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domingo, 16 de diciembre de 2018

Curso de verano sobre el método Schlossberg de trompeta


Nuestro curso, está orientado, al trabajo teórico y practico sobre este maravilloso método, para todos los niveles, ya sea para principiantes, estudiantes intermedios, o trompetistas profesionales, que deseen mejorar su técnica y habilidades en el instrumento

Este método, fue escrito por Max Schlossberg, un muy celebre maestro de trompeta de origen ruso, afincado en USA, y empezó a tomar popularidad en la década del 30, ya que si bien es un método basado en el trabajo de columna de aire, y flexibilidad de labio, se trata de un método completo, donde también se aplican practicas de escalas, triadas, intervalos, etc. En los conservatorios y escuelas de música, suele usarse complemento al trabajo técnico, proporcionado por el método Arban, pero es muy apto para el trabajo de rutinas diarias, sobre todo para los trompetistas profesionales.

Cabe destacar, que el método  Schlossberg, es ep primer método de trompeta, propiamente dicho de la historia, ya que sus predecesores mas importantes como el Arban, Gatti o Clarke, originalmente fueron escritos para corneta. Pero Schlossberg, siempre afirmó que la trompeta era el instrumento del futuro. Y evidentemente no se equivocó.

Para todos los estudiantes y profesionales de trompeta, el trabajo con la metodología adecuada, nos permite tener armas adecuadas, para ganar la batalla. Como dijo Dizzy Gillespie, uno batalla todos los días, para tratar de sacarle el mejor sonido posible a un pedazo de metal, pero de acuerdo a la filosofía de las artes marciales tradicionales, esto no se trata mas que un combate consigo mismo, ya que en el camino, además de mejorar nuestras habilidades técnicas en el instrumento, también desarrollamos la paciencia, la concentración, relajación, fuerza, inteligencia, y en definitiva, son cualidades que no solo nos vuelven un mejor trompetista, sino además, una mejor persona.

Debido a la gran cantidad de métodos disponibles, a veces es posible perderse o dispersarse un poco, en el camino a nuestros objetivos trompetísticos. Hay varios métodos, como el Arban, Schlossberg, Colin, Harry James, Gatti, etc. Todos estos métodos gozan del suficiente prestigio, al haber sido usados por innumerables profesionales y estudiantes del instrumento a lo largo de los años. Pero sin ninguna duda, el método Schlossberg es el más moderno, completo y perfecto, para el trabajo de rutinas de práctica diaria, para mejorar las habilidades de cualquier ejecutante de trompeta, ya sea principiante, estudiante o profesional.

Informes: 
Escuela de música Blue Train
Mar del Plata (zona Playa Grande)
Tel: (0223) 486-0441
Cel/WP: 2234668772
sergiogiacobone@gmail.com      
facebook.com/bluetrainmdq
musicoscuanticos.blogspot.com

domingo, 11 de noviembre de 2018

Clases de guitarra en Mar del Plata



Clases de guitarra en Mar del Plata, orientadas especialmente para Jazz, Blues y Rock
Enseñanza por música y tablatura
Teoría de la música
Armonía funcional
Audio perceptiva y lectura
Improvisación
Métodos clásicos y modernos
Entrenamiento integral de músicos
Todos los niveles
Proveemos de todo el material de estudio
Clases particulares de una hora de duración
Valor de las clases: 300$
A cargo del profesor. Sergio Giacobone, ex integrante de Caoba Jazz Band, Porteña Jazz Band, Jazz Containers, Orquesta Sinfónica juvenil del Teatro Colón de Buenos Aires, etc...
Escuela de música Blue Train
Mar del Plata (zona Playa Grande)
Tel: (0223) 486-0441
Cel/WP: 2234668772
sergiogiacobone@gmail.com      
facebook.com/bluetrainmdq
musicoscuanticos.blogspot.com

Clases de Improvisación musical

Clases de improvisación musical, orientadas al jazz, blues y rock

“La vida es como el jazz. Es mejor cuando improvisas!” (George Gershwin)…
La improvisación es un arte apasionante y quizá, la disciplina más alta a la que puede aspirar un músico.
El estudio de la improvisación requiere un constante y profundo análisis por parte de cada alumno sobre sus particulares destrezas y habilidades musicales. Aquellas que, con la práctica continua y con un programa de estudios adaptado a sus capacidades y necesidades, le permitirán ser un improvisador competente, expresivo y creativo.

La base de la improvisación es la técnica instrumental, ya que el estudio de ejercicios técnicos para apoyar la habilidad de improvisar fomentará la fluidez y facilidad, huyendo del estancamiento o repetición de frases de forma rutinaria.
La capacidad de generar un “mapa” auditivo interno de un contexto o secuencia armónica, de reconocer e imaginar conexiones y “caminos” a través de la música para llegar a tocar “lo que uno oye” complementa la capacidad de predecir y construir las melodías de una forma más analítica.
También será muy importante la capacidad de memorizar secuencias armónicas típicas y temas de repertorios concretos: los contextos del jazz, blues, rock y otros estilos actuales son las materias primas. También se guía al alumno para explorar y conocer el lenguaje de estilos variados a través de la transcripción y el análisis.

Las clases son particulares e individuales, y para todos los niveles, aplicadas al nivel técnico y las destrezas de cada alumno; comenzando directamente a trabajar sobre las herramientas para improvisar, si se dispone de un nivel instrumental técnico suficientemente alto. Si no es así, las clases se orientarán a mejorar la técnica, conocimientos y destrezas del alumno en su instrumento, hasta llegar al nivel necesario para poder directamente comenzar a trabajar sobre la improvisación.

A cargo del profesor. Sergio Giacobone, ex integrante de Caoba Jazz Band, Porteña Jazz Band, Jazz Containers, Orquesta Sinfónica juvenil del Teatro Colón de Buenos Aires, etc...


Informes:
Mail: sergiogiacobone@gmail.com
Tel: (0223) 486-0441

facebook.com/bluetrainmdq
Celular: (0223) 15-466-8772
Whatsapp: 2234668772

sábado, 10 de noviembre de 2018

Consejos para aprender y practicar improvisación musical

El saber improvisar es un muy importante tanto para un músico que toca en una banda de jazz como para un compositor que toca solo. Improvisar es muy útil para practicar nuestro sentido musical, tanto teórico como técnico, auditivo, como rítmico.
Lo más importante es que sirve como un recurso muy útil a la hora de escribir canciones principalmente porque la espontaneidad del dejarse llevar genera nuevas ideas que podemos utilizar para nuestras canciones. Ideas o frases que no pensamos normalmente y que se generan por el relax el dejarse llevar: desde fraseos, riff, melodías, ideas para letras, motivos, o nuevos ritmos entre otras cosas.
Puesto que estos son temas vistos frecuentemente en clase con alumnos, aquí van  este post van unos cuantos tips para mejorar nuestra habilidad a la hora de improvisar.

Motivos
- Improvisar no significa simplemente tocar notas sueltas. Las notas se corresponden a una tonalidad pero tampoco significa tocar notas al azar dentro de una escala. Recuerda que puedes usar acordes, triadas de acordes, arpegios, riff, armónicos, o patrones de notas, voicing, etc.
- Improvisar significar crear espontáneamente, o sea, intentar conseguir un motivo, o una idea musical novedosa. Apenas alguna frase te suene bien puedes tomarlo como motivo de la improvisación, esto suena mejor que tocar notas al azar o sin sentido. Puedes cambiar de motivos y volver a ellos.
- Utiliza el ritmo como guía, base e inspiración.
- No toques todo igual. Improvisar no es ir todo rápido o todo lento. Deja que la música te lleve. Aprende a poner pausas, dejar sonar o agregar vibrato. Lo importante es intentar comunicarse, generar tensión, relax, o específicamente lo que busque generar esa canción en particular.

Recursos
- Improvisar en la música es como hablar, cada uno habla de diferentes formas. Algunos hablan atolondrados, otros pausados, etc. Pero a la hora de expresarse (tanto musicalmente como cotidianamente) cada uno utiliza sus propios recursos, como palabras, ideas, pausas, formas de argumentar, silencios, énfasis, etc. En la música es lo mismo, cuantas más asociaciones de escalas, digitaciones, acordes, licks, frases o ideas musicales realices, sepas, vincules y puedas adaptar, tu propio vocabulario musical más amplio será.
- Si te das cuenta que estas atorado o te faltan ideas musicales siempre es bueno aprender nuevos licks para tener nuevas ideas.
- Aprende a no tocar cómodo. Siempre tocamos en lugares que son cómodos para uno, es casi instintivo. Lo mejor es aprender a tocar en distintas tonalidades, especialmente las que nos resulta insoportablemente incómodo.
- Es medio obvio y redundante al punto anterior pero es necesario aclararlo, dada su importancia: Aprende a tocar en diferentes tonalidades y a trasladar las escalas.
- La gran mayoría de las frases que tocamos es que ya las tenemos practicadas y surgen inconscientemente. Si se te ocurre una frase muy complicada, o que no estás acostumbrado a tocar lo mejor es pausar, anotarla y practicarla. El ejemplo más común es que nos resulta más sencillo subir en la escala que bajarla.
- Aprende a improvisar con backing tracks (pista de acompañamiento), solo con batería o incluso solamente tu con la trompeta, a capella.
- Aprende que acordes tiene la canción o la pista sobre la que improvisas y desglosa los acordes o solo improvisa sobre las distintas modulaciones de los acordes
- Aprende los arpegios de jazz.

Ritmo
- Aprende a entrar y salir del ritmo de los compases. Un buen recurso es tocar riffs olicks ya sabidos y en el último golpe del compás intentar meter una frase cortita seguido de otro riff. Esto sirve para aprender a estar a tiempo, a frasear a tiempo en poco lugar y llegar a tocar los riffs a tiempo y con swing.
- Aprende a tocar en distintos tiempos por ejemplo a sincopado, en tresillos, acentuando, a contratiempo, etc. En otra palabra aprende a jugar con los tiempos del compás.
- Aprende a tocar sobre canciones en los cuales ocurra una modulación como por ejemplo en Blue Bossa. No te acostumbres a tocar siempre en una misma tonalidad

Digitaciones
- Aprende las escalas relativas: Por ejemplo si tocas en tono de do mayor, aprende a tocar la escala de La menor, así como los modos relativos a la tonalidad que tocas.
- Aprende a unir escalas, ligándolas: Ejemplo es muy fácil unir la pentatónica de Lam a la escala de Do mayor.
- Aprende a repetir la misma frase en distintas tonalidades

Licks
Aprende las distintas formas de armas frases (o licks):
- Con intervalos:
- Con triadas
- Con arpegios
- Runnings: se llaman a los licks que van desde la parte más grave de la trompeta a la parte más aguda y se arman uniendo escalas)
- Recuerda que la trompeta es un instrumento melódico, y puedes tocar de a una nota por vez.

Técnica
Utiliza toda las técnicas que sepas y practica la que encuentres más débil. Por ejemplo bending, vibratos, todos los armónicos, glissandos, naturales y a media válvula, ligados, diversos staccatos, trinos, grupetos, apoyaturas, mordentes, trinos de labio, etc
Y el consejo más importante de todos a la hora de tocar e improvisar música: Divertite y sentite libre. "Free your mind"...


Muchos de los conceptos enumerados en esta nota, están perfectamente sintetizados en un excelente libro, escrito en la década del 60, que es un verdadero clásico entre estudiantes y profesionales. nos referimos a "Improvisando en Jazz", de Jerry Coker. Altamente recomendable para quienes quieran profundizar en la teoría y la práctica de la improvisación musical. Les dejo un link para descargarlo, haciendo click aquí

sábado, 3 de noviembre de 2018

Método Schlossberg de trompeta


Para todos los estudiantes y profesores de trompeta, el trabajo con la metodología adecuada, nos permite tener armas adecuadas, para ganar la batalla. Como dijo Dizzy Gillespie, uno batalla todos los días, para tratar de sacarle el mejor sonido posible a un pedazo de metal, pero de acuerdo a la filosofía de las artes marciales tradicionales, esto no se trata mas que un combate consigo mismo, ya que en el camino, además de mejorar nuestras habilidades técnicas en el instrumento, también desarrollamos la paciencia, la concentración, relajación, fuerza, inteligencia, y en definitiva, son cualidades que no solo nos vuelven un mejor trompetista, sino además, una mejor persona.
Debido a la gran cantidad de métodos disponibles, a veces es posible perderse o dispersarse un poco, en el camino a nuestros objetivos trompetísticos. Hay varios métodos, como el Arban, Schlossberg, Colin, Harry James, Gatti, etc (ver nuestro post anterior sobre métodos). Todos estos métodos gozan del suficiente prestigio, al haber sido usados por innumerables profesionales y estudiantes del instrumento a lo largo de los años.
En lo referente al estudio técnico del instrumento, en la escuela Blue Train, usamos preferentemente el Arban y el Schlossberg como métodos fundamentales de trabajo. Ya hemos hablado en un post anterior sobre el Arban, de modo que ahora le toca el turno al Schlossberg.
Este método, fue escrito por Max Schlossberg, un muy celebre maestro de trompeta de origen ruso, afincado en USA, y empezó a tomar popularidad en la década del 30, ya que si bien es un método basado en el trabajo de columna de aire, y flexibilidad de labio, se trata de un método completo. Para los estudiantes, suele usarse complemento al trabajo técnico, proporcionado por el método Arban, pero es muy apto para el trabajo de rutinas diarias, sobre todo para los trompetistas profesionales.
Dado que es uno de los métodos fundamentales que usamos en nuestras clases, agregamos un link, para que nuestros alumnos, cualquier persona, estudiante de la trompeta, o profesionales, puedan descargarlo, haciendo click aquí…

miércoles, 24 de octubre de 2018

Método Arban de trompeta

El método completo de trompeta (en francés Grande méthode complète pour cornet à pistons et de saxhorn par Arban), conocido comúnmente como método Arban, es un método pedagógico para los estudiantes de trompeta, corneta y otros instrumentos de viento-metal con pistones. La edición original fue publicada por Jean-Baptiste Arban en 1864 y nunca se ha dejado de editar porque es usado por los intérpretes actuales. Contiene cientos de ejercicios que incrementan gradualmente su dificultad. El método comienza con bastantes ejercicios básicos y avanza a composiciones muy avanzadas, incluyendo un arreglo de Arban, famoso por su dificultad, del "Carnaval de Venecia" en forma de Tema y Variaciones. Posteriormente fue editado por Edwin Franko Goldman y Walter M. Smith y anotado por Claude Gordon.
El método Arban incluye 150 canciones dentro de la sección "El arte de la frase", 68 Etudes, 14 estudios característicos, estudios avanzados, solos de trompeta, numerosos ejercicios para practicar la ligadura, escalas, ornamentos y posiciones de la lengua.
Dado que es el método básico y mas importante que usamos en nuestras clases, agregamos un link, para que nuestros alumnos, cualquier persona o estudiante de la trompeta puedan descargarlo, haciendo click aquí…

Escuela de música Blue Train


Primera escuela de música marplatense, especializada en la formación de músicos. con orientación al jazz, blues y rock. Dictamos clases de trompeta, guitarra e improvisación musical, para todos los instrumentos, 

La formación completa de un músico, implica la combinación de diversos factores: el talento que naturalmente tienen casi todas las personas, más el interés por la música desde el comienzo del periodo de formación de un músico, sumado a una motivación y a una manera de trabajar diferente que te lleva a querer hacer de la música algo propio, desde el interés por vivirla en el presente, sin proyectarte hacia el futuro, y el poder poner en práctica toda esa ilusión y conocimientos en un contexto apropiado y poder compartir la experiencia, con un docente, que es a la vez un músico experimentados. Ser músico, es de por vida, más allá de cualquier rótulo.

También es muy importante, combinar adecuadamente en la enseñanza, la correcta formación técnica en el instrumento, trabajando con la metodología apropiada; en nuestras clases, combinamos algunos métodos tradicionales,  con métodos más modernos, como los celebres métodos de Aebersold, orientados hacia el jazz y blues, basados en el conocimiento de escalas y acordes, y el uso de la audio perceptiva.
Algunos de los ítems que abordamos en clase, son los siguientes:        

•          Improvisación musical
•          Lenguaje de jazz y blues
•          Armonía funcional
•          Audio perceptiva
•          Entrenamiento integral para músicos

La dirección de la escuela, está a cargo del prof. Sergio Giacobone, músico de amplia trayectoria y experiencia (Ex integrante de Caoba Jazz Band, Porteña Jazz Band, Jazz Containers, Coyote Blues Band, Black Soul, Walkin Blue, Simplemente Jazz Band, Black & White Jazz Band, Orquesta Sinfónica juvenil del Teatro Colón de Buenos Aires, etc)



Informes: 
Mail: sergiogiacobone@gmail.com
Tel: (0223) 486-0441
facebook.com/bluetrainmdq

Cel/WP; 2234668772

sábado, 20 de octubre de 2018

Clases de trompeta en Mar del Plata

Clases de trompeta en Mar del Plata, orientadas especialmente para Jazz y Blues
Enseñanza por música y tablatura
Teoría de la música
Armonía funcional
Audio perceptiva y lectura
Improvisación
Métodos clásicos y modernos
Entrenamiento integral de trompetistas
Todos los niveles
A cargo del profesor. Sergio Giacobone, ex integrante de Caoba Jazz Band, Porteña Jazz Band, Jazz Containers, Orquesta Sinfónica juvenil del Teatro Colón de Buenos Aires, etc...
Informes: 
Mail: sergiogiacobone@gmail.com
Tel: (0223) 486-0441
Cel/WP: 2234668772
facebook.com/bluetrainmdq

miércoles, 17 de octubre de 2018

Como tocar e improvisar jazz (How to play jazz and improvise - Jamey Aebersold


Los Play-Along de Aebersold, son posiblemente, los libros y métodos más usados en todo el mundo para el aprendizaje del Jazz. La colección de volúmenes está formada por mas de 100 títulos que abarcan a muchísimos artistas y estilos musicales de las últimas décadas. Los libros y play alongs de Jamey Aebersold se han vuelto muy populares entre estudiantes de Jazz. Así mismo, también son muy utilizados por músicos profesionales.
Este es el primero de todos ellos dedicado al tema como improvisar y tocar jazz, en idioma español.

Este volumen se presenta como información de una obra nueva y fácil de entender e inspirar para todos los músicos que le ayudarán a conocer los temas de la improvisación y el jazz. Incluidos capítulos sobre escalas / acordes, desenvolvimiento de criatividad, fundamentos de improvisacion, 12 Escalas Blues, Escalas Bebop, Escalas Pentatónicas, tempo e feeling, desenvolvimiento melódico, II-V-7, escalas y modos, ejercicios y accesorios. , 7a. Dominante, nomenclatura, cromatismo, plan de estudios progresivo, etc.
Tabla de contenidos

  • Escalas/Acordes 
  • Desarrollo de la creatividad 
  • Fundamentos de la improvisación 
  • Las 12  escalas de Blues
  • La escalas de Bebop
  • Las escalas Pentatónicas y su uso
  • Tiempo y Sensibilidad 
  • Desarrollo Melódico
  • Cadencias II/V/I 
  • Modos y escalas relativas
  • Ejercicios prácticos
  • Fraseo. Patterns and Licks 
  • Escalas posibles para improvisar sobre acordes de séptima dominante
  • Nomenclatura! Todas las formas convencionales de escribir los acordes 
  • Cromatismo 
  • "Indice de escalas" ! Tabla completa de todas las escalas ordenadas por tipo, nombre y su estructura en tonos y semitonos
  • y mas
Podés descargarte el libro y las pistas del CD, haciendo click aquí 

martes, 16 de octubre de 2018

Consejos para ser un mejor trompetista



Hemos enumerado aquí una serie de consejos destinados a mejorar las habilidades en la trompeta de cualquier estudiante o profesional. Los mismos son fruto de la experiencia de muchos años, y están divididos en diferentes áreas, tales como Aprendizaje, Equipamiento, Interpretación, Inspiración y Práctica.

Aprendizaje

Tocar con otros:
La música es sobre todo comunicación y avanzarás con una rapidez sorprendente si tocas con otros: proporcionando riffs o fondos para el solo de alguien, tocando preguntas y respuestas, cada uno con las frases del otro e incluso aprendiendo simplemente cuando paras de tocar.
Mucha gente puede tocar en su habitación, pero avanzarás más tocando con otros ya que mejorará tu sentido del ritmo.

Aprende canciones nota por nota:
Con todo lo laborioso que es, aprenderte una canción nota a nota desde el principio hasta el final no sólo ampliará tu repertorio, sino que también mejorará tu sentido del tiempo, fraseo y oído, y ademas mejorará tu apreciación general de lo que un trompetista debe hacer cuando no está improvisando un solo, y debe hacerse cargo de la melodía de un tema

Tomar clases:
No son sólo para principiantes. Incluso si eres un intérprete con talento natural, un buen profesor siempre puede indicarte en qué puedes mejorar o ayudarte a asegurar un estilo que nunca creíste poder dominar.

Jornadas trompetisticas:
Si quieres combinar el encuentro con almas de inclinaciones similares y un tiempo de instrucción profesional, ¿por qué no invertir en un curso de fin de semana? Seguro que tienes donde elegir.

Comprar un buen libro:
¿Eres un excelente trompeta clásico al que nunca le ha seducido tocar jazz, o viceversa? ¿O llevas años machacándote solo en tu cuarto, frenando tu propio crecimiento musical? Te recomiendo que vuelvas a lo esencial, un libro de Trompeta hará desaparecer todos tus malos hábitos y reconstruirá tus fundamentos para convertirlos en algo mucho más sólido. Una vez que lo hayas acabado será un excelente regalo para un amigo.

Pensar más allá de la posición:
Toca frases con las que ya te sientas cómodo en una tonalidad diferente: ampliarás tu vocabulario solista y mejorarás tu capacidad de conocer el instrumento.

Sácale partido a tu compu:
Mientras Intel y otras empresas,, investigan las posibilidades de trompetas computerizadas futuristas, tu humilde PC todavía puede ser el mejor amigo del trompetista. Echa un vistazo a la variedad de software educativo que hay por ahí, desde diccionarios de acordes hasta herramientas de instrucción interactiva sobre las escalas. En la mayoría de los casos puedes descargarte una demo para poder probar antes de comprar.

Estudiar sin la trompeta:
Hay mucho que aprender sin una trompeta en las manos. Encuentra los momentos de tu rutina diaria en los que puedas dedicar media hora a leer un libro de teoría musical, ver un DVD educativo, memorizar nuevas formas de acordes o volver a escuchar grabaciones en las que tocas tú mismo en el autobús, en el tren……etc. Es muy importante también, el practicar mentalmente, es decir, solamente visualizando la trompeta, y también mentalmente practicar con mano cambiada., o solo con la boquilla.

Abordar la teoría paso a paso:
Si las escalas te suenan a chino y no sabes muy bien por donde empezar, no desesperes y lo más importante ¡No tires la toalla!
Paul Gilbert: El punto de partida es la armonía diatónica – los acordes de la escala mayor – y poco a poco te darás cuenta de que hay otras cosas. El conocimiento es bueno, pero puedes fastidiarlo si no eres consciente de que no lo sabes todo.

Tocar con los mejores músicos que puedas encontrar:
Maynard Ferguson: Hay ocasiones en las que cuando alguien como Roy Eldridge o Dizzy Gillespie están tocando, me miran y dicen ¡Vamos toca! Y yo respondo ¡Toca tú y yo intentaré aprender algo!

Bajar la velocidad:
La claridad prácticamente siempre vence el desaliño. Toma algún tema que ya conozcas y esté al limite de tu capacidad técnica, tócalo lentamente -como alternativa, puedes grabarlo y bajar la velocidad con un repetidor de frases (phrase trainer) si lo tienes ¿Sabes realmente si lo haces tan bien cómo crees?
Ed Gerhard: Me encanta una buena nota. Cada vez más, mi abordaje de la música consiste en frenar un poco y sacar lo máximo que pueda de cada nota.

Equipamiento

Conseguir una nueva sordina:
Las sordinas son un modo estupendo de renovar tu estilo y tu timbre. Y hay marcas muy económicas para invertir en ello sin excusas.

Ordenar tu cuarto de estudio:
Cuanto más agradable sea el entorno en el que estudias, más tiempo pasarás en él. Planteate equipar tu cuarto con un equipo stereo y un reproductor de DVD aceptables. O una compu que haga ambas funciones; asegúrate de tener un asiento cómodo y mantén el desorden al mínimo. Además, compra un atril para usar las partituras.

Cuidar tu trompeta:
Mantén tu trompeta adecuadamente limpia, aceitada y engrasada con regularidad, Una trompeta descuidada  hace daño al oído, y a la vista.

Conseguir un metrónomo:
Si quieres mejorar la precisión de tu tempo en la trompeta un metrónomo es sencillamente un elemento obligado de equipamiento.
Lee Morgan: Todavía practico mis ejercicios todos los días usando un metrónomo. La buena interpretación en la trompeta es ante todo fraseo y es muy importante perseverar.

Interpretación

Aprender a construir un solo:
Tocar escalas arriba y abajo no basta para construir un solo realmente memorable. Experimenta con el tiempo, permitiendo que unas notas resuenen más tiempo que otras repite una secuencia de notas para construir una frase memorable dejando espacios en tu solo para que el resto de la música pueda seguir respirando. Y piensa en las partes de un relato, los mejores solos a menudo tienen un planteamiento, un nudo y un desenlace definidos.

Identificar los problemas:
¿Tu vibrato es débil? ¿Tus bendings alcanzan las notas adecuadas? Haz que un amigo te escuche, después ten en cuenta sus críticas.

Fraseo:
Los trompetistas acostumbrados a tocar en soledad a menudo prestan escasa atención al fraseo y tienden a tocar casi continuamente. No obstante, un fraseo sofisticado a menudo es el sello de un intérprete consumado. Para desarrollar el tuyo, prueba a tocar fuera de pulso, emplea la repetición rítmica y lo mejor de todo, tocar con otros.
John Etheridge: En muchos aspectos debes intentar frasear como hablas Imaginate a alguien hablándote durante 20 minutos sin espacios ni pausas, suena realmente agotador.

Desarrollar habilidades en otro instrumento:
Si estás en una banda, cambien los instrumentos al final de un ensayo. Será divertido y adquirirás una refrescante perspectiva de tu instrumento. Muchos trompetistas famosos son multiinstrumentistas. Si eres compositor, intenta intercambiar instrumentos para ayudar a tu creatividad.
Miles Davis: Cuando empecé a componer en el piano descubrí que cuando llevaba las composiciones de vuelta a la trompeta eran mejores. A veces todavía agarro la trompeta para buscar ideas, pero me encuentro con que acabo terminándolas en el piano.

Tocar fuera de la zona que te resulte cómoda:
Nunca toques con el piloto automático; prestarás un mal servicio tanto a ti como a tu público.
John Faddis: Fui a ver a un alumno actuar en un ruidoso bar en West Virginia. Era un abogado de Los Angeles y estaba tocando tan bajo que le tiré mis zapatos.

Sacar el máximo partido a tu tiempo de ensayo:
No prolongues innecesariamente el tiempo de ensayo de tu banda. Estableced una cantidad de tiempo óptima (digamos dos horas) y haced un pacto para permanecer centrados todo el tiempo.

Fijar una fecha para una actuación:
Si estás en una banda, llama a varias salas y fija fecha para alguna actuación. Si tocas en solitario, da el paso decisivo y preséntate en una noche de micros abiertos. No hay nada como esa fecha que se dibuja cada vez más cercana para centrar tu mente en tu música.

Divertite
Pregúntate porque agarraste una trompeta por primera vez e intenta tocar con la misma libertad y entusiasmo
Harry James: Prepárate para cometer errores, así es como encuentras tus riffs. Improvisa, arrásalo todo. Es un trabajo pero también es una diversión.

Inspiración

Ver una banda en vivo:
No requiere pensar mucho, pero con regularidad ver bandas e interpretes en vivo inspirará tu propia interpretación. Además, ayudarás a potenciar tu música en directo.

Respetar la trompeta:
Tocar la trompeta no es una competición o una carrera, ten en cuenta esto y no olvides porque decidiste tocar este instrumento. Siempre tienes que buscar la sinceridad en tu interpretación.

Buscar nuestras influencias:
Busca entrevistas de tus intérpretes favoritos y descubre no sólo qué equipo usan sino quienes les han influido
Louis Armstrong: Escucha el pasado…. La belleza de esto es que puedes tomar una de esas cosas y hacerla tuya. Aprendiendo demasiado de los intérpretes más recientes no tendrás muchas oportunidades de hacer algo original.

Mantenerse en forma saludable:
Podrás tocar la trompeta por más tiempo. Es un mito que drogado o borracho se puede tocar mejor.

Práctica

Pensar antes de tocar:
Si tu idea de una típica sesión de práctica es agarrar el machete y abrirte camino a lo guapo, es más conveniente que tomes la decisión consciente de parar, relajarte, y hacer ejercicios como Chi kung o Kung Fu Chio (ver post anterior). Estructura tu aprendizaje y tus prácticas. Verás las mejoras de inmediato.

Practicar con mano cambiada
Si eres diestro, prueba de practicar tocando como zurdo, Esto es equivalente a aprender desde cero otra vez para quienes ya tocan, pero con inestimables beneficios a nivel técnico y cerebral.

Hacé ejercicios:
Los atletas no mejoran sin programas de entrenamiento, así que ¿porqué deberían hacerlo los trompetistas? Si lo primero que haces cuando agarras la trompeta es más o menos lo mismo, simplemente repetirás algo que ya conoces.
Lee Morgan: Cuando haces montones de actuaciones es un error pensar que estás mejorando. Cuando mejoras realmente es cuando paras y haces algo nuevo.

Seguir la melodía original según tocas un solo:
Puedes pensar que es embarazoso, pero seguir la melodia original con la mente, ayuda al fraseo y la improvisación, y mejora tu apreciación de los intervalos y el ritmo
Miles Davis: No me gusta tocar solos en las grabaciones a menos que puedan cantarse. Si tienes un solo metido en la cabeza, entonces es el solo adecuado.

No leas sobre embocadura o cuestiones técnicas, 
Ni mires vídeos de Internet para intentar resolver los problemas técnicos de la trompeta- La mayoría de la gente que escribe sobre este tema, o publica videos, carece de un profundo conocimiento técnico, e incluso artístico, o de la experiencia docente suficiente, como para escribir o publicar material sobre la trompeta. Mi abuelo decía "La ignorancia es atrevida", y hoy cualquier ignorante /trompetísticamente hablando), tiene el atrevimiento de subir contenidos. Nada reemplaza la experiencia de un maestro calificado, si lo que realmente querés, es aprender a tocar la trompeta

lunes, 20 de noviembre de 2017

Métodos de trompeta

Quienes estudiamos y enseñamos la trompeta hace muchos años, sabemos de la importancia de los métodos, tanto a la hora de estudiar, como a la hora de enseñar. Existen hoy día, innumerables cantidad de métodos, incluso algunos orientados hacia estilos determinados, pero podemos asegurar, que casi todos ellos, en gran medida se referencian inicialmente en el Arban (prácticamente, la Biblia del trompetista, desde hace casi 200 años).y también en el método Gatti. Estos dos, son sin duda los métodos más populares, y mas usados, tanto en los conservatorios, institutos, como en estudiantes particulares, e incluso en autodidactas, que se dedican a estudiarlos por si solos. Sin ninguna duda se trata de excelentes métodos. 



En lo personal, como me dedico a tocar y enseñar jazz, además estudiar y enseñar la técnica clásica, me gustan mucho otros dos métodos, que también son muy populares, como el escrito por Max Schlossberg, orientado mas bien a la correcta embocadura, columna de aire, e incluso flexibilidad de labios, y también me gusta mucho el método escrito por el gran y célebre trompetista Harry james. Estos últimos dos métodos fueron escritos en el siglo XX, el primero en la década del 30, y el segundo en la del 40. La gran particularidad que tiene el método de Harry James., es que si bien contiene ejercicios técnicos de todo tipo, como los demás métodos, tiene mucha lectura en divisiones rítmicas mas modernas, como la sincopa, y todo tipo de rítmicas, que se usan mucho en el jazz y las músicas populares de hoy en día. Dejo al pie de este post, los links de descarga directa, para quienes deseen descargarlos, para ser usados en estudio y enseñanza de nuestra querida trompeta...


Método Gatti

Método Schlossberg

Método Harry James
https://drive.google.com/open?id=1v9jRAYpOidyONufjFhFpTrlH2PiyGOx8


jueves, 11 de octubre de 2012

Taller de improvisación y blues en Mar del Plata

A partir del mes de octubre del año 2012 comenzó a dictarse un taller de improvisación y blues abierto para músicos y estudiantes de todos los instrumentos. El mismo está dirigido para todos los ejecutantes que quieran aprender a improvisar o mejorar sus habilidades, y si bien está orientado hacia el blues, el jazz y el rock, es útil para músicos y estudiantes de cualquier estilo, ya que se tratan de manera práctica temas como acordes, escalas, tempo, swing, y fraseo, que son conceptos aplicables para cualquier género e instrumento. El taller se encuentra a cargo del profesor Sergio Giacobone, y está orientado para todos los músicos y estudiantes de música en general, y de todos los instrumentos. Los interesados pueden comunicarse al tel (0223) 486-0441 o al mail sergiac@hotmail.com
 

domingo, 13 de noviembre de 2011

Musica psicosomática

No nos equivocamos si afirmamos que la música es un medicamento. Desde la antigüedad muchas civilizaciones sabían esto. Para los pitagóricos, la música era un medicamento pues ella es la más alta expresión de la armonía. Las bases de la estética son idénticas a las del conocimiento y, en consecuencia, de la medicina. Ellas se sitúan en la comprensión de las relaciones entre las cosas y en lo que expresan estas relaciones: la proporción. Según Pitágoras, no existen más que dos modos posibles de relación: relaciones espaciales o de simultaneidad y relaciones temporales o de sucesión. La música es entonces el arte más completo y el más poderoso porque se despliega en estos dos modos:

simultaneidad = armonía.
sucesión = melodía.
combinándolos en un conjunto estructurado.

Esta noción de una música en sí terapéutica se encuentra también en la medicina china tradicional. Y es en la arquitectura de la gama pentatónica que encontramos la expresión más condensada de todas las reglas a las cuales obedece la medicina china en su dialéctica del yin y el yang: “Las cinco vísceras están ligadas a las cinco notas musicales que pueden ser discernidas y reconocidas. Desde el punto de vista dinámico: la pareja yin-yang representa la unión armónica, la acción concerniente que se espera encontrar al fondo de toda antítesis. El contraste yin-yang compone una especie de espectáculo que pareciera estar reglamentado por un orden músical” (M. Granet).
Las concepciones chinas son entonces la expresión de una teoría unitaria del organismo humano. “China ha reconocido en la música la suprema verdad a la cual no pueden más que obedecer tanto el cuerpo como el espíritu, tanto el universo como la sociedad humana”. (Jean Choain).
En Europa, no hay duda que la música fue utilizada con fines de éxtasis o de curación durante los primeros siglos de nuestra era. Pero estas músicas terapéuticas permanecieron largo tiempo como el patrimonio de tradiciones religiosas próximas al animismo y, como tales, combatidas por la Iglesia.

En la Edad Media, la medicina sufrió la potente influencia del clero. Bajo la égida de este último, aparecieron músicas curativas, como un himno a San Juan prescrito contra los resfrios. En esa época, se consideraba todavía a menudo la enfermedad como una posesión del cuerpo por el demonio, y así el médico no podía sanar sin el socorro de Dios. Su acción terapéutica se inscribía entre el saber-hacer medicinal y el rito del exorcismo. La curación, cuando sucedía, no era debida en último análisis sino a la gracia divina. La música era empleada para ayudar al exorcismo. Ella debía purificar el cuerpo del enfermo expulsando al demonio. Así la Iglesia reconocía a la música el poder, no solamente de elevar las almas, sino aun de actuar sobre las entidades del mundo invisible, como el diablo. Hay allí una dimensión de la música religiosa tradicionalmente menospreciada por los musicólogos y cuyo estudio se revelaría particularmente fecundo.

Para tomar el lugar de las teorías mágico-animistas y reconciliarse con la Antigüedad, la medicina del Renacimiento restableció con honores la patología humoral de Hipócrates; los cuatros modos musicales griegos: dórico, frigio, lídico y mixolídico, correspondían a los cuatro humores del cuerpo sobre los cuales ellos actuaban específicamente por un efecto de correspondencia. En la época barroca, el padre jesuíta Kircher postuló un mecanismo aéreo según el cual las ondas sonoras actuarían sobre el aire comprendido en el interior del cuerpo. Desde 1650, la teoría de las fibras estuvo a la moda: la música actuaría al nivel de las fibras conjuntivas de las cuales modificaría el tono. En 1748, el tratado de Roger echa un tal descrédito sobre todas las teorías precedentes que desde entonces los autores se mostraron xtremadamente prudentes. Fue necesario esperar al positivismo para ver aparecer nuevas formulaciones teóricas.

La aplicación de la medicina en las enfermedades mentales después de la Revolución Francesa abrió nuevos horizontes. Numerosos psiquiatras experimentaron con celo todas las posibilidades de curar la locura por medios no coercitivos. La música estuvo al centro del interés, siendo objeto de controversias sin fin durante decenios entre diversos autores. La ensayaron por turno, Pinel, Esquirol, Leuret, generalmente sin resultados. Moreau de Tours, muy severo a este respecto, le consagró de todas maneras varias páginas en su tratado de psiquiatría. Algunos reprocharon a la música el enervar a los pacientes y volver furiosos a los locos.
Al final del siglo XIX, comenzaron las primeras experiencias verdaderamente científicas. Los autores buscaron medir cuantitativamente los efectos fisiológicos de las ondas sonoras, como Lange en 1887 y William James en 1890.
Aparecieron numerosos estudios sobre la influencia del ritmo musical sobre el funcionamiento cardíaco, la frecuencia respiratoria y la tensión arterial (tonus de los vasos sanguíneos). Destunis y Seebandt, en 1958, estudiaron sesenta personas, constatando una reducción general de la presión sistólica ante la audición de una música calmante. Por el contrario, un trozo particularmente animado de Bartok o de Stravinski producía un alza de la presión. Los mismos autores constataron que era posible obtener una reducción del metabolismo glucídico y de la glicemia por una música calmante, mientras que el metabolismo basal y el electroencefalograma no eran modificados. Schnopfhagen observó variaciones de la tensión arterial bajando hasta menos de 15 Hg por una música calmante y subiendo a más de 23 Hg por una música excitante.

El desarrollo de la neurofisiología ha permitido arriesgar nuevas hipótesis. Según Altschuler, el estímulo sonoro llega simultáneamente al tálamo y a la corteza, entre los cuales existe un mecanismo de ida y vuelta (efecto de balanza). Este lazo directo con los centros talámicos permite comprender porqué es posible contactarse con pacientes que han roto el contacto verbal a causa de un episodio confusional, alucinatorio, depresivo o autista. Su corteza ya no reacciona a los estímulos habituales: parece estar cortocircuitada en beneficio del tálamo que pasa a ser el centro principal de percepción. Es a partir de él, que la corteza puede ser estimulada directamente, permitiendo al paciente salir de su aislamiento. El balanceo no intencional de ciertos pacientes autistas al escuchar música podría ser así la expresión de un reflejo de origen talámico al ritmo musical. En ciertas formas de desestructuración mental avanzada, se ha podido observar que el efecto de la música era mucho más pronunciado que la palabra, y más rápido.
Esto parece sugerir la existencia de estructuras neurológicas filogenéticamente muy antiguas (heredadas de la prehistoria o del mundo animal) que serían más resistentes a un desmantelamiento mental que las estructuras mentales de aparición reciente y, en consecuencia, más sensibles. El sentido del ritmo, función mucho más antigua que el lenguaje hablado, resistiría así largo tiempo al proceso desestructurante, y, aun cuando las funciones intelectuales hayan prácticamente desaparecido, todavía sería posible un intercambio con el paciente. Se encuentra esta jerarquía de funciones fisiológicas cuando se observan los efectos de la anestesia en un operado. Las funciones mentales y motrices son puestas fuera de circuito mientras que las funciones biológicas “pulsantes” (ritmo cardíaco, ritmo respiratorio) se mantienen.

El efecto benéfico de la música al nivel neuropsíquico ha sido estudiado por numerosos autores. ¿Acaso no se había observado desde hacia mucho tiempo el efecto sedativo de la música de Bach? Este músico había compuesto obras a pedido del conde de Keyserling, las “Variaciones Goldberg,” por el nombre de quien las interpreta , para aliviar sus noches de insomnio. Salk ha demostrado que en el período de gestación, la cadencia cardíaca materna se sitúa en una relación de 1/2 con la del feto y podría ejercer precozmente un efecto calmante. Al mecer al lactante, se restablece ese ritmo. Por el contrario, si se le somete a un metrónomo fijado en 120 golpes por minuto, se mostrará particularmente agitado y perturbado. Michele Clements ha constatado en una maternidad londinense que los recién nacidos aprecian particularmente la música de Mozart y de Vivaldi, como si fuera semejante a los ruidos percibidos cuando estaban en el vientre de su madre. Cuando escuchan esa música, siguen durmiendo aun cuando se estrelle un plato contra el suelo. Manifiestan placer ante las tonalidades suaves y los sonidos originales. Los sonidos producidos por ciertos instrumentos, en especial la flauta, tienen un efecto de fuerte estimulación. Last es el primero en haber estudiado los efectos de la música soporífica sobre oligofrénicos y epilépticos. Ha hecho notar que se podía reducir hasta en un 40% en ciertos casos la cantidad de medicamentos prescritos. Sin embargo, mientras más importante es la componente orgánica de los trastornos psíquicos, más reducido es el efecto sedativo.
Luban-Ploza cita el caso de una mujer que después de una larga odisea médica y de años de tratamientos ineficaces, terminó por ser hospitalizada por depresión y prurito generalizado en una clínica sueca. Se curó en el plazo de nueve días escuchando cotidianamente la música de Bach. Señalemos todavía el uso de una música apropiada en los lugares de trabajo, la que hace reducir los accidentes del trabajo y el ausentismo (H. C. Smith, 1947). El gastroenterólogo Demling utiliza la música de Mozart para tratar las afecciones gástricas. El cirujano Heinrich Klose emplea no solamente la música en las fases pre y post operatorias, sino también en operaciones con anestesia local para distraer, relajar y calmar al paciente. Dubois, en 1981, señala también la utilización de la música en relajación, en sexoterapia, después de sesiones de electroshock, en curas de sueño, después del parto y en reanimación post operatoria.

La medicina occidental no propone ninguna teoría global de la música y de sus efectos. Ella no cesa, en cambio, de utilizarla empíricamente y de acumular observaciones clínicas. Sin duda se siente trabada en sus descubrimientos por sus “a priori” científicos. Por ejemplo, atribuir a una música dada un poder fijo: sedativo en Bach, eufórico en Mozart, etc. y considerar a estos músicos al igual que los medicamentos manufacturados, es muestra de no comprender el elemento espiritual y vivo de la música. Este prejuicio empuja a los músicoterapeutas a recurrir demasiado a menudo a música grabada, eliminando con eso un elemento de importancia capital: el poder personal del músico ejecutante-terapeuta. Este poder se ejerce en forma simultánea en dos planos diferentes pero comunicados entre ellos. El terapeuta es ante todo un músico ejecutante y debe poseer suficiente poder, tanto técnico como telúrico, para poner en vibración el cuerpo del enfermo y provocar en él un cambio de estado. El músico ejecutante es también un terapeuta (o mas bien un chamán) y debe tomar en consideración, desde que aparezcan, las modificaciones del estado del enfermo tal como debe controlar sus reacciones de transferencia.

Podemos asegurar que la ciencia sabe menos hoy día - a pesar de las numerosas investigaciones y de la tecnología - que los chamanes o los curanderos africanos sobre los efectos psicosomáticos de la música y, en particular, sobre los del ritmo. La culpa no es unicamente de los investigadores sino más bien de la rigidez cultural que hace considerar la música ante todo, y a veces exclusivamente, en su dimensión estética. Una cosa es segura: en el futuro vendrán nuevas luces, no del dominio médico, sino tal vez del dominio pedagógico, más libre y más creativo. Métodos como los de Dalcroze o de Carl Orff se apoyan sobre la aptitud al juego y a la experimentación espontánea del niño. Ellos privilegian el ritmo y el trabajo del gesto, reintegrando el cuerpo de manera activa en la vivencia musical. Esta aproximación multisensorial nos hace recordar la realidad de los poderes musicales: antes de ser estética, la música es poder. La sociedad actual, que "consume" cotidianamente los ritmos más violentos o estúpidos, está en camino de descubrirlo. La música vivida a través del gesto es un medio de crecimiento del ser, de exaltación del cuerpo y del espíritu. Vivida en grupo, ella es también un catalizador de comunión. Por lo tanto, no es paradojal que muchas experiencias espirituales, para quienes vivimos en estos tiempos, tengan por marco al rock, la psicodelia o incluso el blues.

viernes, 11 de noviembre de 2011

La educación del futuro

Aquí subo un post interesante de un blog amigo, escrito por el monje zen Mariano Giacobone en el blog Espiritualidad y Ciencia

Todo conocimiento conlleva el riesgo del error y de la ilusión. La educación del futuro debe afrontar el problema desde estos dos aspectos: error e ilusión.

Es una tarea dedicada y profunda, ya que no es para nada fácil reconocer el error y la ilusión, particularmente si el cerebro ha sido condicionado para funcionar en el marco del error y la ilusión.
Podemos definir al error como un concepto equivocado o un juicio falso, mientras que la ilusión es una idea, imagen o representación no real, causada por la imaginación o por un engaño de los sentidos.

Error e ilusión parasitan la mente humana desde sus orígenes. Basta con observar la historia de la humanidad en todos sus dominios: religioso, científico, socio-cultural, etc. Como lo refiere el filósofo y sociólogo francés E. Morin: “Cuando consideramos el pasado, incluyendo el reciente, sentimos que ha sufrido la influencia de innumerables errores e ilusiones. Marx y Engels
enunciaron justamente en La Ideoloqía Alemana que los hombres siempre han elaborado falsas concepciones de ellos mismos, de lo que hacen, de lo que deben hacer, del mundo donde viven. Pero ni Marx ni Engels escaparon a estos errores”.
Un conocimiento no muestra una realidad objetiva, que como ya vimos, no existe como tal (ver entradas anteriores). Es decir que este conocimiento no es el espejo del mundo exterior o de las cosas tal cual son. Todas las percepciones son a la vez traducciones y reconstrucciones cerebrales, a partir de señales y estímulos captados y codificados por los sentidos. A continuación esta información es interpretada y a partir de este conocimiento se elabora una respuesta.

De manera que cualquiera de estos pasos en el mecanismo del conocimiento pueden inducir al error o a la ilusión: 1) en la percepción (recepción de señales: auditivas, visuales, propioceptivas,
etc.), en la traducción e interpretación de la información, y por supuesto si esto no es corregido, se generará una respuesta equivocada o inadaptada, bajo la forma de pensamiento, palabra o acción.

A pesar de nuestros controles racionales, la proyección de nuestros deseos o de nuestros miedos, las perturbaciones mentales que aportan nuestras emociones o el exceso de trabajo mental, multiplican los riesgos de error.

Es posible que eliminando la afectividad se reduzca el margen de error.
El exceso de emociones o la falta de control sobre ellas pueden nublar el entendimiento: el odio, el amor, el miedo, la tristeza, demasiado rechazo, demasiada atracción…
Pero es sabido que el desarrollo de la inteligencia esta estrechamente ligado al afecto, de hecho las principales estructuras neuronales relacionadas con el aprendizaje y la memoria se encuentran en el cerebro medio o emocional (sistema límbico). La pasión, la curiosidad, la necesidad pueden ser motores que impulsen el conocimiento. Existe el dicho: “La necesidad es la madre del ingenio”

La afectividad puede estimular el conocimiento y también puede asfixiarlo.
Existe una relación estrecha entre la inteligencia y la afectividad: la capacidad de aprendizaje puede ser afectada por una carencia emocional o por la indiferencia afectiva, pero puede aumentarse con cariño y respeto.

¿Cómo hacer para reconocer el error o la ilusión?

No es algo tan simple teniendo en cuenta que la mayoría de las personas son educadas (y entrenadas) para aceptar conceptos erróneos y creer que sus percepciones ilusorias son reales.

Es necesario que la educación aporte la capacidad para filtrar señales y “ruido” nocivo, particularmente en una sociedad cada vez más saturada de estímulos.
Se debe enseñar a mirar, a escuchar, a moverse en un determinado medio, a desarrollar una actitud crítica y libre, a conocer los recursos internos y externos de los que se disponen para resolver una determinada situación.

Con este propósito hay que introducir y desarrollar en la educación el estudio de las características cerebrales, mentales y culturales del conocimiento humano, de sus procesos y modalidades.

Fomentar la capacidad de concentración y de foco y el desarrollo de la atención sutil. Esto permite que la actividad cerebral se vuelva coherente, y será esto lo que favorecerá la apertura de la mente y la expansión de la conciencia.

En otras palabras: se debe enseñar a aprender, y no llenar el cerebro de información inútil e incoherente y mayormente tendenciosa.

Es el conocimiento previo al conocimiento. Es la información que permite descartar la basura y los virus informáticos (miedo, confusión, dependencia, letargo mental, etc) y acceder a la verdadera información.

La humanidad va en esta dirección.

Aunque todavía preparamos a los niños y jóvenes con conceptos y dogmas antiguos y obsoletos para vivir en un mundo futuro.
El resultado: mala adaptación, pérdida de interés por el conocimiento, poco desarrollo de la inteligencia, falta de capacidad para reconocer el error y la ilusión, inestabilidad emocional, etc. En consecuencia se crean personalidades dependientes y/o conflictivas.

La educación debe entonces dedicarse a la identificación de los orígenes de errores, de ilusiones y de cegueras y orientar hacia el verdadero conocimiento de si mismo.

No es necesario atiborrar de información, también hay que enseñar a parar la “máquina”. El ser humano superior incluye la meditación, la introspección y la contemplación como parte de los hábitos de su vida.

El mejor filtro para los errores de percepción y de interpretación es el silencio interior y la negación de las fabricaciones mentales.
La práctica de zazen es un tesoro transmitido desde los orígenes de la humanidad. La conciencia que se observa a si misma y trasciende los límites de su individualidad. Esta provoca un aumento de luz coherente que disipa la oscuridad de la duda y la ignorancia.

De esta manera se puede crear un “presente” siempre nuevo y fresco y cortar la secuencia de información que proyecta una y otra vez la misma realidad ilusoria.

La verdadera educación debe enseñar a cada individuo a crear en su vida condiciones de salud y felicidad, tomando en cuenta todos sus niveles existenciales, sutiles y físicos. Esto inevitablemente afecta también a su entorno, que se vuelve sano, feliz y más inteligente.

En el futuro la educación es así.