma se refería a una junta de madera que usaba almillas en forma de cuña (algo muy propio de la carpintería); y Cebolla de Vidrio era el nombre que John quería utilizar para The Iveys, la banda que firmó contrato con Apple en julio de 1968. A los Iveys no les gustó el nombre Glass Onion y decidieron llamarse "Badfinger" basándose en "Badfinger Boogie", que era el título original de "With a little help from my friends".

Ob-la-di, Ob-la-da

Paul escuchó las palabras "Ob-la-di, Ob-la-da" por primera vez pronunciadas por el intérprete nigeriano de conga Jimmy Scott, a quien conoció en el club "Bag o'Nails" en el Soho londinense. Un personaje llamativo e inolvidable con sus anteojos oscuros, Scott era renombrado por sus latiguillos: "El utilizaba esas frases cada día de su vida", comentó Doug Trendle (alias Buster Blookvessel) quien más tarde trabajó con él y su banda Bad Manners. "El andaba por ahí usándolas. Era de la tribu yoruba y si encontraras a alguien de esa tribu te van a decir que Ob-la-di, Ob-la-da significa 'La vida sigue'". Jimmy Anonmuogharan Scott Emuakpor nació en Sapele, Nigeria, y llegó a Inglaterra en los años '50, momento en el que encontró trabajo en los clubes de jazz del Soho. Tocó con Georgie Fame y los Blue Flames en los '60, hizo de soporte de Stevie Wonder en tu tour británico de 1965 y luego formó su propia banda, la Ob-la-di, Ob-la-da Band. El hecho de que Paul usara su frasecita como base para la canción se convirtió en un tema de controversia. "Se enojó cuando hice una canción de ella porque él quería su parte" dijo Paul a Playboy en 1984. "Le dije, 'Vamos, Jimmy. Es una expresión nomás. Si hubieras escrito la canción, podrías haber tenido tu parte'". Se ha considerado a Ob-la-di, Ob-la-da como la primera expresión del reggae blanco; aunque la frase era yoruba, la canción que Paul creó alrededor de ella y los personajes que inventó eran de Jamaica. Cuando grabó las voces, Paul cometió un error y cantó que Desmond (en lugar de Molly) "se quedó en casa a arreglar su linda cara". A los otros Beatles les gustó el desliz y la dejaron así. A Paul le encantaba la canción y quería que fuera un single. John siempre la odió. Jimmy Scott tocó las congas en la sesión del 5 de julio de 1968 - la única vez que trabajó con los Beatles. Más adelante ese mismo año, él apareció en el álbum Beggars Banquet de los Rolling Stones y en 1969 en el concierto gratuito de los Stones en el Hyde Park. Por esta época fue arrestado y llevado a la cárcel de Brixton para esperar juicio por no pagar la cuota de manutención alimentaria de su ex esposa. El pidió a la policía que contactaran a la oficina de los Beatles para ver si Paul podía hacerse cargo de su enorme cuenta pendiente, lo que Paul hizo con la condición de que Scott dejara sin efecto sus reclamos con respecto a la canción. Scott dejó Inglaterra en 1969 y no regresó hasta 1973 cuando se sumergió en el proyecto Pyramid Arts en East London, dando talleres de música y percusión africanas. En 1983 se unió a Bad Manners y estuvo con ellos hasta su muerte en 1976. "Habíamos hecho recién un tour por EE.UU. y contrajo neumonía", recuerda Doug Trendle. "Cuando volvió a Inglaterra lo revisaron en Migraciones desnudándolo porque era nigeriano. Lo dejaron desnudo dos horas. Al día siguiente lo llevaron al hospital y murió. Nadie está del todo seguro de cuántos años tenía porque él había mentido la edad cuando obtuvo su primer pasaporte británico. Debería de tener 64." En julio de 1986 se organizó un recital en el Town and Country Club de Londres con Bad Manners, Hi Life International, the Panic Brothers, Lee Perry and the Upsetters y otros con el fin de recaudar fondos para el Fondo de Benevolencia Jimmy Scott. Jimmy dejó a su viudad Lurcrezia y aproximadamente 12 hijos de dos matrimonios. "Jimmy era esencialmente un hombre rítmico, encantador, irresistible con el don de la labia", escribió Lurcrezia Scott en el programa del festival. "Si la vida a veces era aburrida, no debería haber sido, porque sus anécdotas de gente, lugares, incidentes eran un arroyo interminable de burbujas de alegría". Paul, que se mantuvo en contacto con Jimmy, también contribuyó con una cita: "Era un gran amigo mío. En los '60 solíamos encontrarnos en un montón de clubes y nos pasábamos muchísimas horas felices charlando hasta la hora de cierre. El tenía una disposición especial hacia la vida y era un placer trabajar con él". Se grabaron dos covers británicas de Ob-la-di, Ob-la-da, y la del grupo escocés Marmalade alcanzó el Número 1.

Wild honey pie

"Wild Honey Pie" emergió de un canturreo espontáneo en Rishikesh. "Era sólo un fragmento de un instrumental del que no estábamos muy seguros, pero a Pattie Harrison le gustó mucho así que decidimos dejarlo en el disco." Coincidentemente, Mike Love había recientemente co-escrito un tema para los Beach Boys titulado "Wild Honey".

The continuing story of Bungalow Bill

Bungalow Bill, según la canción "salió a la caza del tigre con su elefante y su rifle. En caso de accidentes siempre llevaba a su mamá". Escrita por John durante su estadía en la India, cuenta la historia verídica de Richard Cooke III, un joven graduado universitario estadounidense, que visitó a su madre Nancy mientras ella estaba haciendo el curso en Rishikesh. John describía a Bungalow Bill como el "cabeza de bala típicamente-americano hijo de madre sajona" y Cooke está de acuerdo en que era una descripción aguda de él cuando conoció por primera vez a los Beatles. Cooke medía más de 1,82 y estaba, en esa ocasión, vestido de blanco y llevaba un corte cepillo. "Los otros beatles me trataban muy bien, pero John siempre se mantenía apartado. Ellos resumían la contracultura y yo era el clásico buen-chico-americano y atleta universitario. No teníamos mucho en común para conectarnos". La cacería del tigre en sí se llevó a cabo en un lugar a aproximadamente 3 hors de Rishikesh, a donde Cooke fue con su madre viajando en elefante y luego escondiéndose en un árbol en una plataforma de madera conocida como una marchand. "Rik se sentó y yo me quedé parada atrás de él", recuerda Nancy. "No pasó mucho hasta que vi este flash negro y amarillo. Se me escapó un alarido y Rik giró y le disparó justo a la oreja". "Yo estaba bastante emocionado de que le había dado a un tigre", recuerda Cooke. "Pero el texano que organizó la cacería vino y me dijo 'Vos le disparaste, pero no digas ni una palabra. Para el resto del mundo vos no le disparaste a este tigre.' El quería ser el que volviera a casa con la piel y las garras como trofeo suyo". Fue cuando llegó al ashram cuando Cooke empezó a sentir remordimiento preguntándose si haber matado a ese animal le traería un "mal karma". El y su madre tuvieron una reunión con el Maharishi a la que también concurrieron John y Paul. "Fue una suerte que resultaran estar sentados ahí cuando tuvimos esta conversación con el Maharishi", dijo Cooke. "Mi madre es una persona que se va de boca y estaba hablando muy eufóricamente sobre matar a este tigre y el Maharishi estaba horrorizado, estupefacto de que sus seguidores pudieron ir y hacer algo así. Fue el único momento en que lo vi casi enojado"."Rik le dijo que él se sentía mal por lo que había pasado y dijo que no pensaba que fuera a matar a otro animal", recuerda Nancy. "El Maharishi preguntó: 'Rik, ¿tuviste el deseo y ahora no lo tenés más?' Entonces John preguntó: '¿No llamarías a eso ser un tanto destructor de vida?' Yo le dije, 'Bueno, John, era o el tigre o nosotros. El tigre estaba por saltar justo hacia donde nosotros estábamos.' Eso se escucha en la canción cuando dice 'Si las miradas mataran, hubiéramos sido nosotros en lugar de él'" A John se le ocurrió el nombre de Bungalow Bill para Cooke por la obra Buffalo Bill, el seudónimo del showman americano William Frederick Cody (1846-1917), que era un héroe de los escolares en los comics de postguerra. Eligió "Bungalow" porque toda la hotelería en Rishikesh consistía justamente en bungalows. Cooke no supo nada de "Bungalow Bill" hasta que empezó a recibir postales diciendo "Hey, Bungalow Bill, a quién mataste?" de amigos que lo reconocían en la canción. Ahora divide su tiempo entre Hawaii y Oregon y trabaja como fotógrafo para la revista National Geographic. Su madre Nancy vive en Beverly Hills, California.

While my guitar gently weeps

George estaba leyendo el I Ching, el libro chino de los cambios, y decidió aplicar sus principios de cambio a sus composiciones. En la casa de sus padres en Lancashire, tomó una novela de un estante con el propósito de escribir una canción con las primeras palabras con las que se topara. Las palabras eran "gently weeps" (llora, se lamenta suave, mansamente), y así George empezó a escribir. Comenzó la grabación en julio de 1968 pero sintió que los otros beatles no estaban mostrando suficiente interés en la canción, así que trajo a su amigo Eric Clapton para tocar la primera guitarra mientras él tocaba la rítmica. . La banda la grabó en varias ocasiones, primero enversión acústica y luego una con sonidos más eléctricos, que incluía un solo de guitarra de Harrison, pero no parecía funcionar. Fue entonces cuando George invitó a Eric Clapton para que tocara la guitarra en la canción. Aunque en un inicio dudó ("Nadie toca con The Beatles"), Harrison logró convencerlo. Algunos se han preguntado si el famoso solo de guitarra es realmente interpretado por Clapton, ya que asemeja bastante el estilo que Harrison adoptaría posteriormente. George sólo ha dicho: "Eric lo grabó, y a mí me pareció que estaba realmente bien. Entonces lo escuchamos de nuevo y él dijo: 'Creo que hay un problema: no es lo suficientemente Beatle '. Así que la pusimos en el ADT [automatic double-track] para bambolearlo un poco".

Happiness is a warm gun

La idea para esta canción se le ocurrió a John después de que descubrió una revista sobre armas que pertenecía a George Martin y había sido dejada dando vueltas por el estudio. En la tapa aparecía el titular: "La felicidad es un revólver caliente en tu mano". Era una frase demasiado buena para dejarla pasar y comenzó a jugar con ella. "Pensé, ¡qué cosa fantástica para decir!" señaló más tarde John. "Un revólver caliente significa que acabás de dispararle a algo". John hacía poco había comenzado a convivir con Yoko Ono, la artista japonesa que había conocido en una muestra de arte en el '66. El mismo admitió que en esa época se sentía "muy orientado sexualmente", así que la idea de la canción sobre el revólver caliente comenzó a tener connotaciones sexuales, y dio origen a frases sobre los dedos con picazón sobre el gatillo y la carga descargada. Esta canción parece no referirse a nadie, pero en realidad es una canción sobre Yoko. Ella era la chica que él tenía en sus brazos, la chica que era tan piola que nunca se dejaba trampear y a la cual él llamaba siempre Madre - en este caso, Madre Superiora. Pero pegadas a las líneas originales había imágenes al azar sacadas de una noche de viaje de ácido con Derek Taylor, Neil Aspinall y Pete Shotton en la casa que Taylor le alquilaba a Peter Asher en Newdigate cerca de Dorking en Surrey. "John dijo que había escrito la mitad de la canción y quería que le tiráramos frases mientras Neil las escribía," dice Taylor. "Primero, quería saber cómo describir a una chica que era realmente piola y yo recordé una frase de mi padre que era "She's not a girl who misses much" (ella no es una chica a la que se le escape mucho). Suena como un elogio timorato pero en el Merseyside era lo mejor que podías escuchar. Después conté una anécdota sobre un tipo que mi esposa Joan y yo conocimos en el hotel Carrick Bay en la Isla de Man. Era tarde, una noche, y estábamos tomando algo en un bar y viene este tipo, un lugareño al que le gustaba conocer a los turistas y mezclarse entre ellos y de pronto nos dice: 'Me gusta ponerme guantes de piel de topo, sabés? Me da como una sensación inusual cuando estoy con mi novia' Entonces dijo 'No quiero entrar en detalles', así que no lo hicimos. Pero eso proveyó la línea: "ella está familiarizada con el toque de la mano de terciopelo' Y después estaba 'como una lagartija en el paño (vidrio) de la ventana'. Para mí, eso era el símbolo de un movimiento muy rápido. A menudo cuando estábamos viviendo en Los Angeles, vos mirabas para arriba y veías pequeñas lagartijitas escalando el vidrio", continúa Taylor. "El hombre en la multitud con espejos multicolores en sus botas con tachas" fue algo que había visot en el diario sobre un hincha del Manchester United que había sido arrestado por la policía por tener espejos en las punteras de sus zapatos para poder verle la pollera a las chicas desde abajo. Pensamos que era una manera demasiado complicada y tortuosa de obtener un poco de emoción barata y así se llegó a convertir en "espejos multicolores" y "botas con tachas" para que diera el ritmo. Un poco de licencia poética", agrega Taylor. "La parte de 'mintiendo con sus ojos mientras sus manos están ocupadas haciendo horas extras' salió de otra cosa que había leído que contaba que un hombre tenía puesto un abrigo con manos ortopédicas a las cuales dejaba arriba del mostrador de los negocios, mientras bajo el abrigo estaba ocupado robando cosas con sus manos verdaderas y poniéndoselas en una bolsa alrededor de la cintura'". No sé de dónde viene la "impresión de jabón de su esposa" pero lo de comer algo y después donarlo al National Trust vino de una conversación que habíamos tenido sobre los horrores de caminar en los espacios públicos en Merseyside, en donde siempre te encontrabas con la evidencia de gente que había defecado atrás de los arbustos y en viejos refugios aéreos. Así que tu donación al National Trust (una organización británica que tiene la responsabilidad de mantener la gran belleza del campo*) de lo que habías comido iba a ser conocido como la 'defecación en tierras comunes propiedad del National Trust'. Cuando John juntó todo eso, creó una serie de capas de imágenes. Era como un completo lío de colores" concluye Taylor. Los Beatles habían recién empezado a grabar este tema en el día en que Linda Eastman llegó a Londres para comenzar su vida con Paul. *En realidad, el National Trust primariamente se ocupa de la manutención de los monumentos históricos. Inclusive, hace dos o tres años la casa de Paul en Liverpool fue comprada y restaurada por el National Trust.

Martha

Martha puede haber sido el nombre de la perra pastor inglés (de dos años de edad) de Paul, pero esta canción definitivamente no es un racconto de amor canino. 'Martha My Dear' es un ruego a una chica que siempre había sido la musa del cantante: él le pide que lo recuerde porque todavía cree que fueron pensados/hechos el uno para el otro. En enero de 1968, Paul y Jane Asher anunciaron que se casarían durante ese año pero Paul empezó a salir con otras chicas mientras Jane estaba lejos trabajando como actriz, así que en julio ella rompió el compromiso. "Todavía nos vemos y nos amamos, pero no resultó", Jane dijo en ese momento. "Quizás seremos como esos noviecitos de adolescencia y nos reencontremos y nos casemos cuando tengamos 70". 'Martha My Dear' se grabó en octubre de 1968, para la época en que Linda Eastman se había convertido en la novia de Paul. Jane inició una relación con el dibujante de dibujos animados Gerald Scarfe a comienzos de los '70, y se casaron en 1981.

I'm so tired

Durante la estadía de los Beatles en Rishikesh, había dos clases de 90 minutos por día y la mayor parte del tiempo restante se dejaba para la meditación. La idea era que los alumnos fueran manejando sus períodos de meditación de a poco a medida que sus técnicas iban mejorando. Una persona del curso dijo haber realizado una sesión de meditación de 42 horas. Para John esta vida de tranquilidad y absorción interior significaba no poder dormir de noche y consecuentemente se sentía cansado durante el día. 'I'm so tired', escrita luego de 3 semanas en India, se trataba además de las cosas que había empezado a extrañar. En la Academia de Meditación no se permitían ni el alcohol ni las drogas y la mente de John se volcaba hacia sus amados cigarrillos y la posibilidad de un trago. A veces un amigo suyo podía ingresarle algo de vino de contrabando. Más que nada lo que extrañaba John era a Yoko Ono. La pareja todavía no había comenzado un affair porque John no estaba seguro de cómo terminar su matrimonio. Se le había cruzado por la cabeza brevemente invitarla a la India pero se dio cuenta de que las complicaciones que podría traer tenerlas a Cynthia y a Yoko bajo el mismo techo eran demasiado grandes.

Blackbird

Hay dos historias en conflicto alrededor de la creación de Blackbird. Según la primera, simplemente Paul se levantó temprano una mañana en Rishikesh y escuchó cantar a un mirlo, tomó su guitarra para transcribir la canción del pájaro y terminó con un tema para el álbum. La otra,más comprometida, sugiere que él se inspiró en las noticias que daban cuenta de tensión racial en EE.UU. y, al ver un mirlo con sus alas rotas esforzándose por volar, pensó en la metáfora de las minorías raciales oprimidas comenzando a doblar sus músculos. El problema con la segunda historia es que la muerte de Martin Luther King (que provocó desmanes en abril de 1968) no tuvo lugar hasta después de que Paul hubiera regresado de EE.UU., con la canción ya en su bolsillo. Una noche en el verano de 1968, Paul dio una serenata para las fans que se reunían en la puerta de su casa tocando una versión de "Blackbird" con su guitarra acústica. Margo Bird, una ex "Apple Scruff" (el término utilizado por las fans que solían congregarse en la puerta de las oficinas de Apple en Savile Row) recuerda:"Creo que él estaba con una chica en su casa, Francie Schwartz, y era obvio que ella no se estaba por ir. El tenía una sala de música arriba en su casa y abrió la ventana, se sentó en el borde y tocó el tema para nosotras. Fue temprano a la mañana". Paul siempre nombra a "Blackbird" como prueba de que sus mejores canciones surgieron espontáneamente, cuando la letra y la música le vinieron sin esfuerzo conciente de su parte.

Piggies

George se refirió a "Piggies" como un "comentario social" aunque la canción hizo poco más que reirse de las clases medias llamándolos "cerdos", un término burlón usado en los sesenta, generalmente reservado a la policía. La canción se volvió tristemente célebre en 1971 cuando se reveló que Charles Manson, el autonombrado líder del Clan Manson, había interpretado la letra como una advertencia al establishment blanco de que tenían que estar listos para una sublevación. En la disturbada mente de Manson fue particularmente significativa la sugerencia de que los cerditos estaban necesitando "una buena paliza". De acuerdo con los testigos, esta era una de las líneas preferidas de Manson, que solía citar frecuentemente durante su encarcelación por los asesinatos que muchos vieron como el oscuro capítulo final de la era hippie. La clave que eventualmente conectó los ocho asesinatos (cinco en la residencia de la estrella de cine Sharon Tate, dos en la de Leno Labianca y una en lo de Gary Hinman) fue la pintada de las palabras "pig", "pigs" o "piggies" con la sangre de las víctimas. Los Labianca fueron incluso apuñalados con tenedores y cuchillos, aparentemente porque estos utensilios se mencionan en el último verso del tema. George se horrorizó ante la maníaca interpretación de Manson de lo que según él era una canción bastante inocua. Señaló que lo de la "buena paliza" ("damn good whacking") se lo había sugerido su madre cuando él estaba buscando algo que rimara con "backing" y "lacking". "No tenía nada que ver con policías americanos ni repulsivos peludos californianos", dijo George.

Rocky Raccoon

Rocky Raccoon" era un western musical, escrito por Paul durante su estadía en la India. Situada en las montañas de Dakota, cuenta la historia del joven Rocky cuya chica, Nancy Magill, se va con Dan. Rocky persigue a Dan e intenta dispararle pero recibe una soberana paliza. Luego, un doctor que apesta a gin lo atiende en el cuarto de su hotel. "Estábamos sentados en el techo en lo del Maharishi diviertiéndonos cuando escribí este tema", recuerda Paul. "Comencé tirando acordes, y originalmente el título era 'Rocky Sassoon'. Luego John y Donovan empezaron a inventar la letra, que salió muy rápido, y eventualmente se convirtió en 'Rocky Raccon' porque sonaba más onda cowboy". La "Apple Scruff" Margo Bird escuchó que el personaje del doctor fue tomado de la vida real. "Paul tenía una motito de la que se cayó allá por mayo del '66. Estaba un poco abombado, se cortó el labio y se partió el diente. El médico que vino a verlo apestaba a gin, y dado que estaba en esas condiciones no hizo un muy buen trabajo cuando le dio los puntos. Es por eso que Paul tuvo ese horrible bultito en el labio durante un tiempo".