The Beatles - White Album (parte II)

Don't pass me by

Apropiadamente, "Don't pass me by" se convirtió en la primera canción beatle completa de Ringo. Hasta entonces, su única contribución a las composiciones de Los Beatles habían sido los títulos "A Hard Day's Night", "Eight Days a Week" y "Tomorrow Never Knows", como también algunas contribuciones musicales a "Flying" y "What Goes On". Cuando se le preguntó en diciembre del '67 si tenía aspiraciones como compositor, Ringo respondió: "Trato. Tengo una guitarra y un piano y toco algunos acordes, pero son todos 'chingui-chingui'. No salió ninguna tonada genial, hasta donde yo sé". La verdad es que Ringo había estado tratando de que Los Beatles grabaran "Don't Pass Me By" durante años. En una entrevista para la radio neocelandesa durante el tour de 1964 por Australasia, se escucha a Ringo urgiendo a los demás a que cantemos la canción que escribí, por conectarnos nomás" a lo que Paul agregó: "Ringo escribió un tema titulado "Don't Pass Me By", una hermosa melodía. Es la primera vez que se aventura en esto de escribir canciones". Después de que Paul y John cantaron un verso, se le siguió preguntando a Ringo sobre el tema: "Fue escrito como country & western, pero me mató esa forma blusera de cantarla que le dan Paul y John. ¿Si Los Beatles la van a grabar? No lo sé. Es más: no lo creo. Sigo intentando presionarlos cada vez que hacemos un disco". De hecho, iba a quedar sin grabar durante otros cinco años. "Lamentablemente nunca hay tiempo suficiente para meter una canción de Ringo en un álbum", explicó Paul en 1964. "Nunca la termina".

Why don't we do it in the road

Una de las grandes fortalezas de la dupla Lennon-McCartney era que, aunque en la época del Album Blanco raramente se sentaran a crear una canción de cero juntos, se incitaban el uno al otro a extremos más elevados en lo que se perfilaba como el trabajo solista de cada uno de ellos. Siempre buscaron "pinchar" al otro particularmente componiendo en un estilo a menudo asociado con el otro. Esto explica por qué en el Album Blanco se encuentren el sensible "Julia" o el sentimental "Goodnight" de John en el estilo de Paul, como así también los temas rckanroleros más ásperos como "Helter Skelter" y "Why don't we do it in the road" hechos por Paul a la Lennon. John estaba enojado por "Why don't we do it in the road" porque Paul la había grabado con Ringo en un estudio separado en Abbey Road. Lo que probablemente irritó más a John fue el que estilo elegido de Paul (una letra subida de tono y escasos arreglos) fuera reconocido como su marca registrada. "Los Beatles siempre fueron un grupo de rock", Paul explicó en noviembre de 1968. "Simplemente es que no somos completamente rock'n'roll. Por eso hacemos Ob-la-di, Ob-la-da, y al minuto hacemos esto. Cuando tocábamos en Hamburgo no hacíamos rock'n'roll toda la noche y nada más porque también venían a vernos esos hombres de negocios gordos (y flacos también) que nos pedían que tocáramos un mambo o samba. Así que teníamos que meternos en este tipo de onda. Generalmente nunca me puse a escribir una canción pensando: 'Bueno, ahora ésta va a ser sobre algo específico'. Las palabras vienen y listo. Nunca intento tratar un tema social serio. Son nomás las palabras que van con la música. Y podés leer lo que quieras en ella."

I Will

Paul se pasó 67 tomas hasta que le saliera bien "I Will" el 16 de septiembre de 1968, con Ringo tocando los cimbales y las maracas y John golpeteando el ritmo en un trozo de madera. Fue la primera de las canciones de Paul en escribirse sobre Linda y todaviá estaba agregando y cambiando los versos mientras la estaba grabando. No sorprende que haya un sentido de anticipación en la letra, provocada sin dudas por el conocimiento de que Linda y su hija llegaban a Londres la semana siguiente. Anteriormente Paul había visto a Linda en Londres durante el período de Sgt. Pepper y en dos visitas subsiguientes a EE.UU., pero obviamente sentía que la conocía lo suficiente como para tener la confianza de ofrecerle su amor "por siempre y para siempre". George Harrison no tocó en esta canción, (durante la grabación del Album Blanco, a menudo grababan en estudios separados en simultáneo). El 'bass vocal" se presenta en durante el segundo verso de la canción en la la versión monoaural, pero se ofrece desde el principio en la versión estéreo.

Julia

Aunque muchas de las canciones de John estuvieron moldeadas por el trauma de haber perdido a su madre de adolescente, "Julia" fue la primera vez en que presentó a su madre de manera directa en un tema de los Beatles. Julia Stanley había nacido en Liverpool en 1914 y se casó con Frederick Lennon en 1938. John fue el único hijo que tuvieron juntos. Para la época en que John tenía 5 años, Julia tuvo un bebé de otro hombre, y John pasó al cuidado de la tía Mimi, hermana de Julia. Su madre era atractiva y poco convencional. John heredó de ella su sentido del humor y también su interés en la música. Ella le enseñó a tocar el banjo y fue por ella que John escuchó los primeros discos de Elvis Presley. La muerte repentina de Julia en un accidente automovilístico en 1958 ocurrió justo cuando John estaba acercándose más a ella nuevamente. Había comenzado a usar su casa en Blomfield Road para ensayar con los Quarry Men porque a la tía Mimi no le gustaban la música fuerte en su casa. Aunque "Julia" estaba dirigida a su madre, era también un mensaje en clave a su nuevo amor, Yoko Ono. La "hija del océano", que según escribió John lo está llamando, es una clara referencia a Yoko cuyo nombre en japonés significa "hija del océano". "Fue cuando estuve en India que ella me empezó a escribir", señaló John. "Me escribía cosas como 'Soy una nube. Fijate en el cielo a ver si estoy'. Me copaba tanto con sus cartas". Los primeros dos versos de la canción están sacados de "Arena y Espuma", una colección de poemas del místico libanés Kahlil Gibran, publicado por primera vez en 1927. Gibran escribió: "La mitad de lo que digo no tiene sentido, pero lo digo para que la otra mitad te llegue". El resto del tema, según John, fue finalizado con la colaboración de la propia Yoko cuando se reencontraron en Inglaterra porque, además de ser una artista y realizadora cinematográfica, era poeta especializada en verso minimalista del estilo haiku. La parte de guitarra de "Julia" fue influenciada por Donovan. "John tenía un interés particular en las partes de guitarra que yo punteaba con los dedos en mis canciones", dice Donovan. "El quería saber qué patrones usaba y le dije que le enseñaría. John era un alumno diligente y perfeccionó el complejo patrón en pocos días. Comúnmente sucede a la mayoría de los compositores, que al aprender un nuevo estilo significa que hay que componer de una forma diferente. En sus profundas sesiones de meditación, John había abierto sus sentimientos por su madre. El encontró una liberación para esos sentimientos en "Julia", la tonada que había aprendido con el nuevo estilo punteado con los dedos".

Birthday

Las canciones que los Beatles compusieron en la India tendían a ser con base de guitarra porque solamente contaban con instrumentos de cuerda cuando estaban afuera. Sin embargo, "Birthday" fue escrita en los estudios Abbey Road el 18 de septiembre de 1968 con Paul golpeando fuertemente la melodía básica en el piano. Según John, Paul había estado pensando en "Happy Happy Birthday" un hit en EE.UU. en 1957 por los Tuneweavers, pero quería producir algo que sonoara contemporáneo y rocanrolero. También faltaban 6 días para el cumpleaños número 26 de Linda Eastman y Paul sabía que ella llegaba a Londres la semana siguiente, justo a tiempo para festejar. Paul fue al estudio durante la tardecita del 18 y sacó el riff básico de los teclados. Luego, George, John y Ringo vinieron y agregaron el track de fondo. Durante la nochecita, los cuatro se tomaron un recreo y fueron a la casa de Paul a a ver la premiere para la televisión británica de "The Girl Can't Help It" (La chica no puede evitarlo), protagonizada por Jane Mansfield y con música de Fats Domino, Gene Vincent, the Treniers, los Plateros, Little Richard y Eddie Cochran. Quizás inspirados por esta dosis de rock'n'roll primitivo, los Beatles regresaron al estudio a eso de las 11 de la noche y completaron las voces. Cada uno de los Beatles tiró ideas para los versos y Yoko Ono y Pattie Harrison ayudaron con los coros de fondo. "Nos inventamos la letra en el estudio", dijo Paul. "Es uno de mis temas favoritos del álbum porque fue instantáneo. Es un buen tema para bailar." La opinión de John, 12 años después, fue esperable: "Es basura".

Yer blues

"Yer Blues" fue la canción más desesperada que John había escrito hasta el momento, representando un grito angustiado, un pedido de ayuda a Yoko. John sentía que estaba en un cruce de caminos en su vida: su carrera como beatle tocando en vivo había terminado, su representante había muerto, y ahora estaba contemplando la posibilidad de darle fin a su matrimonio. El sentía lealtad a Cynthia pero a la vez sabía que en Yoko él encontraba su contraparte artística e intelectual. Ella era, como dijo más tarde, la chica que siempre había soñado conocer; la chica que él había imaginado cuando escribió "Girl". Durante la estadía en Rishikesh, John y Cynthia habían estado separados a menudo por sus diferentes rutinas de meditación y no fue hasta el momento del vuelo de regreso a Londres desde Dehli en que él mencionó por primera vez sus indiscreciones sobre su matrimonio de 6 años. Cynthia estaba shockeada. "Nunca hubiera soñado que él me fuera infiel durante el tiempo que estuvimos casados. Nunca me había revelado nada. Sabía por supuesto que las giras en el exterior y estar rodeado de todas las tentaciones que un hombre pueda imaginar hubieran sido imposibles de resistir. Pero aún así mi mente no podía aceptar, y no aceptaba, lo inevitable. Nunca tuve nada concreto como para seguir, ningún indicio". John diría más tarde que este dilema le había hecho sentir ganas de suicidarse. En esta canción, él, bromeando, se compara con "Mr Jones", el torpe personaje central de "Ballad of a Thin Man" de Dylan. Musicalmente, "Yer Blues" era un indicador del rumbo que tomaría su carrera solista.

Mother Nature's Son

Tanto John como Paul escribieron canciones luego de asistir a una clase del Maharishi que versaba sobre la unidad del hombre y la naturaleza, pero finalmente fue "Mother Nature's Son" de Paul la que consiguió entrar en el álbum. El tema de John, "A Child of Nature" (Un Hijo de la Naturaleza), hacía observaciones similares sobre el sol, el cielo, el viento y las montañas pero, mientras Paul ficcionalizaba su respuesta escribiendo sobre un "pobre chico campesino", John escribió sobre sí mismo "camino a Rishikesh".Un demo de "A Child of Nature" fue realizada por John en mayo de 1968, pero los Beatles no lo grabaron. Sin embargo, John guardó la melodía y con una nueva letra la transformó en "Jealous Guy", lanzada en el disco "Imagine" tres años después. McCartney grabó la canción el 9 de agosto de 1968. Grabó 25 tomas cantando y tocando la guitarra acústica al mismo tiempo. La toma 24 fue percibida como la mejor. McCartney también grabó doblajes de timbales, otra guitarra y tambores al día siguiente. Los tambores suenan más como bongós y esto se consiguió poniendo la batería hasta la mitad de un pasillo alfombrado con los micrófonos en un extremo que dio resultado a un sonido entrecortado.

Everybody's got Something to Hide except me and my Monkey

Everybody's got Something to Hide except me and my Monkey (Todos tienen algo que ocultar excepto yo y mi mono) Inicialmente conocida como "Come on, Come on", la canción fue construida a partir del verso que le da título. John sostenía que era una clara referencia a su relación con Yoko. "Era simplemente un lindo verso al que convertí en canción", decía. "Todo el mundo parecía paranoico menos nosotros dos, que estábamos en el punto culminante del amor... todos estaban como tensos alrededor nuestro." No fue hasta su regreso de la India que la amistad se transformó en affair. Fue entonces que Cynthia descubrió lo que estaba sucediendo. Yoko comenzó a concurrir a las sesiones de grabación para el nuevo álbum, para gran desagrado de los demás beatles. A la prensa británica también le fue difícil aceptar a Yoko y este fastidioso John, lo cual jugaría un papel importante en su decisión de irse a EE.UU. "En Inglaterra piensan que soy alguien se ganó el pozo y se fue con una princesa japonesa", dijo una vez. "En EE.UU. la tratan con respeto. La tratan como la artista seria que es".

Sexy Sadie

"Sexy Sadie" parece tratarse sobre una mujer que incita a los hombres nomás para ridiculizarlos y hacerlos pasar por estúpidos, pero en realidad fue escrita teniendo en mente al Maharishi Mahesh Yogi, de quien John se había desilusionado. Sabiendo que nunca podría grabar una canción potencialmente difamatoria con el título "Maharishi", la intituló "Sexy Sadie", aunque en el demo él dejó correr una sarta de obscenidades dirigidas hacia su presa real. Existieron dos razones por las cuales los Beatles decidieron abandonar Rishikesh. Una fue que se les había dicho que lo único que le importaba al Maharishi era su dinero y la otra fue el rumor que circulaba de que el Maharishi había hecho avances de tipo sexual con una de las asistentes al curso. Aunque nunca hubo pruebas concretas detrás de estas acusaciones, fue suficiente para enervarlos y los tres beatles arreglaron una reunión con el gurú en la cual le informaron que se iban. Al verse presionado para explicar el motivo de su decisión, John le dijo: "Bueno, si usted es tan cósmico, debe saber por qué". Paul Horn, que recuerda verlos partir, cree que en parte fue porque esperaban demasiado del Maharishi y en parte por celos entre alguna gente que se "colgaba" de ellos en el centro de meditación. "Estos cursos en realidad estaban diseñados para gente que quería estudiar para ser maestros en meditación y que ya tenían sólidos antecedentes en meditación", sostiene Horn. "Los Beatles no tenían realmente ni los antecedentes ni la experiencia como para estar ahí y creo que esperaban milagros. George estaba obviamente muy interesado pero a Ringo no le importaba en absoluto la filosofía oriental, John estaba en su propio viaje y siempre escéptico con respecto a cualquier cosa hasta ver las pruebas concretas. Paul era calmo, despreocupado, le daba lo mismo ir para un lado o para otro. El gran tema vino porque había alguna gente que estaba ahí porque estaba más interesada en los Beatles que en aprender meditación y se 'colgaban' de ellos", continúa Horn. "Había una chica, una maestra neoyorquina a quien en realidad le interesaban los Beatles, que empezó con la historia de que el Maharishi se le estaba tirando. Les dijo esto a los Beatles y ellos se indignaron y se fueron. Básicamente, había un montón de rumores, celos y triángulos dando vueltas y ella encontró la manera de llegar a ellos diciendo estas cosas sobre el Maharishi. Al fin y al cabo, había llegado el momento de que se fueran, de todas formas. Ese fue nomás el catalizador".

Helter Skelter

El concepto de Helter Skelter salió de la elogiosa crítica del nuevo single de The Who realizada por un periódico musical. Paul todavía no había escuchado el single en cuestión, pero los comentarios del diario le dieron ganas de crear algo que pudiera provocar una descripción igualmente poderosa. El single de los Who era "I Can See for Miles" y fue lanzado en octubre de 1967. La crítica a la que se supone se refería Paul es la que escribió Chris Welch para Melody Maker: "Olvídense de `Happy Jack sentado en la arena de la Isla de Man`. Esta maratón épica de cimbales insultantes y guitarras maldicientes marca el retorno de los Who como una gran fuerza disparadora de alucinaciones*. Grabada en los Estados Unidos, esta composición de Pete Townshend está llena del misterio y la amenaza de Townshend, y expresada por el empático Sr. Roger Daltry". No obstante, es imposible saber con exactitud de que ésta fue la crítica que leyó Paul, dado que su descripción fue cambiando a través de los años. En 1968 él comentó que la crítica decía "El grupo realmente se vuelve loco con el eco y gritando y todo eso", pero 20 años más tarde su recuerdo de ella era más tranquila y describía al single de los Who como "el rock`n`roll más fuerte, más estridente, la cosa más sucia que hayan hecho". Sin embargo la apreciación de Paul sobre el efecto que la crítica tuvo sobre él no ha variado: "Pensé,`qué lástima, me hubiera gustado hacer algo así`. Entonces lo escuché y no tenía nada que ver con eso. Era lineal y sofisticada. Así que hicimos ésta. Me gusta el ruido". A pesar de haber sido descripta como que tenía "cimbales insultantes" y "guitarras maldicientes", "I Can See for Miles" tenía una melodía discernible durante todo el tema y no se la podía describir como estridente. Paul quería escribir algo que hiciera que realmente la gente sintiera una sensación alucinógena y, cuando los Beatles grabaron por primera vez Helter Skelter en julio de 1968, lo hicieron en una toma que duró casi media hora. Volvieron a trabajar en ella en septiembre, completamente "fuera de sí mismos" y produjeron una versión más corta. Al final se puede escuchar que Ringo dice "I`ve got blisters on my fingers" (Tengo ampollas en los dedos). La mayoría de los escuchas británicos sabían que un "helter skelter" es una especie de montaña rusa espiralada**, pero Charles Manson (que escuchó el Album Blanco en diciembre de 1968) pensó que los Beatles estaban advirtiendo a los EE.UU. de un conflicto racial que "se estaba viniendo rápidamente" (coming down fast). En la fantasía de Manson, los Beatles eran los cuatro ángeles mencionados en el libro de la Revelación del Nuevo Testamento, que a través de sus canciones le estaban diciendo a él y a sus seguidores que se prepararan para el holocausto venidero escapándose al desierto. Manson se refería a este levantamiento futuro como un "helter skelter", y fue la pintada de estas palabras en sangre en la escena de uno de los crímenes la que dio una pista en la investigación policial. Fue por la significación de la canción en el desenvolvimiento del caso que Vincent Bugliosi (el Abogado de Distrito de Los Angeles que intervino como fiscal en el juicio a Manson) tituló "Helter Skelter" a su best-seller en el cual relata los famosos asesinatos.

* [N.T.: En el original "...a major freak-out force". `Freak-out` es la experimentación de los efectos alucinantes producidos por drogas psicodélicas, o la experimentación de efectos similares sin necesidad de ellas sino a través de estímulos visuales y auditivos.]
** [N.T.: En el Reino Unido, la montaña rusa se conoce como "helter skelter" . En EE.UU. no están tan familiarizados con ese término, y se la llama más "roller coaster". Otra observación es que la expresión "helter skelter" también se utiliza para hablar de algo sin orden, atropellado, precipitado, probablemente sea por eso que en castellano la titularan "A troche y moche".]

Long Long Long

Más que ningún otro beatle, George se inspiraba para escribir escuchando canciones de otros. En el caso de "Long Long Long", fue del embrujante tema "Sad Eyed Lady of the Lowlands" (La dama de ojos tristes de las Tierras Bajas) de Bob Dylan (que constituía un lado entero de su disco "Blonde on Blonde", de 1966) de donde se inspiró para lograr sus acordes. George estaba fascinado por el movimiento de D a E menor a A y de vuelta a D, y quería escribir algo que sonara similar. Garabateó la letra en las páginas de una agendita en blanco de 1968, del tipo que muestran de a una semana por vez, y la llamó "Ha pasado mucho, mucho, mucho tiempo", que fue el título con el que se la trabajó en estudio."Long Long Long" suena como una canción de amor lisa y llana escrita por alguien que ha perdido y recuperado el objeto de su afecto pero, según George, el "vos" en cuestión aquí es Dios. Esto no causa demasiada sorpresa ya que él fue el primer beatle en mostrar interés en las religiones orientales y el único que continuó con ellas aún después de que los demás se desencantaran del Maharishi luego de su visita a la India. George alteró, no obstante, sus lealtades, distanciándose del Maharishi y la meditación trascendental e identificándose públicamente con la Sociedad Internacional por la Conciencia Krishna, produciendo más adelante el mantra de los Hare Krishna como un hit single. El crítico Richie Unterberger escribió que "Long, Long, Long" es una de las canciones más infravaloradas de la larga discografía de los Beatles[1]. Es una canción relativamente tranquila y calmada, especialmente si se la compara con su antecesora en el disco, la ruidosa Helter Skelter. "Long Long Long" es una canción de amor, aunque como el compositor y escritor Nicholas Schaffner dice:, "Es la primera de docenas de canciones de amor de Harrison tan ambiguas que podría estar cantándole tanto a su mujer como a su dios" Según la autobiografía de Harrison, "I Me Mine", el sonido vibrante que se escucha al final de la canción fue consecuencia de una botella de vino que estaba apoyada en un amplificador. Cuando Paul McCartney, que estaba tocando el Órgano Hammond, tocaba cierta nota, la botella empezaba a vibrar.


Revolution I

El llamado "Verano del Amor" (Summer of Love") fue seguido por la "Primavera de la Revolución". En marzo de 1968, miles marcharon frente a la embajada estadounidense en Grosvenor Square (Londres), un rally que terminó en violencia entre la policía y los manifestantes. En mayo, los estudiantes franceses se sublevaron en París y la ciudad fue vallada. A diferencia de Mick Jagger, que hizo una aparición en Grosvenor Square, John fue testigo de estos hechos desde la comodidad de su casa en
Weybridge, manteniéndose en contacto a través de las noticias y la prensa underground. Comenzó a trabajar en "Revolution" mientras estaba en la India y la completó en su casa mientras Cynthia estaba en Grecia. Se la mostró a Paul como un single potencial pero Paul dijo que la canción no era lo suficientemente comercial. Como sucedió con "Back in the USSR", el título era decepcionante. No era la canción de un revolucionario sino más bien la de alguien que se encuentra bajo la presión de los revolucionarios para declarar su lealtad. John (fácil, el más políticamente consciente de los Beatles y con el look más izquierdista) se había convertido en blanco de varios grupos leninistas, trotskistas y maoistas, que sentían que John podría prestar ayuda tanto moral como financiera a sus causas. "Revolution" fue la respuesta de John a esas facciones, informándoles que, si bien él compartía su deseo de un cambio social, creía que la única revolución valedera surgiría de un cambio interno más que de la violencia revolucionaria. Sin embargo, él no estaba absolutamente convencido de su posición, resguardando sus apuestas en la versión lenta del tema que aparece en el álbum. Luego de hablar de la destrucción que podría conllevar la revolución, cambió la frase "count me out" (no me cuenten) por "count me in" (cuéntenme). En la versión rápida, lanzada como lado B de "Hey Jude", omitió la palabra "in", quedando solamente "no me cuenten". La omisión provocó polémica en la prensa underground. La revista estadounidense "Rampart" lo llamó "traición" y el "New Left Review", "un lamentable gritito de miedo burgués". La revista "Time", en cambio, le dedicó un artículo entero a la canción que, según ella, "criticaba a los activistas radicales del mundo entero". La naturaleza del dilema de John se revela en un intercambio epistolar publicado en la revista de la Keele University. En una carta abierta, el estudiante John Hoyland opinó de "Revolution": "Ese disco no es más revolucionario de Mrs Dale`s Diary [un radioteatro de la BBC]. Para cambiar el mundo, tenemos que entender qué es lo que anda mal en él y después destruirlo. Sin compasión. No es crueldad o locura. Es una de las formas más apasionadas de amor. Porque lo que estamos combatiendo es el sufrimiento, la opresión, la humillación... la inmensa carga de infelicidad causada por el capitalismo. Y cualquier `amor` que no sienta nada en contra de esas cosas es irrelevante y trucho. La revolución cortés no existe". En su respuesta, John escribió: "No recuerdo haber dicho que "Revolution" fuera revolucionaria. A la mierda con Mrs Dale. Escuchá las tres versiones de Revolution: la 1, la 2 y la 9 y después volvé a intentar, querido John [Hoyland]. Vos decís `Para cambiar el mundo, tenemos que entender qué es lo que anda mal en él y después destruirlo. Sin compasión". Estás obviamente en un camino de destrucción, y te voy a decir por qué es malo: por la gente. ¿Así que la querés destruir? ¿Sin compasión? Hasta que vos/nosotros/cambies/cambiemos tu/nuestras cabeza/s, no hay chance. ¿Quién arruinó el comunismo, el cristianismo, el capitalismo, el budismo, etc.? Las cabezas enfermas, nada más. ¿Vos creés que todos los enemigos llevan prendedores que dicen "capitalista" para que vos les puedas disparar? Es un poco naive, John. Pareciera que pensás que se trata simplemente de una guerra de clases". Entrevistado más adelante por periodistas de la revista, John (Lennon) declaró: "Todo lo que yo digo es que creo que habría que hacerlo cambiando la cabeza de la gente, y ellos dicen que deberíamos aplastar el sistema. Ahora: la escena del sistema aplastado estuvo siempre ahí, ¿y qué hizo? Los irlandeses lo hicieron, los rusos lo hicieron y los franceses lo hicieron y ¿a dónde los llevó? A ninguna parte. ¿Quién va a liderar este aniquilamiento? ¿Quién es el próximo? Los aniquiladores más grandes. Los que lleguen que primero y, como en Rusia, serán los que tomen el mando. No sé cuál es la respuesta pero creo que está en la gente". Esta era una posición que John iba a sostener. En 1980, dijo "Revolution" todavía se mantenía como una expresión de su opinión política: "No me cuenten si es para la violencia. No me esperen en las barricadas a menos que sea con flores".

Revolution 9

"Revolution 9" no era ni una canción Lennon-McCartney ni una grabación de los Beatles sino una amalgama de sonidos grabados de 8 minutos y 15 segundos mezclados por John y Yoko juntos. "Revolution" [1] originalmente duraba más de diez minutos, y más de la mitad de ese tiempo consistía en John y Yoko gritando entre quejas y lamentos sobre un espectro de sonidos discordantes creados para simular el retumbar de una revolución. Subsecuentemente, decidieron cortar esa parte caótica y usarla como base de otro tema, que se convirtió en "Revolution 9". A esta altura, habían traido grabaciones caseras de disturbios multitudinarios y los sumaron a otros efectos de sonido que encontraron en la biblioteca de EMI. Debido a la falta de técnicas de grabación multipistas, se adueñaron de los tres estudios de Abbey Road, conectando especialmente los equipos y manteniendo los "rulos" de las cintas grabadas en su lugar usando lápices. John operaba los faders (desaparición gradual del sonido) para crear una mezcla "en vivo". Con tantos sonidos superponiéndose, es casi imposible identificar todos los ruidos individuales y los comentarios hablados. Mark Lewisohn, que estudió la grabación original de cuatro pistas, las dividió en: un coro; violines de fondo; una sinfonía de fondo; un sobredoblaje orquestal de "A Day in the Life"; vidrios golpeados violentamente; aplausos; ópera; un melotrón de fondo; tarareos; frases dichas por John y George, y una cinta de cassette de Yoko y John gritando la palabra "right!" (correcto, sí) de "Revolution". La cinta más memorable (que suministró parte del título) es la de la sonora voz entonando "Number Nine, Number Nine, Number Nine". Aparentemente se la descubrió en una biblioteca de cintas, que debe haber formado parte de una pregunta de examen formulada a los estudiantes de la Royal Academy of Music, grabada. Una vez más, Charles Manson pensó que John le estaba hablando a él personalmente a través del bullicio, tomando el número 9 como referencia al capítulo 9 del libro de la Revelación con su visión del apocalipsis venidero. Manson pensó que John estaba gritando "rise" (levántense) más que "right", y lo interpretó como una incitación a la comunidad negra a levantarse o rebelarse contra la clase media blanca. "Rise" se convirtió una de las frases clave de Manson y se encontró pintada en sangre en uno de los escenarios del crimen. Paul estaba en EE.UU. cuando "Revolution 9" fue ensamblado y lo decepcionó su inclusión en el Album Blanco, particularmente porque él había estado haciendo collages de sonidos en casa desde 1966 y se dio cuenta de que ahora se vería a John como el innovador.

Honey pie

"Honey Pie" era un homenaje a Jim McCartney de su hijo Paul. "Mi papá siempre tocaba canciones viejas y melosas como ésta, y me gustaban. Yo hubiera sido mejor compositor en los años 20 porque me gusta esa cosa de la galera y la levita". La situación social de la zona donde se formaron los Beatles no era muy buena, sobre todo durante su niñez ya que Inglaterra salía de una depresión de guerra que no permitía que los habitantes de Liverpool accedieran fácilmente a un nivel de vida de clase media, las distracciones que se podían permitir según sus ingresos eran pocas y más que nada se orientaban hacia la música interpretada en reuniones familiares, las canciones que se cantaban solían ser viejas canciones de la primera guerra mundial o de los años 20. Paul adquirió entonces un gusto por las melodias de este tipo, al punto que no perdía oportunidad para recordarlas o para componerlas, la nostalgia que llenaba las reuniones familiares de aquel entonces tenía que mostrarse en esta canción con todo el estilo de una música que en verdad llegó para quedarse. De la misma forma en que pensó que "Helter Skelter" había sido escrita para él personalmente, Charles Manson encontró más instrucciones en "Honey Pie". Después de todo, se dirigía a una persona de los EE.UU. y la invitaba a desplegar "la magia de su canción hollywoodense"... Manson vivía cerca de Los Angeles, ¿acaso podía ser más claro?. The Beatles comenzaron a grabar "Honey Pie" el 1 de octubre de 1968, en los Trident Studios en Wardour Street de Londres. Sólo una toma fue grabada en el primer día, aunque es probable que un número mayor de intentos de ensayos habían sido grabados. Al día siguiente, McCartney grabó su voz, y una parte de la guitarra fue añadida. Según George Harrison, John Lennon tocaba el solo de guitarra, y el tocó el bajo de seis cuerdas en esta canción. (NT: Esta canción fué grabada e interpretada por el grupo argentino de jazz "Porteña Jazz Band")

Savoy truffle

Para esta época (la época del álbum blanco), George frecuentaba mucho a Eric Clapton, y "Savoy Truffle" era una canción humorística sobre la locura que tenía Clapton por los chocolates. Este hábito contribuyó a que se le arruinara la dentadura, y George siempre le advertía que un chocolate relleno más que se comiera y le iban a tener que sacar todos los dientes. La letra de la canción está llena de los exóticos nombres que en ese entonces tenía cada uno de los chocolates que venían en "Good News", las cajas de surtidos de Mackintosh como por ejemplo 'Cream Tangerine', 'Montelimart', 'Ginger Sling' y 'Coffee Dessert'. 'Savoy Truffle' era otro nombre auténtico, mientras 'Cherry Cream' y 'Coconut Fudge' fueron inventados para que cupieran en el tema.Derek Taylor ayudó en la media octava sugiriendo el título de una película que había visto hacía poco llamada "You are what you eat" (Sos lo que comés), realizada por dos amigos estadounidenses, Alan Pariser y Barry Feinstein. Como no entraba justa la frase, George la cambió a "you know that what you eat you are" (Sabés que lo que comés es lo que sos). The Beatles grabaron la primera toma el 3 de octubre de 1968 y la mezcla final estuvo finalizada el 14 de octubre. Se utilizaron seis saxofonistas (dos barítonos y cuatro tenores) que al igual que George Martin, se disgustaron cuando Harrison decidió distorsionar su sonido. Uno de los saxofonistas fue un músico británico de jazz, Harry Klein. La canción está en lado cuatro, pista tres del Disco de vinilo, mientras que en el formato de CD, se encuentra en el disco dos, pista diez.

Cry, baby, cry

En 1968, mientras Hunter Davies estaba finalizando su biografía de los Beatles, John le dijo: "Tengo otra (canción) aquí, de unas pocas palabras, creo que las saqué de un aviso: 'Cry, baby, cry - make your mother buy' (llorá, nene, llorá - hacé que tu mamá compre). La estuve tocando en el piano. Ahora la dejé ir. Ya volverá si realmente la quiero". Los versos volvieron a él mientras estaba en la India, en donde, recuerda Donovan, John trabajó en el tema: "Creo que el imaginario eventual fue sugerido por mis propias canciones de cuentos de hadas. Nos habíamos acercado mucho en esto de intercambiar ondas musicales". En parte basada en la canción de cuna "Sing a Song of Sixpence" (Cantá una canción de seis peniques), el tema incluye la creación de personajes como la Duquesa de Kirkaldy y el Rey de Marigold. Kirkaldy queda en Fife, Escocia, y los Beatles habían tocado allí en el Carlton Theatre el 5 de octubre de 1963., justo al inicio de la Beatlemanía. Es la última canción del disco con presencia instrumental del grupo. Gran parte de la canción trata sobre un viejo cuento que Lennon recordaba de su juventud (aunque Donovan pretenda sacar chapa con una supuesta ayuda literaria (?) a Lennon). El track incluye también una corta canción no reconocida interpretada por Paul McCartney, cuya frase más importante es "Can You Take Me Back", que aparece justo antes que "Revolution 9". Esta parte de la canción no aparece en las letras impresas para el álbum.


Good night (Buenas noches)

'Good night' es sin lugar a dudas la canción más sentimental que John haya escrito. Si hubiera sido de Paul, seguramente él mismo la hubiera descartado por considerarla "basura" pero su comentario final era sólo que el tema posiblemente fuera "sobreprofuso". Según John, él escribió este tema para Julián como canción para antes de irse a dormir, así como doce años más tarde escribiría "Beautiful Boy" para su segundo hijo Sean. Julian no tenía idea de que John hubiera escrito esta canción para él hasta 1994. Esto puede deberse a que sus padres se separaron a las pocas semanas de haber sido compuesta. El arreglo de George Martin es excesivamente exuberante, y de manera intencional. Se dice que Lennon quería que la canción sonara "realmente cursi". Los músicos tocarón los siguientes instrumentos: doce violines, tres violas, tres violonchelos, un arpa, tres flautas, un clarinete, un cuerno, un vibráfono y un contrabajo. Los cantantes "Sammes Mike" también participaron en la grabación. La canción ha sido interpretada por varios artistas, incluyendo Carpenters, Ramsey Lewis, Kenny Loggins, Cyril Stapleton, Manhattan Transfer, The Monkees y el baterista Micky Dolenz. Barbra Streisand la grabó en 1969 para su álbum What About Today?. También fue elegida para tocarla por la banda británica Coldplay, después de que la banda había abandonado el escenario en los conciertos de 2005-2006 en el Twisted Logic Tour.

The Beatles - White Album (parte I)

The Beatles, o el Album Blanco como se lo conoce comúnmente, sorprendió a la gente por ser desparejo y simple. Pareciera que el grupo hubiera decidido producir el opuesto exacto de Sgt. Pepper. ¿Un título largo para el disco? Llamémoslo The Beatles. ¿Tapa multicolor? Usemos blanco puro. ¿Mezclas y doblajes piolas? Utilicemos guitarras acústicas en muchos de los temas. ¿Letras profundas? cantemos sobre cowboys, cerditos, chocolates y hacerlo en la ruta. El ingrediente más significativo de este álbum fue la influencia del gurú indio, el Maharishi Mahesh Yogi. Pattie Harrison había concurrido a una charla del Maharishi en febrero de 1967, y fue ella quien alentó a George y los otros beatles a asistir a otras charlas similares en el en el Hilton Hotel de Park Lane, Londres en agosto del '67. Como resultado de esta reunión, todos comenzaron un curso de diez días de Meditación Trascendental en el University College de Bangor, en Gales. Fue mientras estaban en este curso, el domingo 27 de agosto de 1967, que se enteraron de que Brian Epstein había sido hallado muerto en su departamento del barrio londinense de Belgravia*, novedades que precipitaron su regreso a Londres. La pérdida de Epstein, que había manejado su carrera desde comienzos del '62 y se había convertido en algo así como una figura paterna para ellos, puede haber hecho que los Beatles estuvieran aún más abiertos a la guía del Maharishi, a quien visitaron en la India en febrero de 1968. [N.T.: el mismo barrio en donde está la Embajada Argentina] El viaje a la India no sólo trajo un período de calma a sus ajetreadas vidas (ya que por primera vez en mucho tiempo tenían la oportunidad de parar y reflexionar) sino que los acercó como amigos de años que ahora sí podían ponerse a jorobar con sus guitarras acústicas. Paul Horn, un flautista estadounidense que estaba ahí al mismo tiempo que ellos, cree que la meditación fue un gran estímulo para los Beatles: "Se puede conocer más de uno mismo a niveles más profundos cuando se medita. Fíjense cuán prolíficos fueron en relativamente poco tiempo. Estaban en los Himalayas lejos de las presiones y del teléfono. Cuando uno se involucra mucho con la vida, se suprime la creatividad. Cuando se está dispuesto a estar tranquilo, comienza a venir". Cuando volvieron de la India, dijeron que habían vuelto con 30 canciones que usarían en el siguiente álbum. Hubo efectivamente 30 temas en The Beatles pero no todas ellas fueron escritas en la India, y algunas de las canciones escritas en la India (como "Sour Milk Sea" y "Circles", de George) jamás fueron grabadas por los Beatles. Probablemente es exacto decir que aproximadamente la mitad del álbum fue escrito o comenzado mientras estaban afuera. Esto significó que, justamente por no tener acceso a guitarras eléctricas o teclados, muchos de estos temas tuvieran una base acústica. John se referiría más tarde al Album Blanco como el primer álbum no-autoconsciente luego del gran período autoconsciente que había comenzado con Rubber Soul y había llegado hasta Magical Mystery Tour y Yellow Submarine. The Beatles fue lanzado como un álbum doble en noviembre de 1968 y llegó al N° 1 en ambos lados del Atlántico.

Back in the USSR

Una amistosa rivalidad existía entre los Beatles y los Beach Boys, y entre 1965 y 1968 cada nuevo esfuerzo de cualquiera de las dos bandas pinchaba a la otra para volar aún más alto. Cuando Brian Wilson escuchó Rubber Soul, dijo haber escuchado un álbum que le voló la cabeza por su variedad y consistencia. "Me pegó tanto que decidí intentar hacer lo mismo : hacer un álbum entero que fuera una maza". Su respuesta fue Pet Sounds, el "logro de coronación" de los Beach Boys, que contenía temas tales como "Sloop John B", "Caroline No", "Wouldn`t it be nice" y "God Only Knows". Cuando Paul escuchó Pet Sounds, estuvo igualmente impresionado y continuó mejorando en su mente la idea de Sgt. Pepper. Aunque se admiraban mutuamente, los dos grupos tenían poco contacto social. Carl Wilson y Mike Love habían visto a los Beatles tocando en vivo en Portland. Oregon, el 22 de agosto del `65, y pasaron por los camarines después del show. En abril del `67 Paul pasó por los estudios de Los Angeles donde Wilson estaba trabajando en el tema "Vegetables". El contacto más prolongado lo tuvieron en febrero del `68 cuando los cuatro Beatles y sus parejas viajaron a Rishikesh, India, a estudiar Meditación Trascendental con el Maharishi Mahesh Yogi. En el curso había otros músicos profesionales: el cantante escocés Donovan, el flautista estadounidense Paul Horn, y el Beach Boy Mike Love. Los músicos pasaron mucho tiempo juntos hablando, zapando y componiendo. Uno de los temas que salió de estos encuentros fue "Back in the USSR", escrito por Paul como un pasticho entre los Beach Boys y Chuck Berry. La génesis de la canción fue un comentario que Love hizo a Paul una mañana en el desayuno en Rishikesh. "¿No sería divertido hacer una versión soviética de "Back in the USA"?", sugirió Love, refiriéndose al single patriotero de Berry (de 1959) en el cual el cantante expresaba cuán poderosamente feliz estaba de volver a casa en su civilizado Estados Unidos con sus cafés, drive-ins, rascacielos, hamburguesas y fonolas. Los Beach Boys habían ya recurrido a esta canción anteriormente y también a "Sweet Sixteen" de Berry para sus temas "California Girls" y "Surfin` USA", en las cuales habían elogiado las virtudes de las mujeres locales y sus playas de surf. Paul actuó sobre la sugerencia de Love y salió con una parodia que hizo por la URSS lo que Berry había hecho por los EE.UU., y por las mujeres soviéticas lo que Love había hecho por las californianas. Después de una década de canciones que habían hecho poesía de nombres de lugares como Memphis, Chicago y New Orleans, era muy loco escuchar "Moscú" mencionada en un rock`n`roll. "Me gustó la idea de las chicas de Georgia y hablar de lugares como Ucrania como si fuera California", dijo Paul. Como tributo a Love, la grabación de los Beatles imitaba el sonido vocal de los Beach Boys. Back in the USSR fue considerado shockeante por los americanos conservadores, porque parecía estar celebrando al enemigo en el medio de la Guerra Fría en el momento en que EE.UU. estaba en guerra con el Viet Cong (que estaba respaldado por Rusia). Ahora que habían admitido que andaban en drogas, estos chicos peludos ahora también simpatizaban con el comunismo? El militante anti-rock americano David A. Noebel, autor de "Comunismo, Hipnotismo y los Beatles", aunque no podía mostrar su carnet como miembro de su partido, estaba seguro de que ellos estaban llevando adelante la causa del socialismo revolucionario. "John Lennon y los Beatles fueron parte integral del ambiente revolucionario y recibían el reconocimiento de la prensa comunista", escribió, "especialmente por el Album Blanco que contenía "Back in the USSR" y "Piggies". Una línea de "Back in the USSR" dejó sin habla a los anticomunistas: "You don`t know how lucky you are, boy. Back in the USSR" ("No sabés lo afortunado que sos, che. De vuelta en la URSS") De haber ahondado en su investigación, Noebel hubiera descubierto que la opinión oficial soviética era que los Beatles eran la evidencia de la decadencia capitalista. Tal como los nazis se habían agarrado de la música jazz y la pintura abstracta como ejemplos de degeneración que debía ser contrarrestado con arte oficialmente sancionado, por lo cual los comunistas denostaban al demoníaco rock`n`roll y alentaban el amor por la música folklórica que exhaltaba las virtudes del Estado. Los jóvenes en la Unión Soviética estaban copados con la música de los Beatles al igual que sus contrapartes occidentales, pero tenían que conformarse con versiones piratas, discos importados contrabandeados y emisiones radiales de EE.UU. y Gran Bretaña. En 1988, con la Guerra Fría a punto de ser relegada a la historia, Paul rindió homenaje a sus fans soviéticos al grabar un álbum de rock`n`roll en el sello grabador oficial del gobierno soviético, Melodía. "Back in the USSR" es una canción como para darnos la mano a través del agua", dijo Paul. "A ellos les gustamos allá. Aunque a los jefes del Kremlin no les gustemos, a los chicos sí".

Dear Prudence

Dear Prudence (Querida Prudence) Prudence era Prudence Farrow (la hermana más chica de la actriz estadounidense Mia Farrow) que asistió al mismo curso con los Beatles en India. La canción era un ruego para que saliera de sus excesivamente largos períodos de meditación y relax con el resto del grupo. Al final del demo de "Dear Prudence" John continúa tocando la guitarra y dice: "No-one was to know that sooner or later she was to go completely berserk, under the care of Maharishi Mahesh Yogi. All the people around were very worried about the girl because she was going insane. So, we sang to her" ("Nadie se imaginaba que tarde o temprano ella se iba a poner completamente frenética, bajo el cuidado del Maharishi Mahesh Yogi. Todos los que estábamos a su alrededor estábamos preocupados por ella porque se estaba volviendo loca. Así que nosotros le cantamos".) Más tarde John explicaría que Prudence se había "chiflado" un poco, encerrándose en su habitación a meditar durante tres semanas, "tratando de alcanzar a Dios antes que los demás". Paul Horn, el flautista americano, recuerda los hechos más o menos de la misma forma. El cuenta que Prudence era una persona muy sensible y que, por saltar directamente a la meditación profunda, contra los consejos del Maharishi, ella había caído en un estado catatónico. "Estaba blanca, pálida y no reconocía a nadie", comenta. "Ni siquiera reconocía a su propio hermano, que estaba en el curso con ella. La única persona por la cual mostraba un mínimo reconocimiento era el Maharishi. Todos estábamos muy preocupados y el Maharishi le asignó una enfermera para acompañarla full-time". Prudence, cuyo cuarto estaba en el mismo edificio en donde estaban los Beatles y sus parejas, negó que se volviera loca pero admitió que fue más fanática de la meditación que los Beatles. "Yo había estado practicando meditación desde 1966 y tratado de anotarme en el curso en 1967, así que para mí era como un sueño hecho realidad", explica. "Estar en ese curso era para mí más importante que ninguna otra cosa en el mundo. Me había enfocado en el hecho de hacer tanta meditación como fuera posible, de forma de poder ganar la experiencia suficiente como para poder autoenseñarme. Sé que me debo haber varado porque siempre corría a mi cuarto después de las comidas y las clases para seguir meditando. Todo era tan fascinante para mí. John, George y Paul querían sentarse y zapar y pasarla bien, pero yo me iba volando a mi habitación. Ellos se lo tomaban en serio pero no con el fanatismo que yo tenía. La canción que John escribió simplemente decía: 'Salí a jugar con nosotros. Salí y divertite'". Eventualmente lo hizo y llegó a conocer bien a los Beatles. El Maharishi la puso en un grupo de discusión después de la clase con John y George -quien, pensó, sería beneficioso para ella. "Hablábamos de las cosas por las que estábamos pasando. Nos cuestionábamos la realidad, preguntándonos quiénes éramos y qué estaba sucediendo. Me gustaban, y creo que a ellos les caía bien yo también". Aunque la canción fue escrita en India, y Prudence escuchó algunas zapadas entre los Beatles, Mike Love y Donovan, John nunca le tocó la canción a ella. "George fue el que me contó del tema. Al final del curso, justo cuando se estaban yendo, mencionó que habían escrito una canción sobre mí pero no la escuché hasta que salió en el disco. Me sentía halagada. Fue una cosa hermosa de hacer". Prudence ahora está casada y vive en Florida donde enseña meditación. En octubre de 1983, Siouxie and the Banshees llegaron al Top 10 en el Reino Unido con su versión de "Dear Prudence".

Glass onion

En una época de rápidos cambios sociales, se consideraba a los Beatles como profetas y cada canción se la diseccionaba buscando símbolos y alusiones que pudieran contener un mensaje. ¿Quién era el Hombre-Huevo en "I am the walrus"? El té mencionado en "Lovely Rita", ¿era en realidad marihuana? ¿Henry the Horse era lunfardo por "heroína"? Quizás los Beatles dejaban la puerta abierta a la malinterpretación al mezclar el lenguaje de la poesía con el nonsense (sin-sentido). A John, en particular, le divertía oscurecer sus puntos de vista bajo capas de imaginería. Sin embargo, por 1968, John estaba tratando de escribir más directamente y la mayor parte del trabajo que trajo de la India era más simple y menos autoconsciente. Cuando un alumno de su vieja escuela le escribió para preguntarle los motivos detrás de sus composiciones, John contestó que el trabajo se hacía por diversión y para reirse. "Primero lo hago para mí. Lo que la gente haga de él después es válido, pero no necesariamente se tiene que corresponder con mis pensamientos, OK? Esto va para las 'creaciones' de cualquiera: arte, poesía, canciones, etc. Igual, el misterio y la mierda que se construye alrededor de todas las formas de arte necesita que se haga pedazos". "Glass Onion" fue una respuesta juguetona de John a aquéllos que escudriñaban su trabajo buscando significados escondidos. Comenzó a armar la canción utilizando líneas al azar, descolgadas, e imágenes de algunas de las canciones beatles más enigmáticas: "Strawberry Fields Forever", "There's a Place", "Within You Without You", "I am the Walrus", "Lady Madonna", "The Fool on the Hill" y "Fixing a Hole". En "Glass Onion" él clama, en broma, que la Morsa (de "I am the Walrus" - Yo soy la Morsa) era en realidad Paul. (En algunas culturas primitivas la morsa es un símbolo de muerte y esta nueva información fue más tarde usada como confirmación por aquéllos que creían que Paul había muerto en un accidente automovilístico en 1966 y reemplazado por un doble.) Finalmente, se le ocurrieron cuatro llamativas imágenes para que sus fans "literales" escrutaran y descifraran: "tulipanes doblados hacia atrás", "cebolla de vidrio", "costa de hierro fundido" y "una junta de cola de paloma". Los tulipanes doblados hacia atrás, explica el ex -vocero de prensa Derek Taylor, se refiere a un arreglo floral que había en Parkes, un restaurant londinense de moda en los sesenta. "Podías estar en Parkes sentado a tu mesa preguntándote qué pasaba con las flores y entonces te dabas cuenta de que eran en realidad tulipanes con sus pétalos doblados hacia atrás, de manera tal que podías ver el lado de adentro de los pétalos y también el tallo. Eso es lo que quiso decir John con "ver cómo vive la otra mitad". El quería decir cómo la otra mitad de la flor vive pero también, y porque era un restaurant caro, cómo la otra mitad de la sociedad vive". Había explicaciones simples para las otras referencias: La Costa de Hierro Fundido (Cast-Iron Shore) era la mismísima playa de Liverpool (también conocida como "the Cassie"); la Junta de Cola de Paloma se refería a una junta de madera que usaba almillas en forma de cuña (algo muy propio de la carpintería); y Cebolla de Vidrio era el nombre que John quería utilizar para The Iveys, la banda que firmó contrato con Apple en julio de 1968. A los Iveys no les gustó el nombre Glass Onion y decidieron llamarse "Badfinger" basándose en "Badfinger Boogie", que era el título original de "With a little help from my friends".

Ob-la-di, Ob-la-da

Paul escuchó las palabras "Ob-la-di, Ob-la-da" por primera vez pronunciadas por el intérprete nigeriano de conga Jimmy Scott, a quien conoció en el club "Bag o'Nails" en el Soho londinense. Un personaje llamativo e inolvidable con sus anteojos oscuros, Scott era renombrado por sus latiguillos: "El utilizaba esas frases cada día de su vida", comentó Doug Trendle (alias Buster Blookvessel) quien más tarde trabajó con él y su banda Bad Manners. "El andaba por ahí usándolas. Era de la tribu yoruba y si encontraras a alguien de esa tribu te van a decir que Ob-la-di, Ob-la-da significa 'La vida sigue'". Jimmy Anonmuogharan Scott Emuakpor nació en Sapele, Nigeria, y llegó a Inglaterra en los años '50, momento en el que encontró trabajo en los clubes de jazz del Soho. Tocó con Georgie Fame y los Blue Flames en los '60, hizo de soporte de Stevie Wonder en tu tour británico de 1965 y luego formó su propia banda, la Ob-la-di, Ob-la-da Band. El hecho de que Paul usara su frasecita como base para la canción se convirtió en un tema de controversia. "Se enojó cuando hice una canción de ella porque él quería su parte" dijo Paul a Playboy en 1984. "Le dije, 'Vamos, Jimmy. Es una expresión nomás. Si hubieras escrito la canción, podrías haber tenido tu parte'". Se ha considerado a Ob-la-di, Ob-la-da como la primera expresión del reggae blanco; aunque la frase era yoruba, la canción que Paul creó alrededor de ella y los personajes que inventó eran de Jamaica. Cuando grabó las voces, Paul cometió un error y cantó que Desmond (en lugar de Molly) "se quedó en casa a arreglar su linda cara". A los otros Beatles les gustó el desliz y la dejaron así. A Paul le encantaba la canción y quería que fuera un single. John siempre la odió. Jimmy Scott tocó las congas en la sesión del 5 de julio de 1968 - la única vez que trabajó con los Beatles. Más adelante ese mismo año, él apareció en el álbum Beggars Banquet de los Rolling Stones y en 1969 en el concierto gratuito de los Stones en el Hyde Park. Por esta época fue arrestado y llevado a la cárcel de Brixton para esperar juicio por no pagar la cuota de manutención alimentaria de su ex esposa. El pidió a la policía que contactaran a la oficina de los Beatles para ver si Paul podía hacerse cargo de su enorme cuenta pendiente, lo que Paul hizo con la condición de que Scott dejara sin efecto sus reclamos con respecto a la canción. Scott dejó Inglaterra en 1969 y no regresó hasta 1973 cuando se sumergió en el proyecto Pyramid Arts en East London, dando talleres de música y percusión africanas. En 1983 se unió a Bad Manners y estuvo con ellos hasta su muerte en 1976. "Habíamos hecho recién un tour por EE.UU. y contrajo neumonía", recuerda Doug Trendle. "Cuando volvió a Inglaterra lo revisaron en Migraciones desnudándolo porque era nigeriano. Lo dejaron desnudo dos horas. Al día siguiente lo llevaron al hospital y murió. Nadie está del todo seguro de cuántos años tenía porque él había mentido la edad cuando obtuvo su primer pasaporte británico. Debería de tener 64." En julio de 1986 se organizó un recital en el Town and Country Club de Londres con Bad Manners, Hi Life International, the Panic Brothers, Lee Perry and the Upsetters y otros con el fin de recaudar fondos para el Fondo de Benevolencia Jimmy Scott. Jimmy dejó a su viudad Lurcrezia y aproximadamente 12 hijos de dos matrimonios. "Jimmy era esencialmente un hombre rítmico, encantador, irresistible con el don de la labia", escribió Lurcrezia Scott en el programa del festival. "Si la vida a veces era aburrida, no debería haber sido, porque sus anécdotas de gente, lugares, incidentes eran un arroyo interminable de burbujas de alegría". Paul, que se mantuvo en contacto con Jimmy, también contribuyó con una cita: "Era un gran amigo mío. En los '60 solíamos encontrarnos en un montón de clubes y nos pasábamos muchísimas horas felices charlando hasta la hora de cierre. El tenía una disposición especial hacia la vida y era un placer trabajar con él". Se grabaron dos covers británicas de Ob-la-di, Ob-la-da, y la del grupo escocés Marmalade alcanzó el Número 1.

Wild honey pie

"Wild Honey Pie" emergió de un canturreo espontáneo en Rishikesh. "Era sólo un fragmento de un instrumental del que no estábamos muy seguros, pero a Pattie Harrison le gustó mucho así que decidimos dejarlo en el disco." Coincidentemente, Mike Love había recientemente co-escrito un tema para los Beach Boys titulado "Wild Honey".

The continuing story of Bungalow Bill

Bungalow Bill, según la canción "salió a la caza del tigre con su elefante y su rifle. En caso de accidentes siempre llevaba a su mamá". Escrita por John durante su estadía en la India, cuenta la historia verídica de Richard Cooke III, un joven graduado universitario estadounidense, que visitó a su madre Nancy mientras ella estaba haciendo el curso en Rishikesh. John describía a Bungalow Bill como el "cabeza de bala típicamente-americano hijo de madre sajona" y Cooke está de acuerdo en que era una descripción aguda de él cuando conoció por primera vez a los Beatles. Cooke medía más de 1,82 y estaba, en esa ocasión, vestido de blanco y llevaba un corte cepillo. "Los otros beatles me trataban muy bien, pero John siempre se mantenía apartado. Ellos resumían la contracultura y yo era el clásico buen-chico-americano y atleta universitario. No teníamos mucho en común para conectarnos". La cacería del tigre en sí se llevó a cabo en un lugar a aproximadamente 3 hors de Rishikesh, a donde Cooke fue con su madre viajando en elefante y luego escondiéndose en un árbol en una plataforma de madera conocida como una marchand. "Rik se sentó y yo me quedé parada atrás de él", recuerda Nancy. "No pasó mucho hasta que vi este flash negro y amarillo. Se me escapó un alarido y Rik giró y le disparó justo a la oreja". "Yo estaba bastante emocionado de que le había dado a un tigre", recuerda Cooke. "Pero el texano que organizó la cacería vino y me dijo 'Vos le disparaste, pero no digas ni una palabra. Para el resto del mundo vos no le disparaste a este tigre.' El quería ser el que volviera a casa con la piel y las garras como trofeo suyo". Fue cuando llegó al ashram cuando Cooke empezó a sentir remordimiento preguntándose si haber matado a ese animal le traería un "mal karma". El y su madre tuvieron una reunión con el Maharishi a la que también concurrieron John y Paul. "Fue una suerte que resultaran estar sentados ahí cuando tuvimos esta conversación con el Maharishi", dijo Cooke. "Mi madre es una persona que se va de boca y estaba hablando muy eufóricamente sobre matar a este tigre y el Maharishi estaba horrorizado, estupefacto de que sus seguidores pudieron ir y hacer algo así. Fue el único momento en que lo vi casi enojado"."Rik le dijo que él se sentía mal por lo que había pasado y dijo que no pensaba que fuera a matar a otro animal", recuerda Nancy. "El Maharishi preguntó: 'Rik, ¿tuviste el deseo y ahora no lo tenés más?' Entonces John preguntó: '¿No llamarías a eso ser un tanto destructor de vida?' Yo le dije, 'Bueno, John, era o el tigre o nosotros. El tigre estaba por saltar justo hacia donde nosotros estábamos.' Eso se escucha en la canción cuando dice 'Si las miradas mataran, hubiéramos sido nosotros en lugar de él'" A John se le ocurrió el nombre de Bungalow Bill para Cooke por la obra Buffalo Bill, el seudónimo del showman americano William Frederick Cody (1846-1917), que era un héroe de los escolares en los comics de postguerra. Eligió "Bungalow" porque toda la hotelería en Rishikesh consistía justamente en bungalows. Cooke no supo nada de "Bungalow Bill" hasta que empezó a recibir postales diciendo "Hey, Bungalow Bill, a quién mataste?" de amigos que lo reconocían en la canción. Ahora divide su tiempo entre Hawaii y Oregon y trabaja como fotógrafo para la revista National Geographic. Su madre Nancy vive en Beverly Hills, California.

While my guitar gently weeps

George estaba leyendo el I Ching, el libro chino de los cambios, y decidió aplicar sus principios de cambio a sus composiciones. En la casa de sus padres en Lancashire, tomó una novela de un estante con el propósito de escribir una canción con las primeras palabras con las que se topara. Las palabras eran "gently weeps" (llora, se lamenta suave, mansamente), y así George empezó a escribir. Comenzó la grabación en julio de 1968 pero sintió que los otros beatles no estaban mostrando suficiente interés en la canción, así que trajo a su amigo Eric Clapton para tocar la primera guitarra mientras él tocaba la rítmica. . La banda la grabó en varias ocasiones, primero enversión acústica y luego una con sonidos más eléctricos, que incluía un solo de guitarra de Harrison, pero no parecía funcionar. Fue entonces cuando George invitó a Eric Clapton para que tocara la guitarra en la canción. Aunque en un inicio dudó ("Nadie toca con The Beatles"), Harrison logró convencerlo. Algunos se han preguntado si el famoso solo de guitarra es realmente interpretado por Clapton, ya que asemeja bastante el estilo que Harrison adoptaría posteriormente. George sólo ha dicho: "Eric lo grabó, y a mí me pareció que estaba realmente bien. Entonces lo escuchamos de nuevo y él dijo: 'Creo que hay un problema: no es lo suficientemente Beatle '. Así que la pusimos en el ADT [automatic double-track] para bambolearlo un poco".

Happiness is a warm gun

La idea para esta canción se le ocurrió a John después de que descubrió una revista sobre armas que pertenecía a George Martin y había sido dejada dando vueltas por el estudio. En la tapa aparecía el titular: "La felicidad es un revólver caliente en tu mano". Era una frase demasiado buena para dejarla pasar y comenzó a jugar con ella. "Pensé, ¡qué cosa fantástica para decir!" señaló más tarde John. "Un revólver caliente significa que acabás de dispararle a algo". John hacía poco había comenzado a convivir con Yoko Ono, la artista japonesa que había conocido en una muestra de arte en el '66. El mismo admitió que en esa época se sentía "muy orientado sexualmente", así que la idea de la canción sobre el revólver caliente comenzó a tener connotaciones sexuales, y dio origen a frases sobre los dedos con picazón sobre el gatillo y la carga descargada. Esta canción parece no referirse a nadie, pero en realidad es una canción sobre Yoko. Ella era la chica que él tenía en sus brazos, la chica que era tan piola que nunca se dejaba trampear y a la cual él llamaba siempre Madre - en este caso, Madre Superiora. Pero pegadas a las líneas originales había imágenes al azar sacadas de una noche de viaje de ácido con Derek Taylor, Neil Aspinall y Pete Shotton en la casa que Taylor le alquilaba a Peter Asher en Newdigate cerca de Dorking en Surrey. "John dijo que había escrito la mitad de la canción y quería que le tiráramos frases mientras Neil las escribía," dice Taylor. "Primero, quería saber cómo describir a una chica que era realmente piola y yo recordé una frase de mi padre que era "She's not a girl who misses much" (ella no es una chica a la que se le escape mucho). Suena como un elogio timorato pero en el Merseyside era lo mejor que podías escuchar. Después conté una anécdota sobre un tipo que mi esposa Joan y yo conocimos en el hotel Carrick Bay en la Isla de Man. Era tarde, una noche, y estábamos tomando algo en un bar y viene este tipo, un lugareño al que le gustaba conocer a los turistas y mezclarse entre ellos y de pronto nos dice: 'Me gusta ponerme guantes de piel de topo, sabés? Me da como una sensación inusual cuando estoy con mi novia' Entonces dijo 'No quiero entrar en detalles', así que no lo hicimos. Pero eso proveyó la línea: "ella está familiarizada con el toque de la mano de terciopelo' Y después estaba 'como una lagartija en el paño (vidrio) de la ventana'. Para mí, eso era el símbolo de un movimiento muy rápido. A menudo cuando estábamos viviendo en Los Angeles, vos mirabas para arriba y veías pequeñas lagartijitas escalando el vidrio", continúa Taylor. "El hombre en la multitud con espejos multicolores en sus botas con tachas" fue algo que había visot en el diario sobre un hincha del Manchester United que había sido arrestado por la policía por tener espejos en las punteras de sus zapatos para poder verle la pollera a las chicas desde abajo. Pensamos que era una manera demasiado complicada y tortuosa de obtener un poco de emoción barata y así se llegó a convertir en "espejos multicolores" y "botas con tachas" para que diera el ritmo. Un poco de licencia poética", agrega Taylor. "La parte de 'mintiendo con sus ojos mientras sus manos están ocupadas haciendo horas extras' salió de otra cosa que había leído que contaba que un hombre tenía puesto un abrigo con manos ortopédicas a las cuales dejaba arriba del mostrador de los negocios, mientras bajo el abrigo estaba ocupado robando cosas con sus manos verdaderas y poniéndoselas en una bolsa alrededor de la cintura'". No sé de dónde viene la "impresión de jabón de su esposa" pero lo de comer algo y después donarlo al National Trust vino de una conversación que habíamos tenido sobre los horrores de caminar en los espacios públicos en Merseyside, en donde siempre te encontrabas con la evidencia de gente que había defecado atrás de los arbustos y en viejos refugios aéreos. Así que tu donación al National Trust (una organización británica que tiene la responsabilidad de mantener la gran belleza del campo*) de lo que habías comido iba a ser conocido como la 'defecación en tierras comunes propiedad del National Trust'. Cuando John juntó todo eso, creó una serie de capas de imágenes. Era como un completo lío de colores" concluye Taylor. Los Beatles habían recién empezado a grabar este tema en el día en que Linda Eastman llegó a Londres para comenzar su vida con Paul. *En realidad, el National Trust primariamente se ocupa de la manutención de los monumentos históricos. Inclusive, hace dos o tres años la casa de Paul en Liverpool fue comprada y restaurada por el National Trust.

Martha

Martha puede haber sido el nombre de la perra pastor inglés (de dos años de edad) de Paul, pero esta canción definitivamente no es un racconto de amor canino. 'Martha My Dear' es un ruego a una chica que siempre había sido la musa del cantante: él le pide que lo recuerde porque todavía cree que fueron pensados/hechos el uno para el otro. En enero de 1968, Paul y Jane Asher anunciaron que se casarían durante ese año pero Paul empezó a salir con otras chicas mientras Jane estaba lejos trabajando como actriz, así que en julio ella rompió el compromiso. "Todavía nos vemos y nos amamos, pero no resultó", Jane dijo en ese momento. "Quizás seremos como esos noviecitos de adolescencia y nos reencontremos y nos casemos cuando tengamos 70". 'Martha My Dear' se grabó en octubre de 1968, para la época en que Linda Eastman se había convertido en la novia de Paul. Jane inició una relación con el dibujante de dibujos animados Gerald Scarfe a comienzos de los '70, y se casaron en 1981.

I'm so tired

Durante la estadía de los Beatles en Rishikesh, había dos clases de 90 minutos por día y la mayor parte del tiempo restante se dejaba para la meditación. La idea era que los alumnos fueran manejando sus períodos de meditación de a poco a medida que sus técnicas iban mejorando. Una persona del curso dijo haber realizado una sesión de meditación de 42 horas. Para John esta vida de tranquilidad y absorción interior significaba no poder dormir de noche y consecuentemente se sentía cansado durante el día. 'I'm so tired', escrita luego de 3 semanas en India, se trataba además de las cosas que había empezado a extrañar. En la Academia de Meditación no se permitían ni el alcohol ni las drogas y la mente de John se volcaba hacia sus amados cigarrillos y la posibilidad de un trago. A veces un amigo suyo podía ingresarle algo de vino de contrabando. Más que nada lo que extrañaba John era a Yoko Ono. La pareja todavía no había comenzado un affair porque John no estaba seguro de cómo terminar su matrimonio. Se le había cruzado por la cabeza brevemente invitarla a la India pero se dio cuenta de que las complicaciones que podría traer tenerlas a Cynthia y a Yoko bajo el mismo techo eran demasiado grandes.

Blackbird

Hay dos historias en conflicto alrededor de la creación de Blackbird. Según la primera, simplemente Paul se levantó temprano una mañana en Rishikesh y escuchó cantar a un mirlo, tomó su guitarra para transcribir la canción del pájaro y terminó con un tema para el álbum. La otra,más comprometida, sugiere que él se inspiró en las noticias que daban cuenta de tensión racial en EE.UU. y, al ver un mirlo con sus alas rotas esforzándose por volar, pensó en la metáfora de las minorías raciales oprimidas comenzando a doblar sus músculos. El problema con la segunda historia es que la muerte de Martin Luther King (que provocó desmanes en abril de 1968) no tuvo lugar hasta después de que Paul hubiera regresado de EE.UU., con la canción ya en su bolsillo. Una noche en el verano de 1968, Paul dio una serenata para las fans que se reunían en la puerta de su casa tocando una versión de "Blackbird" con su guitarra acústica. Margo Bird, una ex "Apple Scruff" (el término utilizado por las fans que solían congregarse en la puerta de las oficinas de Apple en Savile Row) recuerda:"Creo que él estaba con una chica en su casa, Francie Schwartz, y era obvio que ella no se estaba por ir. El tenía una sala de música arriba en su casa y abrió la ventana, se sentó en el borde y tocó el tema para nosotras. Fue temprano a la mañana". Paul siempre nombra a "Blackbird" como prueba de que sus mejores canciones surgieron espontáneamente, cuando la letra y la música le vinieron sin esfuerzo conciente de su parte.

Piggies

George se refirió a "Piggies" como un "comentario social" aunque la canción hizo poco más que reirse de las clases medias llamándolos "cerdos", un término burlón usado en los sesenta, generalmente reservado a la policía. La canción se volvió tristemente célebre en 1971 cuando se reveló que Charles Manson, el autonombrado líder del Clan Manson, había interpretado la letra como una advertencia al establishment blanco de que tenían que estar listos para una sublevación. En la disturbada mente de Manson fue particularmente significativa la sugerencia de que los cerditos estaban necesitando "una buena paliza". De acuerdo con los testigos, esta era una de las líneas preferidas de Manson, que solía citar frecuentemente durante su encarcelación por los asesinatos que muchos vieron como el oscuro capítulo final de la era hippie. La clave que eventualmente conectó los ocho asesinatos (cinco en la residencia de la estrella de cine Sharon Tate, dos en la de Leno Labianca y una en lo de Gary Hinman) fue la pintada de las palabras "pig", "pigs" o "piggies" con la sangre de las víctimas. Los Labianca fueron incluso apuñalados con tenedores y cuchillos, aparentemente porque estos utensilios se mencionan en el último verso del tema. George se horrorizó ante la maníaca interpretación de Manson de lo que según él era una canción bastante inocua. Señaló que lo de la "buena paliza" ("damn good whacking") se lo había sugerido su madre cuando él estaba buscando algo que rimara con "backing" y "lacking". "No tenía nada que ver con policías americanos ni repulsivos peludos californianos", dijo George.

Rocky Raccoon

Rocky Raccoon" era un western musical, escrito por Paul durante su estadía en la India. Situada en las montañas de Dakota, cuenta la historia del joven Rocky cuya chica, Nancy Magill, se va con Dan. Rocky persigue a Dan e intenta dispararle pero recibe una soberana paliza. Luego, un doctor que apesta a gin lo atiende en el cuarto de su hotel. "Estábamos sentados en el techo en lo del Maharishi diviertiéndonos cuando escribí este tema", recuerda Paul. "Comencé tirando acordes, y originalmente el título era 'Rocky Sassoon'. Luego John y Donovan empezaron a inventar la letra, que salió muy rápido, y eventualmente se convirtió en 'Rocky Raccon' porque sonaba más onda cowboy". La "Apple Scruff" Margo Bird escuchó que el personaje del doctor fue tomado de la vida real. "Paul tenía una motito de la que se cayó allá por mayo del '66. Estaba un poco abombado, se cortó el labio y se partió el diente. El médico que vino a verlo apestaba a gin, y dado que estaba en esas condiciones no hizo un muy buen trabajo cuando le dio los puntos. Es por eso que Paul tuvo ese horrible bultito en el labio durante un tiempo".

The Beatles - Magical mystery tour / Yellow submarine

Con Sgt. Pepper atrás, los Beatles inmediatamente se dedicaron a grabar bandas de sonido para dos proyectos cinematográficos bien diferentes: Yellow Submarine y Magical Mistery Tour. Yellow Submarine, un proyecto de largometraje de dibujos animados, no fue iniciado por el grupo pero eso no significó que les despertara un gran interés en cómo se iba desarrollando. A los Beatles les agradó verse convertidos en personajes de dibujitos animados y se pusieron a pensar guiones a la vez que compusieron cuatro canciones originales para el film. Al guión lo escribió un equipo de libretistas, uno de los cuales era ni más ni menos que Erich Segal, autor del best-seller Love Story. Una fantasía psicodélica, la trama de Yellow Submarine se desarrolla en un alegre reino llamado Pepperland que es tomado por los villanos Blue Meanies. Los Fab Four van a rescatarlo desde Liverpool en un submarino amarillo, y finalmente reducen a los Blue Meanies gracias al poder combinado del Amor y la Música. Magical Mistery Tour fue un film para televisión de 50-minutos, pionero en su tipo. Comenzó como un proyecto de Paul pero pronto todos los Beatles se prendieron con la idea y se involucraron totalmente con cada aspecto de su producción. Financiaron, dirigieron, realizaron el casting y los libretos para la película, además de aparecer en ella como actores. Incluido el single "All you need is love"/"Baby you're a rich man", los temas de este período son la colección más loca y psicodélica que los Beatles hayan aunado, aunque no hayan sido publicadas todas juntas en un disco. Magical Mistery Tour fue lanzado en Gran Bretaña como un doble EP (Extended Play, disco de 2 temas por cada lado) en diciembre de 1967 y como disco simple en EE.UU. en noviembre de ese año. La banda sonora de Yellow Submarine, que incluida un lado orquestral a cargo de George Martin, no se lanzó hasta enero de 1968, muy poquito después que The Beatles (Album Blanco). Si los Beatles hubieran deseado sacar un disco al toque luego de Sgt. Pepper en el llamado Summer of Love (Verano del Amor), este ecléctico ramillete de canciones hubiera constituido una apropiada fanfarria final para 1967 -antes de las más sobrias reflexiones del año siguiente. 1968 marcó un nuevo período en el estilo compositivo de los Beatles, cuando una limpieza, pulido y vuelta a los orígenes estaba a la orden del día. Magical Mistery Tour, que se vio por primera vez en la TV británica el 26 de diciembre de 1967 fue un fracaso según la crítica, y por lo tanto recibió una exposición limitada en los EE.UU. La música tuvo más éxito: el EP británico alcanzó el N° 2 en los charts de discos simples y el disco llegó al N° 1 en EE.UU. La película Yellow Submarine fue estrenada en julio de 1968 y fue un éxito comercial en los EE.UU. aunque nunca se le dio completa importancia en el Reino Unido. El álbum, que incluia otros artistas invitados, alcanzó el N° 3 en Gran Bretaña y el N° 2 en Estados Unidos.

All you need is love (Todo lo que necesitás es amor)

A principios de 1967 los Beatles fueron contactados por la BBC para invitarlos a tomar parte en lo que sería la primera transmisión global de televisión: un programa de 125 minutos de duración que se vería en 26 países con contribuciones de canales de Europa, Norteamérica, América Central, Africa septentrional, Japón y Australia. Esta conexión televisiva internacional para "Our World" fue un pionero de eventos tales como el "Live Aid" de 1985, en donde el poder de la música estaba directamente enlazada con lo último en tecnología satelital. Para marcar la ocasión, se les pidió a los Beatles que compusieran una canción simple que fuera comprendida por los televidentes de todas las nacionalidades. Comenzaron a componer a fines de mayo, con John y Paul trabajando en trabajos separados, hasta que el "All you need is love" de John emergió como la opción obvia. La canción no sólo tenía una letra sencilla y una melodía sin complicaciones sino que capturaba perfectamente las aspiraciones de la juventud internacional en el verano de 1967. En esta época la guerra de Vietnam alcanzaba su punto más álgido y la "generación del amor" manifestaba su oposición mediante protestas pacíficas. "Fue una canción que transmitía inspiración y ellos realmente querían darle un mensaje al mundo", dijo Brian Epstein. "Lo lindo es que no puede ser malinterpretada. Es un mensaje muy claro que dice que el amor lo es todo". En su llamado al amor internacional, "All you need is love" extendió el mensaje que John había tratado de llevar a través de "The Word" en 1965 a una audiencia mundial. Él estaba fascinado por el poder de los slogans para unir a la gente y estaba decidido a escribir algo por su cuenta, algo sin tiempo, eterno, como "We shall overcome" ("Lo superaremos"), una canción gremial popularizada en los sesenta por el cantante folk Pete Seeger*. John una vez dijo "Me gustan los slogans. Me copan las propagandas, me encanta la tele". Cuando le preguntaron en 1971 si los temas del tipo "Give Peace a Chance" y "Power to the People" eran propagandísticos, contestó: "Seguro. Igual que 'All you need is love'. Soy un artista revolucionario. Mi arte está dedicado al cambio". Lo que los televidentes vieron en "Our World" el 25 de junio de 1967 fue en realidad una recreación de una sesión de grabación de los Beatles: las pistas rítmicas habían sido grabadas el 14 de junio y la parte en vivo fue agregada y mezclada instantáneamente para la transmisión. Se creó un clima de fiesta en el Estudio Uno de los Estudios Abbey Road y para ello se invitó a celebridades de la talla de Mick Jagger, Marianne Faithful, Eric Clapton y Keith Moon, que estaban sentados alrededor de ellos sosteniendo globos, agitar pancartas y unirse a los Beatles en los estribillos. George Martin ayudó a acentuar el mensaje de unidad internacional abriendo el tema con los primeros compases de "La Marsellesa", el himno nacional francés, y cerrándolo con salpicaduras de "In The Mood" de Glenn Miller (de la época dorada del swing), Bach y 'Greensleeves'. El simple fue editado el 7 de julio y se tornó la música de fondo, "La" canción del "verano del amor", un canto a la paz, la hermandad, el amor y el entendimiento. "Nos dijeron que seríamos vistos mientras grabábamos el tema por el mundo entero, así que teníamos un mensaje para el mundo: Amor. Necesitamos más amor en el mundo", sintetizó Paul.
[* Pete Seeger ha tocado con el músico argentino León Gieco.]

Baby, you're a rich man (Nene, sos un hombre rico)

Como sucedió con "A Day in the Life", dos canciones inconclusas fueron "cosidas" juntas para crear "Baby you're a rich man", que abre con una sección de John, originalmente titulada "One of the Beautiful People" y luego se desliza hasta el estribillo de Paul sobre el hombre rico. "The beautiful people" era un término empleado para denominar a una generación de hippies que, con su pelo largo, su doparse y su amor libre, creaban una alternativa a la sociedad "normal". Utilizaban la palabra "beautiful" (hermoso) libremente en sus conversaciones para describir cualquier cosa que ellos aprobaran. "En el fondo de mi mente, en algún lugar... hay algo que me dice que todo es hermoso" declaró Paul en un rapto volado durante una entrevista para "International Times" en enero de 1967. "En vez de pensar cosas como un contreras diciendo 'No, no me gusta ese programa de televisión' o 'No, no me gusta el teatro', sé que en realidad es todo genial y que absolutamente todo es bárbaro y no puede haber nada malo si yo lo puedo pensar como fantástico". En 1967, se consideraba a San Francisco como la ciudad de la 'beautiful people' o 'gente linda' porque era ahí donde la prensa le prestó atención al movimiento hippy y donde se llevarona cabo los primeros "happenings" psicodélicos y "reuniones tribales" masivas al aire libre. Aunque los Beatles habían tocado en San Francisco en 1964, 1965 y 1966, ellos nunca recorrieron ni exploraron esa ciudad hasta el año 1967. Paul fue el primero en visitarla el 4 de abril, cuando se apareció en un ensayo de los Jefferson Airplane y participó de una zapada con ellos tocando la guitarra. El siguiente fue George el 7 de agosto, cuando descendió en Haight Ashbury, el barrio de San Francisco que vio nacer los periódicos under, los pósters psicodélicos, las comunidades, clínicas libres y legiones de gente exótica y extravagante por las calles. "Sos nuestro líder, George", le gritó un hippy cuando comenzó a dar un paseo desde la esquina de Haight y Masonic con Pattie, Neil Aspinall y Derek Taylor a su lado. "Vos sabés a dónde está!" George fue tomado desprevenido por la adoración de los que le enchufaban flores y poemas y pósters y drogas. "Son ustedes los que deberían estar guiándose a ustedes mismos", les espetó a estos espontáneos seguidores. "No tendrían que estar pensando en seguir líderes, ni a mí ni a ningún otro." Cuando llegó a un parque, George se sentó en el pasto, escuchó cantar a otra gente y se puso a cantar "Baby you're a rich man". El hombre rico de la parte que compuso Paul es ni más ni menos que el manager Brian Epstein, y en una versión demo del tema se puede escuchar a John que lo bardea cantando "Baby you're a rich fag Jew" (nene, sos un rico marica judío). "El punto era", dijo John, "dejá de quejarte... Sos rico y todos nosotros somos ricos".

Hello, Goodbye (Hola, adiós)

Alistair Taylor, que trabajó para Brian Epstein, recuerdo haberle preguntado a Paul una vez cómo escribió sus temas, y que Paul lo llevó a su comedor para darle una demostración de cómo lo hacía en un harmonio tallado a mano. Le dijo a Taylor que le dijera exactamente lo contrario de lo que él cantaba mientras iba tocando las teclas del harmonio. Y así fue: blanco y negro, sí y no, pará y seguí, hola y adiós. "No recuerdo ni ahí la melodía", comentó más tarde Taylor. "Pensá que las melodías alrededor de los Beatles son tan comunes como los bichos en verano. Algunos llegan a ser mariposas brillantes y otros se consumen y mueren. Me pregunto si Paul realmente inventó esa canción a medida que la íbamos improvisando o si ya estaba correteando por su cabeza de antes. Como sea, al poco tiempo se apareció en la oficina con una cinta de demo de su último single: 'Hello, Goodbye'". La última parte del disco, en donde los Beatles repiten el verso "Hela, hey, aloha" salió espontáneamente en el estudio (como es sabido, "aloha" es una forma afectuosa de saludo en Hawaii). Si "Hello, Goodbye" no era más que un juego de palabras volcado a música, en el clima místico de 1967 se esperaba que Paul le diera una interpretación más profunda. En una entrevista de Disc, galantemente trató de aventurar una explicación: "la respuesta a todo es sencilla. Es una canción acerca del todo y la nada. Si tenés el negro, tenés que tener el blanco. Eso es lo sorprendente de la vida". "Hello, Goodbye" fue lanzada como simple en noviembre de 1967 y llegó al tope de los charts tanto en Gran Bretaña como en EE.UU. El corito final de "Aloha" fue utilizado en la película "Magical Mistery Tour".

Only a Northern Song (Sólo una canción norteña / Sólo una canción de Northern Songs)

Originalmente grabada en febrero de 1967 como la contribución de George a Sgt. Pepper, "Only a Northern Song" recién vio la luz en Yellow Submarine. La canción era una observación irónica y socarrona sobre los arreglos comerciales de los Beatles. Sus canciones siempre habían sido publicadas por Northern Songs Ltd., el 30% de cuyas acciones pertenecían a John y Paul, con una participación de Ringo y George de tan sólo el 1,6% cada uno. Esto significaba que John y Paul, además de ser los compositores principales de la banda, se beneficiaban doblemente como accionistas mayoritarios en la compañía editora. En lo que a Northern Songs respecta, George era meramente un compositor contratado. En "Only a Northern Song" George se quejaba de que no importaba realmente qué escribiera él porque la parva de dinero que entrara iba a ir a parar a los bolsillos de otra gente. Subyacente a esto estaba su sensación, que sólo expresó una vez que el grupo se separó, de que sus canciones no eran juzgadas por su mérito sino que en efecto se le ofrecía simplemente un lugarcito en la vidriera para su trabajo. "Al principio era bárbaro [tener una canción en cada álbum], era como, Guau! Yo también soy parte de esto!", comentó George. "Pero después de un tiempo comencé a sentirme resentido, especialmente cuando tenía buenos temas para ofrecer. A veces tenía temas que eran mejores que algunos de los de ellos, y teníamos que grabar por ahi ocho temas de ellos hasta que se pusieran a escuchar uno mío". No sorprende que George, que en 1964 declaró "Lo único que quiero es seguridad. Plata para no hacer nada con ella, plata para tener en caso de que tenga ganas de hacer algo", al fin se convirtiera en el beatle menos interesado en la resurrección de los Beatles.

All together now (Ahora todos juntos)

"All together now" fue escrita en el estudio en mayo de 1967 con Paul como mayor contribuyente. Se buscaba que fuera un "singalong" (canción tipo 'de fogón') como "Yellow Submarine" y John estaba enloquecido de alegría al saber tiempo después que las hinchadas de fútbol en Inglaterra la usaban para vitorear a sus equipos. Este tema fue el acercamiento máximo que los Beatles tuvieron a la composición de una canción infantil, probablemente como un eco de alguna cancioncilla recordada de su infancia, de esas que se cantan al saltar la soga o uno de esos juegos de niños. La folklorista Iona Opie, editora de The Oxford Dictionary of Nursery Rhymes (el Diccionario de Canciones Infantiles de Oxford) cree que, como los versos suenan tan familiares, deben venir de algún lugar de la memoria colectiva: "No puedo distinguir ninguna influencia particular en 'All together now'. Hay tantas rimas con el abecedario y los números como 'One two three four, Mary at the cottage door" que se le acercan bastante. La canción parece surgir de un subconsciente universal". Paul Horn recuerda que se estaba cantando la canción en algún momento durante su estadía en la India, pero en lugar de cantar "H, I, J, I love you", decían "H, I, J, Jai Guru Dev" en honor al maestro espiritual del Maharishi.

It's all too much (Es todo demasiado)

George era el beatle que más a menudo hablaba en términos espirituales al referirse a su experiencia con el LSD. "It's all too much", grabado en mayo de 1967, fue escrito según George "de una manera pueril a partir de revelaciones que aparecieron durante y luego de algunas experiencias con LSD y que fueron luego confirmadas por la meditación". A través de imágenes de soles plateados y tiempo que corre como un arroyo, la canción intentaba articular la ilusión sobrecogedora de alguien cuya identidad estaba siendo tragada por una fuerza benigna. Tres meses luego de esta grabación, George conoció al Maharishi Mahesh Yogi y comenzó a ver sus viajes con LSD como un cartel indicador más que como un destino. "El LSD no es la respuesta verdadera", dijo en septiembre de 1967. "No te da nada. Te permite ver un montón de posibilidades que quizás nunca hubieras notado antes pero no es la respuesta. Te puede ayudar a ir de A a B, pero cuando llegás a B ves C, y te das cuenta de que para ir realmente alto tenés que ir derecho. Hay maneras especiales de llegar alto sin drogas -con el yoga, la meditación y todas esas cosas".

Magical Mistery Tour (Excursión Mágica y Misteriosa)

En el vuelo de regreso a Londres el 11 de abril de 1967, luego de visitar a Jane Asher por su cumple de 21, Paul comenzó a trabajar en la idea de que los Beatles realizaran un especial para televisión. El grupo sentía que había superado la etapa del formato de "saltos-y-brincos" que los había tornado tan famosos en la pantalla grande, y ahora Paul estaba fascinado con el proceso de hacer él mismo un film, trabajando con una cámara de 8mm y componiendo bandas de sonido electrónicas. Impulsado por la onda experimental de la época, Paul vislumbró la realización de una película sin libreto pre-escrito en el cual los personajes y locaciones sí fueran elegidos de antemano, pero donde la historia se desarrollara espontáneamente durante el rodaje. Su plan era poner a los Beatles al lado de una variada colección de actores y personajes coloridos en un extraño periplo por la campiña inglesa. Como Hunter Davies informó en el Sunday Times el día previo a la emisión de Magical Mistery Tour en televisión: "[Ellos decidieron que la película] fuera Mágica para poder plasmar cualquier idea que se les ocurriera, y Misteriosa ya que ninguno, ni ellos ni los actores, sabrían qué sucedería en la próxima escena... 'La cosa entera va a ser un misterio para todos', le dijo Paul al resto del grupo, "incluso para nosotros'." Había dos fuentes principales de inspiración detrás de Magical Mistery Tour. La primera era la costumbre de clase trabajadora británica de la "excursión misteriosa", el viaje en micro organizado donde sólo el chofer sabe el camino. La segunda fue la idea del novelista estadounidense Ken Kesey de ir manejando a través de los EE.UU. en un micro cuya carrocería estuviera pintada de manera psicodélica. En la parte delantera del bus de Kesey diría "Furthur" [N. T.: un juego de palabras entre: "further" = más adelante; tour = excusión; y "future" = futuro] y en la parte trasera, "Precaución: Carga Extraña". La idea de Kesey era llenar un micro con "freaks", "locos lindos" y extravagantes de la contracultura, poner música, mezclar LSD en las bebidas y salir a ver qué pasaba. Su chofer era Neal Cassady, el model para Dean Moriarty en "On the road" de Jack Kerouac; la historia de sus aventuras fue relatada en el libro de Tom Wolfe "The Electric Kool-Aid Acid Test". Los Beatles tenían conocimiento de las actividades de Kesey y más tarde, cuando fundaron el sello grabador Apple, Kesey visitó las oficinas de Savile Row para conversar sobre sus planes de grabar un disco recitado. El 25 de abril Paul llegó a los Estudios Abbey Road con nada más que el título de la canción, el primer verso y una vaga idea de la melodía. Dijo que quería que su nueva canción fuera como la canción que acompaña a los avances del programa de televisión, dejando ver un poquito de lo que éste tenía guardado para ellos. Lo mandaron a Mal Evans a buscar algún afiche de las ya mencionadas "excursiones misteriosas" y, aunque hizo un recorrido por varias estaciones, volvió con las manos vacías. Una vez que la pista de fondo estuvo grabada, Paul le pidió a todos que gritaran las palabras conectadas con las excursiones misteriosas, y Mal tomó nota. Aunque se les cruzaron "invitation", "reservation", "trip of a lifetime" y "satisfaction guaranteed", no era suficiente por lo cual la pista vocal fue llenada con palabras sin sentido hasta que Paul llegó un par de días después con la letra completada. Se usó la pista sobre una secuencia de apertura hecha de escenas del film con una sección adicional hablada que decía: "Cuando una persona compra un pasaje para una excursión mágica y misteriosa, sabe qué esperar. Le garantizamos el viaje de su vida, y eso es precisamente lo que obtiene - la increíble excursión mágica y misteriosa".

The fool on the hill (El tonto en la colina)

Paul comenzó a trabajar en "The fool on the hill" en marzo de 1967 mientras estaba componiendo "With a little help from my friends", aunque no se grabó hasta septiembre. Hunter Davies observó a Paul cantando y tocando "una canción muy lenta, hermosa, sobre un hombre bobalicón sentado en la colina", mientras John escuchaba mirando como ido a través de la ventana en Cavendish Avenue. "Paul la cantó varias veces, tarareando con 'la-las' las palabras en las que todavía no había pensado para la letra. Cuando al final terminó, John dijo que mejor que escribiera la letra o se la iba a olvidar. Paul dijo que estaba bien, que no se las iba a olvidar", comentó Davies. La canción trataba de un idiota erudito: una persona que todos consideran estúpida pero cuya taradez es en realidad una indicación de su sabiduría. Una experiencia que, se dice, contribuyó a la imagen de Paul del tonto parado en la colina es narrada por Alistair Taylor en su libro "Yesterday". Taylor recuerda una mañana temprano en la cual salieron a caminar por Primrose Hill con Paul y su perra Martha y vieron el amanecer antes de darse cuenta de que Martha se había perdido: "Nos dimos vuelta y ahí estaba el tipo parado detrás de nosotros. Era un tipo de mediana edad, vestido de forma muy respetable con su piloto de lluvia con cinturón. Y qué hay con eso, podés pensar, pero la cosa es que se apareció detrás de nosotros en el medio de la nada ahí, en la cima de la colina, en un silencio total". Tanto Paul como Taylor estaban seguros de que el tipo no había estado ahí segundos antes porque habían estado buscando a la perra en esa zona. Parecía haber aparecido de milagro. Los tres hombres intercambiaron saludos, el hombre hizo un comentario sobre la magnífica vista y se fue. Cuando miraron a su alrededor, se había desvanecido en el aire. "No había signos del hombre. Simplemente desapareció de la cima del cerro como si se lo hubiera llevado el aire! Nadie podría haber corrido tan rápidamente hacia los árboles más próximos para cubrirse con ellos en el tiempo que nos llevó darnos vuelta, y nadie podría haber corrido hasta el otro lado de la cima tampoco". Lo que agregó misterio a esta escena fue que inmediatamente antes de la aparición del hombre Paul y Taylor, inspirados por la hermosa vista de Londres y la salida del sol, habían estado reflexionando sobre la existencia de Dios. "Paul y yo teníamos la misma extraña sensación de que algo especial había ocurrido. Nos sentamos bastante conmovidos en el asiento y Paul dijo '¿Qué carajo pensás de eso? Fue raro. Estaba aquí, ¿no? ¿Le hablamos, no?'" "De vuelta en Cavendish, pasamos el resto de la mañana conversando acerca de lo que habíamos visto, oido y sentido", continúa Taylor. "Suena como si se tratara de alguna fantasía lisérgica de algún drogón decir que tuvimos una experiencia religiosa en Primrose Hill justo antes de la hora pico, pero ninguno de nosotros había tomado nada de eso. Scotch y Coca Cola era lo único que habíamos tocado en toda la noche. Los dos sentimos que habíamos atravesado alguna experiencia místico-religiosa, pero aún así no nos importaba mencionar el uno al otro qué ni a quién habíamos visto en la cima de aquel cerro durante unos breves segundos". En "Magical Mistery Tour" la canción fue utilizada en una secuencia en la cual Paul se halla en una colina contemplando Niza.

Flying (Volando)

Los Beatles habían grabado previamente dos instrumentales: "Cry for a Shadow" en Alemania en 1961 (cuando tocaron junto a Tony Sheridan como los Beat Brothers) y el inédito "12 Bar Original" en 1965. "Flying fue el único instrumental en publicarse en un disco de los Beatles. Surgido como música incidental para el film "Magical Mistery Tour", "Flying" emergió de una zapada en estudio. Originalmente titulado "Aerial Tour Instrumental" (Instrumental de la Excursión Aérea), fue registrado como una composición grupal de los cuatro y presentaba una pista rítmica básica con melotrón adicional, un órgano hacia atrás y cánticos vocales. Las escenas de nubes sobre las cuales "Flying" se escuchó en la película fueron originalmente rodadas (pero nunca utilizadas para ese film) por Stanley Kubrick para "2001 Odisea del Espacio".
Nota: "12 Bar Original" fue finalmente publicado en "Anthology".

Blue Jay Way

"Blue Jay Way" fue escrita por George en agosto de 1967 durante su visita a California con Pattie,Neil Aspinall y Alex Mardas. Al llegar a Los Angeles el 1° de agosto, fueron llevados a una cabaña con pileta alquilada en Blue Jay Way, una calle alta en las colinas de Hollywood sobre Sunset Boulevard. Pertenecía a Robert Fitzpatrick, un abogado del negocio de la música que estaba de vacaciones en Hawaii. Derek Taylor, ex agente de prensa de los Beatles y ahora publicista trabajando en Los Angeles, estaba por visitarlos en su primera noche en la ciudad, pero se perdió en las angostas calles camino a la cabaña, y se demoró. Había un pequeño órgano Hammond en un rincón de la habitación y George hizo tiempo mientras llegaba Taylor componiendo una canción sobre estar varado en una casa en Blue Jay Way mientras sus amigos estaban perdidos en la niebla. "Blue Jay Way" es una calle notoria por ser difícil de encontrar: se puede estar geográficamente, pero aislado por una hondonada. "Para la hora en que llegamos ahí la canción estaba virtualmente intacta", dice Derek Taylor. "Por supuesto, en el momento me sentí muy mal. Ahí estaban esas dos personas afectadas por el jetlag, y nosotros que habíamos llegado como dos horas más tarde. Pero ahí había una canción, que resultó formar parte de Magical Mistery Tour (el film) a través de un prisma de cerca de ocho imágenes, con George con una campera rojiza sentado y tocando el piano en el piso". A Taylor le divertía lo que la gente pensaba del tema. Un crítico pensaba que el verso en el cual George urge a su invitado que no se tarde [not to "be long"] era en realidad un consejo a la juventud de que no pertenecieran [not to "belong"], en el sentido de que no formaran parte de la sociedad. Otro aclamado musicólogo sostenía que, cuando George dijo que sus amigos habían "perdido su camino", en realidad quería decir que una generación entera había perdido la dirección. "Es una cancioncita simple", rió Taylor.

Your mother should know (Tu madre debe de conocerlo)

"Your mother should know" de Paul podría haber sido compuesta tan temprano como en mayo de 1967, cuando tanto John como Paul estaban trabajando en canciones para el especial de televisión "Our World". Como en "When I'm Sixty-Four", la canción era una mirada hacia atrás a la música que a su padre le agradaba cantar cuando era joven en la Jim Mac's Jazz Band. Jim McCartney formó su propia banda de ragtime en 1919 y tocó en shows por Liverpool, presentando números como "Birth of the Blues" y "Stairway to Paradise". Un día, Paul sorprendió a su papá grabando una de sus composiciones con el título "Walking in the Park with Eloise" (Caminando por el Parque con Eloísa), bajo el alias de The Country Hams. "Your mother should know", no obstante, encontró su camino hacia la película "Magical Mistery Tour" en la escena en donde los cuatro Beatles, vestidos con smókings blancos, descienden una escalera y bailarines salen a su encuentro. Estrictamente hablando, cualquier hit que su madre hubiera conocido hubiera sido un éxito antes de que ella naciera en 1909, en los días en que los hits no se determinaban por las ventas de discos sino por las ventas de partituras.

I am the walrus (Yo soy la morsa)

La naturaleza irregular y dislocada de "I am the walrus" le debe mucho al hecho que que es una amalgama de al menos tres ideas de canciones en las que John estaba trabajando, ninguna de las cuales significaba demasiado por sí sola. La primera, inspirada en una distante sirena policial que escuchó estando en su casa de Weybridge, comenzaba con las palabras "Mis-ter---ci-ty--- police-man" y se desarrollaba al rito de la sirena. La segunda era una melodía pastoral sobre John en su jardín de Weybridge. La tercera era una canción sin sentido sobre estar sentado en un pochoclo. John le dijo a Hunter Davies, que estaba todavía recabando información para la biografía oficial de los Beatles para esa época: "No sé cómo va a terminar. Quizás terminen siendo diferentes partes de la misma canción". Según Pete Shotton, el catalizador final fue una carta que recibió de un pupilo de la Quarry Bank School que mencionó que un maestro estaba haciendo analizar las canciones de los Beatles a sus alumnos. La carta del estudiante del Quarry Bank School fue enviada a John por Stephen Bayley, quien recibió una respuesta de fecha 1° de septiembre de 1967 (que fue luego vendida en una subasta en 1992 en Christie's de Londres). Esto divirtió a John, que decidió confundir a ese tipo de gente con una canción llena de las más pistas más incoherentes para dejarlos perplejos. Le pidió a Shotton que le hiciera acordar de alguna cancioncita tonta de ésas que se cantan cantan en el jardín de infantes con las que los chicos ingleses se deleitaran en ese momento. John tomó nota: "Yellow matter custard, green slop pie, all mixed together with a dead dog's eye. Slap it on a butty, ten foot thick, then wash it all down with a cup of cold sick" ["flan amarillo, tarta de barro verde, todo mezcladito con un ojo de perro muerto. Aplastalo en un culito, diez pies de grosor, después enjuagalo con una taza de vómito frío"]. John siguió inventando algunas imágenes absurdas como "semolina pilchards, elementary penguins" [sardinas de vitina, pingüinos elementales] y palabras sin sentido como "texpert, crabalocker" antes de agregar algunos versos que había escrito durante un viaje lisérgico. Entonces las hiló junto con los tres temas inconclusos que ya le había mostrado a Hunter Davies. "Dejá que los boludos se rompan los cuernos descifrándola" parece que le dijo a Pete Shotton una vez que hubo finalizado. Cuando Playboy le pidió, 13 años después, que explicara a "walrus", él señaló que pensó que Dylan zafó del asesinato a veces y que decidió que "Yo puedo componer escribir esas porquerías también". Aparentemente, la única parte seria de la letra es el verso de apertura con su visión de la unidad detrás de las cosas. El "pingüino elemental" que canturreaba Hare Krishna era John cargando a Allen Ginsberg quien, en esa época, solía cantar el mantra Hare Krishna en actos públicos. La morsa en sí salió del poema de Lewis Carroll "The Walrus and the Carpenter" (La Morsa y el Carpintero). La grabación de "I am the walrus" se inició el 5 de septiembre. Se desarrolló con interrupciones dado que George Martin estaba tratando de encontrar un equivalente musical al fluir de imágenes y juegos de palabras en las letras utilizando violines, cellos, cuernos, clarinete y un coro de 16 voces además de los propios Beatles. El 29 de septiembre, hasta algunos versos de Shakespeare (del Acto IV, Escena VI de "El Rey Lear") fueron superpuestos al tema, tomados de una transmisión de la BBC. Las voces de estos dos hombres que conversan aparecen y se desvanecen y vuelven a resurgir. Se trata de Gloucester y Edgar, que en sus parlamentos dicen:
- Now good Sir, what are you?
- A most poor man, made tame to Fortune's blows who, by the art of known, and feeling sorrows, Am pregnant to good pity.
(- Ahora, buen Señor, ¿quién sois vos?
- Un muy pobre hombre, a quien han domado los soplidos de la Fortuna, y quien por el arte de las aflicciones conocidas y sentidas, está empapado de compasión.).
La música tapa los parlamentos, y al rato vuelve a escucharse a Edgar y Oswald discutiendo:
Oswald: If ever thou wilt thrive, bury my body, and give the letters whichthou find'st about me to Edmund Earl of Gloucester: seek him out upon the English party. Oh, untimely death, death [dies]
Edgar: I know thee well. A serviceable villain, as duteous to the vices ofthe mistress, as badness would desire.
Gloucester: What, is he dead?
Edgar: Sit you down, father: rest you.
(Oswald: Si quieres prosperar, sepulta mi cuerpo, y entrega las cartas que encuentres sobre mí a Edmund, conde de Gloucester: búscalo en el campamento inglés. ¡Oh, prematura muerte... muerte! [muere]
Edgar: Os conozco bien. Un servil villano, tan obsequioso de los vicios de su querida como la propia maldad lo pudiera desear.
Gloucester: ¿Cómo? ¿Está muerto?
Edgar: Vos sentáos, padre: descansad.)
Podría decirse que en este tema los Beatles llegaron al pináculo de la creatividad. Combinaron surrealismo, juegos de palabras (muchas veces solamente fonéticos), y tal vez un homenaje a la literatura a través de citas o referencias a William Shakespeare, Lewis Carroll y Edgar Alan Poe.

Lady Madonna

"Lady Madonna" fue el primer single en mostrar que la manera de ir adelante para los Beatles ahora residía en volver atrás con el rock'n'roll básico. Luego de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y Magical Mistery Tour, se asumía que la progresión musical significaría mayor complejidad, pero nuevamente Los Beatles desafiaron las expectativas. La melodía fue tomada de "Bad Penny Blues", un hit del trompetista Humphrey Lyttelton de 1956 en Gran Bretaña, que había sido producido por George Martin. "Le preguntamos a George cómo habían obtenido el sonido de 'Bad Penny Blues'", confesó Ringo, "y él nos dijo que habían utilizado pinceladas y piano y entonces decidimos que necesitábamos hacer un off-beat, así que incluimos un off-beat". A Lyttelton no le molestó en lo más mínimo, total él había sacado el riff de Dan Burley de todas formas... "No podés registrar un ritmo como si fuera una marca, y el ritmo era todo lo que habían tomado prestado", dijo. "Me sentí muy halagado. Aunque a ninguno de los Beatles le importaba el jazz tradicional, todos conocían y les gustaba 'Bad Penny Blues' porque era una cosa blusera, tipo skiffle más que un ejercicio tradicional". Paul intentó en esta canción hacer una celebración, un homenaje a la maternidad. "¿Cómo hacen?", preguntó durante una entrevista de Musician en 1986. "El bebé en tu pecho -¿de dónde sacan el tiempo para alimentarlos? ¿De dónde sacan la plata? ¿Cómo hacés estas cosas que hacen las mujeres?" El cantante estadounidense Richie Havens recuerda haber estado con Paul en un club de Greenwich Village mirando tocar a Jimi Hendrix cuando una chica se dirigió a él y le preguntó si "Lady Madonna" había sido escrita sobre los Estados Unidos de América. "No", contestó Paul. "Estaba mirando una revista africana y vi una mujer africana con un bebé. Debajo de la foto rezaba 'Mountain Madonna'. Pero dije, 'oh, no - Lady Madonna', y escribí la canción". Lanzada como disco simple en marzo de 1968, "Lady Madonna" subió al N° 1 en Gran Bretaña pero sólo hasta el N° 4 en los EE.UU.

The inner light (La luz interior)

El 29 de septiembre de 1967 John y George fueron invitados de David Frost en su programa nocturno en vivo de televisión, "The Frost Report". El tema de esta emisión en particular era la Meditación Trascendental e incluia una entrevista con el Maharishi Mahesh Yogi, grabada el mismo día en el Aeropuerto de Londres, pero más temprano. Entre el público invitado presente en el estudio en Wembley, al norte de Londres, se encontraba el erudito en sánscrito Juan Mascaró, profesor en la Universidad de Oxford. Al mes siguiente, Mascaró le escribió a George adjuntando una copia de "Lamps of Fire" (Lámparas de Fuego), una colección de sabiduría espiritual de diferentes extracciones y tradiciones que él había editado. También hizo la sugerencia de que quizás George quisiera expresar en música los versos del Tao Te Ching, en particular del poema titulado "The Inner Light". En su prefacio a "Lamps of Fire", cuya primera edición data de 1958, Mascaró escribió: "Los pasajes de este libro son lámparas de fuego. Algunas brillan más y otras, menos, pero todas convergen en la vasta lámpara que San Juan de la Cruz llamara 'la lámpara del ser de Dios'". "The Inner Light" fue la primera canción de George en aparecer en un single cuando apareció como lado B de "Lady Madonna".

Hey Jude

Cuando John y Yoko comenzaron a vivir juntos, obviamente empezó el trámite de divorcio entre John y Cynthia. Se llegó en primera instancia a un acuerdo ad-interim por el cual se les permitía permanecer a Cynthia y Julian en Kenwood mientras John y Yoko fijaron residencia en un departamento en Montagu Square, en el centro de Londres. Paul siempre había disfrutado de una relación estrecha con Julian, el hijito de John, que en ese entonces tenía 5 años. Con el fin de mostrarle a él y a su madre su apoyo durante la ruptura matrimonial de Cynthia y John, fue desde su casa en St. John's Wood hasta Weybridge llevando una única rosa roja. Paul a menudo utilizaba el tiempo que le llevaba manejar de un punto a otro para ir pensando canciones nuevas y, ese día, con el incierto futuro de Julian en su mente, comenzó a cantar "Hey, Julian" y a improvisar la letra que trasmitiera sentimientos de confort y reafirmación. En algún punto durante la hora de viaje, "Hey Julian" pasó a ser "Hey Jules, don't make it bad. Take a sad song and make it better" [Che, Jules, no lo hagas mal. Tomá una canción triste y mejorala]. Sólo fue después, cuando se tuvo que pulir la letra, que cambió Jules a Jude, pensando en que Jude sonaba como un nombre más fuerte que Jules. Como sucede con tantos temas de Paul, fue la música la que llevó la letra, con el sonido tomando precedencia por sobre el sentido. Un verso en particular ("The movement you need is on your shoulder") {el movimiento que necesitás está sobre sus hombros] parece ser sólo un elemento de relleno. Cuando Paul tocó el tema para que John lo conociera el 26 de julio de 1968, le señaló que a este verso habia que reemplazarlo, diciendo que sabía que sonaba como si estuviera cantando sobre su loro. Pero John le dijo: "Es probablemente el mejor verso del tema. Dejalo. Yo sé lo que quiere decir". Julian Lennon creció sabiendo la historia detrás de "Hey Jude" pero no fue hasta 1987 que supo los detalles sobre la composición de primera mano, de boca de Paul, con quien se cruzó al estar hospedados en el mismo hotel en Nueva York. "Fue la primera vez en años en que nos sentamos a conversar. Me dijo que había estado pensando sobre mi situación hace todos esos años, sobre lo que yo estaba atravesando y la que se me vendría en el futuro. Paul y yo solíamos estar bastante juntos -más de lo que estábamos papá y yo. Tal vez a Paul le gustaban más los chicos por esa época. Teníamos una gran amistad y parecía haber muchos más fotos mías con Paul jugando juntos a esa edad que fotos mías y de papá". Hace bastante poco que Julian comenzó a hacer preguntas sobre su pasado. Paul tenía razón en anticipar que él atravesaría momentos difíciles durante su crecimiento. "Nunca quise saber realmente la verdad sobre cómo era papá y cómo era él conmigo", admite Julian. "No quería conocer la verdad y por eso mantenía mi boca cerrada. Se decían cosas muy negativas sobre mí, como cuando dijo que yo había salido de una botella de whisky un sábado a la noche. Cosas como ésas. Es jodido de manejar. Uno piensa, ¿dónde está el amor en eso? Era algo muy dañino psicológicamente, y por años me afectó. Yo me preguntaba cómo podía decir semejante cosa de su propio hijo, carajo!" Julian no estudió las letras de "Hey Jude" por un tiempo pero le cuesta evadirse de la canción, sea que la escuche en un restaurant o que la pongan en la radio mientras va manejando en su ciudad de adopción, Los Angeles: "Me sorprende donde sea que la escuche. Es muy raro pensar que alguien escribió una canción sobre vos. Todavía me conmueve." Hay otra versión, quizás más malintencionada pero no del todo incoherente, que sugiere que el tema podría referirse a la droga. Según quienes sostienen esta idea, sería una incitación a que "anytime you feel the pain" [cada vez que sientas dolor], te prives de ese dolor ("refrain") y te liberes del peso: "don't carry the world upon your shoulders" [no cargues el mundo sobre tus hombros] mediante "algo" que no está nombrado expresamente en la canción, pero que leyendo entre líneas podría ser algún tipo de sustancia: "the minute you let it under your skin then you begin to make it better" [en el momento en que la dejes entrar bajo tu piel comenzarás a sentirte mejor], "you have found her, now go and get her" [la encontraste, ahora andá y buscala], "so let it out and let it in" [así que dejala salir y dejala entrar // ¿tal vez se refiera a la aguja; o al humo de la marihuana, o a la oleada del ácido?]. Hasta deja entrever que es algo que se comparte: "you're waiting for someone to perform with" [estás esperando a alguien con quien realizarlo]. Todo concuerda. No es tan desatinado. "Hey Jude" fue el single de los Beatles más exitoso de toda su historia. Llegó a la cima de todos los charts del mundo y, antes de fines de 1968 ya había vendido más de 5 millones de copias.