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El swing, un elemento esencial para la música y la vida.

Seguramente muchos de ustedes han oído esta palabra, especialmente en relación a la música de jazz, pero: ¿qué es el swing?.
En jazz y otros estilos musicales relacionados, el término swing es utilizado para describir la "sensación" rítmicamente expansiva o el sentido de "groove" creado por la interacción entre los intérpretes de la banda, especialmente cuando la música crea una "respuesta visceral" como el movimiento impulsivo de pies o de cabeza.
El término "swing" también se utiliza para referirse a varios conceptos diferentes del jazz como el shuffle (una secuencia desigual de notas) o el género musical del swing, un estilo que se originó en los años 1930. Como el Swing Jazz era música de baile y evolucionó en paralelo junto a estilos de baile como el Lindy Hop, el término Swing puede referirse también como la cualidad de un tipo de música que incita al baile. Aunque existe un solapamiento entre estos términos, se puede aplicar el término swing a la música de cualquier época del jazz o incluso a música que no es jazz, diciendo que "tiene swing" en el sentido de tener un poderoso groove o sensación rítmica.
Tradicionalmente entre los músicos de jazz se dice que el swing es muy difícil, o incluso imposible de definir, y que solamente es posible comprenderlo o sentirlo de modo práctico o intuitivo. Los intérpretes de jazz utilizan el término "swing" en el sentido de que una jam session (una zapada) o una actuación en directo está funcionando realmente bien,
Si un músico de jazz afirma que la actuación de una banda "está swingando", eso sugiere que los intérpretes están tocando con un especial grado de coherencia rítmica y sentimiento. Aunque la referencia al "sentido de swing" suele hacerse en el contexto de una actuación en grupo (un combo o una banda), incluso se puede aplicar la noción a un solista sin acompañamiento. Y es en relación a este elemento donde se puede encontrar gran parte de la magia de los grandes solistas, como Charlie Parker, Louis Armstrong, Jimi Hendrix, etc.
De modo similar al concepto de "swing", el término "groove", que se utiliza en el funk o el rock para describir una sonoridad o sensación de cohesión rítmica, también puede ser difícil de definir. En ocasiones ambos términos aparecen utilizados como sinónimos.
El glosario Jazz in América define al swing del siguiente modo:
"(...) cuando un intérprete individual o un conjunto toca de una forma tan rítmicamente coordinada que provoca una respuesta visceral del oyente (hasta el punto de provocar el tamorileo de los pies y el cabeceo de la cabeza). Una sensación de irresistible flotabilidad gravitatoria que desafía incluso la misma definición verbal"."2
En cuanto técnica interpretativa, el swing ha sido llamado "la palabra más debatida en el jazz". Cuando se le pidió a Cootie Williams, trompetista por años de la orquesta de Ellington que diera una definición, bromeó diciendo: "¿definirlo? ¡Antes me atrevería con la teoría de la relatividad!". Benny Goodman, el líder de banda de los años 1930 y 40 cuyo apodo era "King of Swing" ("el rey del swing" en castellano) dijo del "swing" que su elemento más importante era "(...) la libertad de un solista de alzarse y tocar una melodia del modo que él lo siente". En resúmen de todo lo dicho, y usando palabras del propio Duke Ellington, en la música, especialmente en el jazz, "nada significa si no tiene swing".

El Jazz manouche

El Jazz manouche, o como se lo llama en Estados Unidos, Gypsy jazz (o también "Gypsy Swing") es un estilo de jazz, enmarcado dentro del Swing. La expresión parece que fue acuñada por el guitarrista Django Reinhardt en los años 1930. Dado que en gran medida sus orígenes son franceses, también se emplea el término por el que es conocido en Francia, como "Jazz manouche," o alternativamente, "manouche jazz," incluso en las fuentes en lengua inglesa.

Django fue el más importante de un grupo de guitarristas gitanos de el área de París que actuaron entre las décadas de 1930 y 1950. En este grupo también se incluye a los hermanos Pierre "Baro" Ferret, Etienne "Sarane" Ferret, y Jean "Matelo" Ferret y el hermano de el propio Reinhardt Joseph "Nin-Nin" Reinhardt. Muchos de los músicos de este estilo trabajaron en París en varios musettes populares. El estilo de waltz mussete se convirtió en uno de los componentes importantes del repertorio del Gypsy jazz. Reinhardt se caracterizaba por mostrar una faceta cromática oscura combinada con la articulación swing de la época. El grupo más famoso de Reinhardt, el Quintette du Hot Club de France, también llevó a la fama al violinista Stéphane Grappelli.

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http://www.descargar-taringa.com/posts/musica/138858/La-guitare-jazz-manouche.html

Biología de la música

Si bien este es un tema sobre el que ya hemos publicado otros post anteriores, es interesante profundizar sobre este contenido, ya que las investigaciones aportan datos que confirman lo que todos los músicos y amantes de la música ya sabemos; y es el hecho que la música es una parte importante de la vida misma.
Un reciente estudio ha comprobado que el ritmo musical, las melodías y la armonía musical estimulan varias áreas particulares del cerebro, lo cual sugiere que la música puede ser utilizada para ayudar en casos de problemas del habla y en varios tipos de problemas intelectuales vinculados a la vez con el cerebro y con los sonidos. Desde hace bastante tiempo los científicos están investigando de que manera afectan la música y la armonía al desarrollo cerebral, especialmente en aquellas personas que estudian música y en las que se evidenciaron mayores interconexiones neuronales que en aquellas personas que son indiferentes a la música o que no estudian ningún instrumento musical.

“Definitivamente existe una biología de la música”, expreso recientemente el Dr. Mark Tramo de la Escuela de Medicina de la universidad de Harvard. “La música es biológicamente una parte de la vida humana tanto como lo artístico en si mismo es parte de la pasión humana.”, agrego. El Dr. Gottfreid Schlaug del Centro medico Israelí de la ciudad de Boston ha reportado que el cerebelo es mas grande de lo normal en estudiantes masculinos de música clásica que en hombres que no estudian musica.
El Dr. Schlaug ha utilizado equipos de resonancia magnética nuclear para comparar los cerebros de 32 instrumentistas clásicos diestros con los de otros 24 hombres también diestros que no tocaban ningún instrumento musical. El ha encontrado una diferencia del 5% en el volumen de sus cerebelos. “Encontrar evidencia como esta es muy importante. La estructura del cerebro parece adaptarse y predisponerse a la música. … Debe dejarse en claro que los músicos mencionados no han nacido con estas diferencias en comparación con las otras personas comparadas.”, aclaro en científico.

Una investigadora en neuropsiquiatría del Instituto de neurología McGill de Montreal, en Cañada, ha estudiado las respuestas emocionales a la música entre gente que ni estudia ni escucha habitualmente música. Los mapeos cerebrales mostraron que algunas partes definidas del cerebro responden especialmente a la música armónica pero no a los sonidos mas brutos, vinculados a los ruidos fuertes e inarmónicos. Cuando, en el estudio mencionado, se pasaba de música placentera y armoniosa a música menos placentera y mas ruidosa, las áreas mencionadas dejaban de mostrar actividad para pasar a mostrar actividad una área especifica del cerebro llamada “parahipocampal Gyrus”.

Música y literatura

La relación de literatura y música ha sido y es una de las más antiguas y fructíferas colaboraciones que se producen entre distintas manifestaciones artísticas. Inicialmente, las artes no cumplían funciones específicamente estéticas ni poseían un ámbito disciplinar propio, sino que tuvieron más bien una función pragmática, ya que eran instrumentos, herramientas. La poesía nació unida a la música y la música estaba destinada al baile, que inicialmente poseía un carácter litúrgico y sagrado. La música, la canción más bien, servía para que se grabaran en la memoria de los miembros de cada comunidad los valores morales, las pautas y normas que organizaban la vida y la convivencia de los pueblos. Canciones y rimas se emplearon primeramente para que se recordaran los comportamientos de los personajes modélicos y ejemplares que servían de modelos de identificación de los valores propios y para que se aprendieran normas de conducta que garantizaban la supervivencia personal y el funcionamiento de los diferentes grupos. Cuando el ser humano sintió la necesidad de expresarse y hacer oír sus sentimientos, utilizó movimientos del cuerpo acompañados de sonidos que progresivamente se fueron enriqueciendo con ritmo, melodía y finalmente con palabras. Haciendo un breve repaso por la historia de la literatura, sea cual sea la lengua a la que pertenezca, se aprecia que, antes de ser escrita, existe una importante tradición de literatura oral, cuentos, historias y leyendas que se han transmitido de generación en generación a través de los tiempos.

Los primeros textos escritos simulaban el ritmo y el estilo de la literatura oral y de las canciones para grupos, ante los que las historias se “cantaban”, haciendo uso de elementos característicos de este tipo de literatura como son repeticiones, aliteraciones, juegos de palabras y, por supuesto, rima. Esta literatura de tradición popular-oral es mucho más libre e individualista que la escrita, el autor-narrador puede extender o resumir el texto a su antojo, siempre que se mantenga fiel al argumento de la historia. La audiencia pública le dictará la forma en la que tiene que contar su historia, en qué lugares detenerse en las descripciones o cómo animar la acción. Cuestiones como el ritmo, la entonación e incluso el volumen y el tono de la voz son primordiales para este narrador, es importante tener en cuenta que, en cuanto a la transmisión y conservación. El ritmo y la rima son una necesidad; al carecer de libros, ya que hay que impresionar y hacer más fácil el archivo de la memoria. En estos casos, la voz es la herramienta principal, el medio con el que la palabra evoca imágenes, lugares y personajes, imaginarios o reales. En la narración oral, la palabra toma vida, transmite sentimientos o experiencias diversas, es la forma en la que una simple historia pasa a tener efecto literario, a considerarse como literatura.

Pese a esta estrecha relación inicial, música y literatura evolucionaron por caminos diferentes hasta llegar a establecerse de forma independiente y autónoma, cada una con sus propias características, géneros y autores. Por fortuna, y al igual que el cine o la televisión, la música es otra de las artes que en los últimos años ha vuelto sus ojos a la literatura para ofrecer versiones, adaptaciones incluso traducciones de textos literarios. En este caso, la labor es más difícil, pues el tiempo para tratar de reproducir el contenido o mensaje del texto literario es muy limitado mientras que en el cine se cuenta con dos o tres horas para el mismo fin. Es por esto que el cine prefiere narrar, contar historias como en las obras en prosa, la música se centra en la estética, la metáfora y la brevedad de la poesía. Existen muchísimos ejemplos de lo que la música puede hacer con un texto literario para presentarlo, actualizarlo y difundirlo a través de canciones que en numerosas ocasiones se convierten en éxito de ventas.

Importancia del estudio de la música en los niños

Tocar un instrumento musical fortalece las conexiones entre los dos hemisferios del cerebro en niños, pero sólo si éstos practican de manera persistente, señala la revista Sience.

Según un estudio hecho público en el encuentro anual de la Cognitive Neuroscience Society de Estados Unidos, dedicada al desarrollo de la investigación de la mente y el cerebro, la práctica musical reforzaría las conexiones neuronales, aumentando en un 25% el llamado cuerpo calloso, que es la parte del cerebro (formada por un conjunto de axones) que conecta los dos hemisferios cerebrales.

Aumento del cuerpo calloso en niños

Ya en 1995, el mismo autor del presente estudio, el neurólogo y neurocientífico Gottfried Schlaug descubrió que los músicos profesionales que habían empezado a tocar antes de los 7 años de edad presentaban un cuerpo calloso más grueso de lo normal.

No faltaron escépticos que, entonces, señalaron que este tamaño inusual del cuerpo calloso podría estar en el origen de la capacidad musical y no a la inversa, es decir, que los músicos podrían haber tenido desde el principio un cuerpo calloso más desarrollado.

Ahora, Schalug, que trabaja en la Harvard Medical School de Boston, y sus colegas Marie Forgeard y Ellen Winner, del Boston College, han estudiado a un total de 31 niños utilizando imágenes de resonancia magnética. Con esta tecnología, analizaron los cerebros de los niños, primero cuando éstos tenían seis años y, posteriormente, cuando tenían nueve años de edad.

Del grupo inicial, seis niños siguieron practicando con sus instrumentos durante esos años al menos dos horas y media a la semana. El cuerpo calloso de estos estudiantes de música creció entre los seis y nueve años un 25% en relación con el tamaño global del cerebro.

Mejora de la coordinación

En cambio, en el caso de los niños que también siguieron tocando, pero sólo entre una y dos horas a la semana o que, directamente, abandonaron la práctica, no se detectó este crecimiento del cuerpo calloso.

Todos los participantes en el experimento tocaban el piano o el violín, instrumentos que precisan el uso de ambas manos.

Por otro lado, en cada participante, los investigadores descubrieron que el incremento en el cuerpo calloso era directamente proporcional al rendimiento en una prueba no musical en la que los niños presionaban secuencias en un teclado de ordenador.

Es decir, que la práctica musical mejora las conexiones neuronales relacionadas con la coordinación de los movimientos de las dos manos.

Schlaug y su equipo seguirán investigando a estos mismos niños para saber si la práctica musical conllevaría otros beneficios, como la mejora de la memoria o las cualidades de razonamiento.

Cerebros cambiantes

Esta investigación no es la primera que señala el efecto del aprendizaje y la práctica musical en el cerebro infantil. En otro estudio anterior, realizado por psicólogos de la Universidad McMaster de Canadá, se compararon los efectos del aprendizaje de la música sobre la sensibilidad de los niños y sobre su capacidad de memorización.

Con un seguimiento de dos años de duración a dos grupos de niños de edades comprendidas entre los cuatro y los seis años, se pudo demostrar que los participantes de uno de estos grupos, al que se le enseñó música, habían sufrido una maduración acelerada del córtex cerebral.

Otra interesante investigación realizada hace unos años demostró por otro lado que los músicos profesionales tienen el cerebro más desarrollado en las áreas de éste relacionadas con el oído, la vista y la agilidad física.

Todo parece indicar, por tanto, que la práctica musical es beneficiosa para el cerebro, ya se trate del cuerpo calloso, del córtex o de las regiones cerebrales relacionadas con los sentidos del oído y la vista, así como con la agilidad física.

Investigaciones anteriores han podido determinar que no existe en el cerebro una región específica para la sensibilidad musical, sino que la música abarca diversas áreas cerebrales, incluso algunas que normalmente están implicadas en otro tipo de actividad. También hemos descubierto que las áreas cerebrales activas varían según la experiencia individual y el entrenamiento musical.

Se sabe asimismo que la música está estrechamente relacionada con la cultura humana desde sus orígenes y que la práctica musical ayuda a los estudiantes a desarrollar el cerebro y a mejorar sus aptitudes académicas.

El arte de transcribir

La transcripción de solos, su aprendizaje y análisis forma parte de la práctica común del estudio de la improvisación en blues, rock y jazz. Los beneficios que se extraen de ello son múltiples y de la mayor relevancia: desarrollo y entrenamiento del oído; familiaridad con la notación musical; mejora en la pulsación, fraseo y uso de dinámicas a través de la imitación del solo; interiorización de los recursos armónico/melodicos de un estilo o solista en particular; la duplicación exacta de un solo presenta un reto técnico, obligando a desarrollar nuevas herramientas de estudio.

El análisis de un solo permite desmitificar el proceso de la improvisación, mostrando de manera explícita la lógica musical sobre la cual ha sido creado, “descubriendo los secretos”. Algunas de las características más esenciales de un solo son dificiles de poner en palabras debido a la naturaleza de las mismas y por ello la explicación resulta esquiva, de ahí que la imitación y memorización de una improvisación sea el vehículo apropiado para revelarlas y explorarlas.

Una aplicación práctica de una transcripción es que ésta sirve también como punto de partida para la improvisación, donde las frases transcritas se pueden encadenar con la propia improvisación, lo cual ayuda a generar contexto y permite aprender a mantener la continuidad del discurso. En función de las necesidades y de las áreas que se quieran trabajar, se escogera un solo que tenga las características buscadas.

Otro aspecto de gran importancia es que una transcripción bien escogida de una figura relevante es una fuente constante de inspiración. La imitación de un solo clásico despierta la creatividad en uno, incentivándolo a explorar el camino propio.

Estudio de transcripciones

El primer paso consiste en la memorización, y no en la lectura, del solo que se ha escogido para trabajar. Esto permite centrar la atención en el mayor número de aspectos de la articulación sin la distración de seguir la improvisación en el papel. El solo se ha de tocar junto a la grabación original así como sin ella, haciendo uso de un metrónomo en 2 y 4, tocando encima de un backing track con la misma progresión de acordes y también sin ningún tipo de acompañamiento. Un ejercicio muy importante consiste en grabarse y comparar con la versión original.

Una práctica que ayuda enormemente a la interiorización del solo consiste en transportarlo a diferentes tonalidades, idealmente completando el ciclo de quintas. El proceso permite asimilar las diferentes combinaciones interválicas que dan forma al desarrollo melódico, descubrir nuevas digitaciones e incursionar en zonas del instrumento y tonalidades previamente desatendidas. Idealmente ello ha de hacerse sin escribir el solo en la nueva tonalidad. De igual manera, la transcripción ha de practicarse en diferentes tempos.

El estudio de un músico en particular mostrará la utilización de un vocabulario específico, el cual puede ser altamente original o formar parte de la práctica común de un género determinado, filtrado covenientemente a través de la personalidad del artista en concreto. En cualquier caso, se puede establecer una comunidad de ideas que permita elaborar nuevos modelos de improvisación, reformulaciones del solo original, combinando frases en un orden diferente que den lugar a nuevos solos, descubriendo como el vocabulario puede ser visto de una manera flexible. Este proceso permitirá identificar frases que con posterioridad podrán ser utilizadas en otras improvisaciones y contextos (II – V – I , turnarounds, vocabulario blues, etc.), las cuales habrán de ser debidamente clasificadas, practicadas y memorizadas en todos los tonos y digitaciones.

Una técnica muy útil consiste en alinear los diferentes coros de un solo verticalmente para poder analizar como diferentes conceptos son empleados en el mismo momento de la estructura. A través de este método se puede observar como están organizadas las frases, tanto desde un punto de vista rítmico (densidad, extensión) como armónico/melódico, permitiendo establecer elementos en común y diferencias con claridad.